• NICOLÁS CUELLO / Noviembre 2018

    Durante el 2018 el Departamento de Arte de la UTDT volvió a ofrecer de forma libre y gratuita un ciclo de conferencias magistrales dictadas por destacados intelectuales sobre temas fundamentales para entender las prácticas artísticas contemporáneas en su contexto específico.

    Nicolás Cuello brindó su conferencia '
    Historia de la desilusión. Lenguajes expresivos de la negatividad queer' el 11 de noviembre a las 19hs. Compartió su investigación sobre la intersección de prácticas artísticas, políticas sexuales y culturas gráficas alternativas con énfasis en los lenguajes de expresividad antagonistas. 


    Historia de la desilusión. Lenguajes expresivos de la negatividad queer.

    El retorno de la democracia significó socialmente la edificación de una promesa política de posible reparación para la sociedad argentina. Como proyecto cultural supo condensar las extendidas fantasías de justicia y los deseos de libertad arrebatados por la noche cruel del terror dictatorial. Pero los efectos de subjetivación producidos por los imaginarios represivos y , especialmente, su remanencia en los aparatos públicos de la representación macropolítica darán paso a estructuras subterráneas del desencanto pronunciadas desde los márgenes del nuevo común democrático. Frente a la permanencia silenciosa y ensombrecida del poder represivo, entonces, se conjugará una nueva matriz de acción política alternativa enfurecida con la hipocresía del deber político y distanciada de los proyectos utópicos modernos de transformación de lo real que principalmente hará del uso de la negación social, el rezagamiento rencoroso, el delirio químico, el asco y el libertinaje sexual, su lenguaje expresivo privilegiado. El trabajo interseccional de feministas, perversos sexuales, poetas alcohólicos, anarquistas transhumantes, punks, vagabundos, profesionales del sexo, estrellas del underground y otros melancólicos de izquierda produjo una serie de acontecimientos hasta el momento poco visitados en las historiografías de la imaginación política antagonista. Acercarnos a la extravagante vibratilidad inorgánica de dichas experiencias puede resultar en un ejercicio de escucha fantasmática, una apertura espectral que haga lugar para todos aquellas formas de ensoñación extrañas, actualmente acumuladas en el basurero de la historia, que ensayaron modos sensibles de transformación subjetiva para volver real la utopía convulsa del no.

    Conferencia Nicolás Cuello 


    Nicolás Cuello (1989, Cipolletti, Rio Negro) Es profesor de Historia de las Artes por la Universidad Nacional de la Plata. Allí mismo cursó la Maestría en Estética y Teoría de las Artes. Actualmente se desempeña como Becario Doctoral del CONICET, como docente en la Universidad Nacional de las Artes y como secretario de la Cátedra Libre "Prácticas Artísticas Políticas Sexuales". Es miembro asesor del Programa de Memorias Políticas Feministas y Sexogenéricas del Cedinci/Unsam, además de impulsar el proyecto colectivo Archivo de Culturas Subterráneas. Sus investigaciones se centran en la intersección de prácticas artísticas, políticas sexuales, representaciones críticas de las emociones y culturas gráficas alternativas desde la postdictatura hasta la actualidad.

  • JORNADAS ROCK: MÚSICAS / Octubre 2018

    La Universidad Torcuato Di Tella tuvo el agrado de presentar Rock en la Di Tella: Músicas, que se desarrolló en dos encuentros, un recital y una conferencia, enfocados en la figura de la mujer en el rock nacional e internacional.


              RECITAL NUBE 9 +  Invitadas: Mavi Díaz y Paula Meijide
              Jueves 25 de Octubre, 19h 
              Lugar: Auditorio

     Ph: Guadalupe Creche

    Jornadas Rock en Ditella: Músicas - Recital Nube 9 e Invitadas

     CONFERENCIA “CONVERSACIONES”
     Martes 30 de Octubre, 18h
             

    Invitadas:

              Pilar Arrese (Kumbia Queers)

              Miss Bolivia

              Mavi Díaz (ex Viuda e Hijas de Roque Enroll)

              Juana Molina 

              Coordinan: Pablo Schanton y Romina Zanellato
              Lugar: Auditorio 

    Ph: Guadalupe Creche

    Jornadas Rock en Di Tella: Músicas - Conversaciones 


    El primer encuentro de Músicas recorrió un cancionero rock hecho de temas que llegaron al éxito de la mano de la mujer. Así, junto a Nube9 y con Mavi Diaz y Paula Meijide como invitadas, transitamos por varias décadas de sonidos apropiados principalmente por músicas argentinas y anglosajonas.

    El nuevo feminismo con impulso joven, que aquí brotó luego del movimiento #niunamenos y mientras se debatía la despenalización del aborto en el Congreso, ha interpelado al rock principalmente desde la denuncia de abusos por parte de rockeros. ¿Qué dicen las protagonistas del rock sobre aspectos más vinculados a las poses y posturas del género musical más popular de las últimas décadas? Cómo se refleja el machismo y el patriarcado en la historia del género y su cultura en la Argentina y cómo las mujeres lo superaron o confrontaron, desde los '70 -cuando las músicas involucradas eran más que nada las novias de los músicos- y los '80 -con el destape de figuras como Celeste Carballo o Hilda Lizarazu- a hoy.

    Estos temas fueron analizados en el segundo encuentro por  mujeres que pertenecen al rock y sus nuevas ramas (el rap, la cumbia, la electrónica): Miss BoliviaPilar Arrese (ex She Devils y actual Kumbia Queers) Mavi Díaz (ex líder de la legendaria banda pop Viuda e Hijas de Roque Enroll) y Juana Molina. 

    Con la coordinación de los periodistas Pablo Schanton y Romina Zanellato, cada una de estas músicas contó sus experiencias particulares y dieron sus opiniones sobre la cuestión de las mujeres y el rock. 


    CV

    La banda Nube 9 nació en el 2001 para rendir un tributo distinto a The Beatles. Ganó premios internacionales y fue especialmente invitada a participar de la “Beatle Week” en Liverpool, donde se presentó en ocho oportunidades y fue introducida al “Salón de la Fama” en 2011. Realizó distintos shows interpretando toda su discografía, así como también homenajes a las carreras solistas. Ganó premios internacionales como Mejor Banda y Mejor Espectáculo Temático y fue especialmente invitada a participar de la “Beatle Week” en Liverpool, donde se presentó en ocho oportunidades. Ingresó al “Salón de la Fama” en 2011, siendo la única banda argentina en lograrlo hasta el momento. En 2011 fue elegida como banda telonera de Ringo Starr en su primera visita al país. Conocé la banda en Youtube.

    MAVI DIAZ es hija del virtuoso de la armónica Hugo Díaz y sobrina del percusionista Domingo Cura, Mavi Díaz nació y creció rodeada de la mejor música y ha dedicado su vida a transformar ese legado en su inspiración esencial como cantante, compositora y productora. Declarada Personalidad Destacada de la Cultura 2015 por la Legislatura Porteña, ganadora del Premio Gardel 2013 por su producción “Hugo Díaz | Antología” como Mejor colección de Catálogo, Premio Consagración en el Festival de Música Popular Argentina Baradero 2010 y galardonada con el Premio Gardel 2009 por el tema “Zamba de Ángel”, Mavi se presenta junto a su multipremiada banda femenina Las Folkies, integrada por Silvana Albano en piano, Pampi Torre en guitarra y Martina Ulrich en percusión. “Todo Sí!”, el segundo disco de la banda,  ha recibido el Premio Gardel 2016 al Mejor Álbum Folklore Alternativo. La banda recorre el país presentando este trabajo acompañado por tres videoclips: “Por Ti”, rodado en New York, San Francisco y Madrid, "Del Tallo a la Flor", un homenaje a la danza nativa, rodado en Argentina, ambos dirigidos por Dano Ziontifik y “Lamento por chacarera” rodado en Granada, España y estrenado recientemente. “Sonqoy”, el primer disco de Las Folkies, ha recibido excelentes críticas de prensa y público y ha sido nominado a los Premios Gardel 2012 como Mejor Álbum de Folklore Alternativo. Mavi Díaz & Las Folkies han llevado su folklore a prestigiosas salas de todo el mundo como La Casa de América (Madrid), Joe´s Pub The Public Theatre (New York), Miller Symphoy Hall (Allentown, Pennsylvania), entre muchas otras. Han  representado a Argentina en la Expo Mundial de Milán (2015) y de Corea (2012) y su show ha sido seleccionado como el mejor espectáculo en vivo por los organizadores. Las Folkies continúan cada año realizado exitosas giras por Argentina, Europa, U.S.A y Asia y actualmente se preparan para grabar su tercer disco de estudio. Mavi es fundadora de la legendaria banda de pop femenina Viuda & Hijas de Roque Enroll y ha formado parte de Los Twist. Es, además, una prestigiosa productora artística, especializada en producción vocal y ha trabajado con grandes artistas de todo el mundo.

    PAULA MEIJIDE. Paula ha sido la voz viva de numerosos proyectos musicales. Sus primeros pasos los dio desde su tempranísima juventud, destacándose como cantante de jazz. Algo de todo esto quedó plasmado en su primer disco, editado en 2005 por el sello MDR. Pero sus influencias son amplias y explora, tanto en la interpretación como en la composición, diferentes vetas musicales. Gracias a ello, en el año 2005 se transformó en la cantante del grupo electropop Entre Ríos, con quien se presentó en festivales y conciertos por Argentina, Uruguay, Chile y Perú. Al mismo tiempo, participó en los discos "Papá", "Se Puede" y "Presión Social" del proyecto llamado Varias Artistas, de Lucas Martí, con quien también suele presentarse en vivo. Su segundo disco "La Reunión", fue editado en 2008 de forma independiente. Actualmente se encuentra tocando y promocionando su tercer disco "Punto de luz", que puede escucharse en las principales plataformas digitales.

    MISS BOLIVIA es el proyecto musical que fusiona los estilos urbanos de cumbia, hip hop, dancehall, electro reggae y pop combinando la frescura y provocación de lo digital con la potencia de los ritmos y elementos originarios. Desde 2008, Miss Bolivia editó 3 LP's y realizó giras por Europa y Latinoamérica, presentándose en reconocidos escenarios, salas y festivales de Argentina y el mundo. En el marco de sus giras, Miss Bolivia representa con potencia, calidad y alto voltaje la cultura de fusión latinoamericana emergente que detona a nivel global, en un set donde dialogan permanentemente la música, la danza y el arte visual. Actualmente se encuentra presentando su nuevo álbum “Pantera”, en el “Pantera Tour 2017/2018”.Fue premiada como Mejor Artista Soundsystem en el Rototom Reggae Contest Latino, nominada a los premios Martín Fierro y Gardel, y reconocida por la Legislatura de Buenos Aires por su activismo en la lucha por los derechos humanos. Miss Bolivia ha musicalizado films y documentales, entre ellos Focus, Desmadre, La Leona, Bones, Alanis y Montecastro. Se ha presentado en festivales como Lollapalooza, Fusion Festival, Quilmes, Pepsi Music, Movistar Free Music, BUE, MICSUR, entre otros. MB avanza con lírica incendiaria y comprometida, llamando a la toma de conciencia sobre los recursos naturales, la violencia de género, los derechos individuales y el baile como modo de exorcismo y sanación colectiva. Su práctica artística se orienta hacia la inclusión y la tolerancia. El activismo a través de la música es uno de los ejes principales que motorizan el proyecto.

    PILAR ARRESE/ PILA DEVIL/ PILA ZOMBIE, según el año y la banda en la que tocó, fue una niña muy enojada con la vida que le obligaban a vivir. Descubrió los fanzines anarquistas y punks justo a tiempo. Se sintió acompañada por “Resistencia” el que hacía Pat Pietrafesa, y ahí descubrió la vida que quería vivir. Empezó a estudiar guitarra con Gamexane de Todos Tus Muertos a los 17 años y a los pocos meses Pat la invitó a formar una banda de chicas que se llamó WALPURGIS. De ahí armaron SHE DEVILS, banda con la que organizaron durante más de diez años los festivales Belladona, de mujeres rebeldes. Editó los fanzines Hasta Morirla! (1990) y Drag! (1998). También tocó en Las Curvettes y con el tiempo descubrió que el punk rock estaba agotado, eran pocas chicas y un movimiento de hombres muy conservadores y misóginos. Por eso, empezaron a experimentar cumbia con otras amigas y armaron Kumbia Queers. Hace 12 años que giran por el mundo tocando el género que bautizaron tropipunk.

    JUANA MOLINA es hija del compositor de tango Horacio Molina y de la actriz Chunchuna Villafañe, creció en un ambiente musical. Durante el exilio de la familia en Paris, luego del golpe militar de 1976, su perspectiva sobre la música se amplió enormemente y regresó decidida a seguir una carrera en la música. Como sabía que tenía una habilidad especial para hacer imitaciones y se presentó en una audición para un programa de televisión en el que fue contratada en el acto. Siete años después de su debut televisivo, tomó la resolución de cancelar el show y retomar la música nuevamente. Lanzó su primer álbum en 1996 con una  recepción reservada ya que sus fans añoraban su veta de comediante. A pesar de estas dificultades iniciales, su pasión y compromiso con la música prevaleció y el reconocimiento mundial comenzó a crecer. Después del lanzamiento de su segundo y tercer álbum, rápidamente se convirtió en la favorita de la escena internacional indie/ electrónica/ folk. "Tres Cosas" fue incluida en los "Top Ten Records of 2004" por The New York Times y promocionada por artistas como David Byrne y Will Oldham. Su música, que presenta elementos de folk, ambient y electro, es única y muy personal. Desde el lanzamiento de su aclamado álbum Wed 21 a fines de 2013, Juana Molina ha presentado decenas de shows en Europa, Estados Unidos, América Latina y el sudeste asiático. Su último álbum, Halo, fue lanzado de mayo de 2017.

    PABLO SCHANTON es periodista, crítico e investigador de cultura popular, especializado en rock, pop y música electrónica. Además, es letrista, compositor y artista sonoro. Estudió la carrera de Letras en la Universidad de Buenos Aires durante la década de los 80. A principios de los 90, dirigió la revista de crítica musical Aparato Ruido. Entre 1990 y 2009, organizó anualmente charlas y eventos con visitas de críticos y músicos sobre música alemana –los ciclos Estetoscopio y Post Post– en el Goethe Institut de Buenos Aires. Fue programador de artistas internacionales en la discoteca Morocco a principios de los ’00. Fue el impulsor de la traducción al español de los libros del crítico inglés Simon Reynolds. Trabaja como editor en el diario Clarín, y es coeditor de la sección música del site Otra Parte Semanal. Desde 1998 pertenece al colectivo de músicos y DJs Agencia de Viajes, cuyas puestas en escena citan tanto a la discoteca como a la performance. En 2017, con Alejandro Ros realizó la instalación olfativo-sonora “Perfumancia” para la feria Arco en España.

    ROMINA ZANELLATO nació en Neuquén en 1984. Periodista. Publica en las revistas: Rolling Stone, Viva, La Cosa Cine y Latfem. Colaboró en Los Inrockuptibles, diario La Nación, diario Clarín, Revista Brando, La Agenda, Revista Ohlalá, UNO y Almagro Revista. Trabajó en la prensa y comunicación digital de artistas de los sellos Concepto Cero y DiscoBabyDiscos, y de manera independiente con artistas como: Jimena López Chaplin, Bruno Masino, Cuerpo, Gastón Massenzio, Kaleema y Andrés Ruiz. Es docente en Escuela ETER de la materia Prensa y Comunicación Digital. Trabajó como redactora creativa en la agencia Zetenta y Backstory Contenidos. Hace las redes de Ciudad Cultural Konex y la Bienal de Arte Joven. Escribió una novela, Entre dos ríos, publicada en mayo de 2018 por la editorial Rosa Iceberg. Hizo el podcast Los Cartógrafos con Rosario Bléfari y Nahuel Ugazio. Licenciada en Periodismo (UP), postgraduada en Producción del Mensaje Gráfico (UAB) y magíster en Escritura Creativa (UNTREF).

    COORDINACIÓN: Carlos Huffmann, Klaus Gallo y Marcelo Rabossi.

    ORGANIZAN: Departamento de Arte, Departamento de Estudios Históricos y Sociales y Área de Educación de la Escuela de Gobierno.

  • SOFÍA OLASCOAGA / Octubre 2018

    Invitada por el Departamento de Arte de la Universidad Torcuato Di Tella, la curadora, artista e investigadora mexicana Sofía Olascoaga, brindó al público su conferencia 'Entre utopía y desencanto, una genealogía afectiva'

    La curadora expuso sobre su evaluación crítica de la tensión productiva entre la utopía y el fracaso de modelos internacionales de crear comunidad desarrollados en México en décadas pasadas. Arte, eduación y acción colectiva. 


    Entre utopía y desencanto, una genealogía afectiva

    “Entre utopía y desencanto” es un proyecto de investigación y experimentación curatorial que se enfoca en la organización de una serie de encuentros en torno a las nociones de utopía y desencanto, abordando referentes de la memoria colectiva y de la historia específica de Cuernavaca, México, entre las décadas de 1950 y 1980, buscando proponer un espacio para el pensamiento crítico, diálogo colectivo y aprendizaje activo entre participantes de diversos campos de práctica y experiencias generacionales.

    El proyecto desembocó en la creación de un centro de documentación como dispositivo museográfico y acompañado por un programa público compuesto por acciones e intervenciones, diálogos y talleres, con la participación de artistas y colaboradores relacionados con iniciativas históricas y actuales, desde los ámbitos educativo, psicoanalítico, de feminismo y trabajo comunitario.

    En nuestras actividades participaron Eunice Adorno, Beta-Local / La Práctica (Puerto Rico), Maru Calva, Alejandro Chao, Colectivo AM, Cráter Invertido / Revista Cartucho, Abraham Cruzvillegas, Finella Halligan, Pablo Helguera, Sol Henaro, Magali Lara, Mauricio Marcin, Marcela Marcos, Sylvia Marcos, Jorge Margolis, Sarah Minter, Nuria Montiel, Taniel Morales, Roberto Ochoa, SofíaOlascoaga, Ignacio Plá, Vicente Razo, Naomi Rincón-Gallardo, Jean Robert, UniTierra (Oaxaca).

    Sofía Olascoaga (Ciudad de México, 1980) es artista, curadora e investigadora. Es egresada de la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda”. Formó parte del equipo curatorial de la 32.a Bienal Internacional de São Paulo (2016). De 2014 a 2015 fungió como curadora académica del Museo Universitario Arte Contemporáneo. Fue directora de clínicas del Simposio Internacional de Teoría del Arte Contemporáneo X (2012). Entre 2007 y 2010 fue coordinadora de Educación y Programas Públicos del Museo de Arte Carrillo Gil. Fue la primera Research Curatorial Fellow del Independent Curators International (2011) y Helena Rubinstein Curatorial Fellow en el Independent Study Program del Whitney Museum of American Art (2010).

    Sofía Olascoaga 'Entre utopía y desencanto'



  • RITA SEGATO / Octubre 2018

    Durante el 2018 año el Departamento de Arte de la UTDT ofreció de forma libre y gratuita un ciclo de conferencias magistrales dictadas por destacados intelectuales sobre temas fundamentales para entender las prácticas artísticas contemporáneas en su contexto específico.

    El último 3 de octubre, la antropóloga Rita Segato dictó la conferencia "Pensar y vivir para contarlo". En esta charla Segato compartió su investigación sobre cómo recuperar formas del pensar en conversación y de la comunicación de lo pensado como narrativa, insurgiendo la tecnología del texto académico.

    Crédito fotográfico: Bruno Dubner


    Rita Laura Segato. Nacida en Argentina y doctorada en Irlanda, es investigadora de nivel máximo del Consejo de Investigaciones Científicas de Brasil además de haber recibido el título de Profesora Emérita. Es también Dra Honoris Causa por la Universidad Nacional de Salta y por la Universidad Autónoma de Entre Rios. Ha formado parte como perito de los juicios en Guatemala por el caso Sepur Zarco, donde por primera vez se juzgó y condenó la violencia sexual, esclavitud domestica y sexual, como objetivos estratégicos de guerra utilizada por el Estado. Sus principales campos de interés se centran en las nuevas formas de violencia contra las mujeres y en las consecuencias contemporáneas de la colonialidad del poder. Entres sus obras más importantes se deben citar: Las estructuras elementales de la violencia(Buenos Aires, 2013), La Nación y sus Otros (Buenos Aires, 2007) y La Crítica de la Colonialidad en Ocho Ensayos y una antropología por demanda (2015).

    'Pensar y vivir para contarlo' 





  • CECILIA ALEMANI / Septiembre 2018

    El Departamento de Arte tuvo el agrado de invitar a la conferencia “Arte en espacios no convencionales” de la curadora italiana radicada en Nueva York, Cecilia Alemani, que se realizó el lunes 10 de septiembre a las 19h en el Aula Magna de la UTDT.

    En esta conferencia, Alemani examinó algunos casos tomados de su experiencia personal curando proyectos artísticos realizados en espacios expositivos no convencionales, como por ejemplo el High Line de Nueva York y el pabellón italiano en la Bienal de Venecia, entre otros.

    La conferencia se realizó en inglés, sin traducción.

    Cecilia Alemani es la directora artística de la primera edición de Art Basel Cities: Buenos Aires, que se llevará a cabo en la semana del 6 al 12 de septiembre de este año. Ella es también la directora y curadora en jefe del High Line Art, el programa de arte público presentado por la organización sin fines de lucro Friends of the High Line en la ciudad de Nueva York. Fue curadora del pabellón italiano en la edición de 2017 de la Bienal de Venecia. Desde 2012, ha comisionado y curado proyectos de arte público en el High Line realizados por más de doscientos artistas. Para el pabellón de Italia, organizó la exhibición “Il mondo magico”, que incluía obras comisionadas de Giorgio Andreotta Calò, Roberto Cuoghi y Adelita Husni- Bey. A lo largo de su carrera, Alemani ha colaborado con muchos museos, instituciones, y fundaciones como MoMA/PS1, Nueva York; Tate Modern, Londres; y la Fundación Deste, Atenas, y ha desarrollado proyectos menos convencionales con organizaciones sin fines de lucro y organizaciones informales. Alemani trabajo como curadora invitada en en la bienal de performance Performa 11. Cofundó “No Soul For Sale”, un festival de espacios independientes, organizaciones sin fines de lucro y colectivos artísticos realizado en X Initiative, en junio del 2009. Desde enero de 2009 hasta febrero de 2010, trabajó como directora curatorial de X Initiative, Nueva York, un espacio experimental sin fines de lucro, de un año de duración. 

  • JULIANA HUXTABLE / Agosto 2018

    El Departamento de Arte de la Universidad Torcuato Di Tella tiene el agrado de compartir la charla que dió Juliana Huxtable, artista, escritora y dj estadounidense, el lunes 27 de agosto a las 19h en el Auditorio UTDT. Esta conferencia se realizó en el marco del ciclo de charlas organizado por Art Basel Cities.

    La fundadora del proyecto Shock Value, reflexionó sobre los modos en que las nuevas tecnologías transforman las nociones contemporáneas sobre el cuerpo y la historia. Huxtable compartió con el público los modos en que su práctica atraviesa distintos temas sociales en una charla moderada por Valentina Liernur (artista, profesora del Seminario de Análisis de Obra del Departamento de Arte de la Universidad Torcuato Di Tella) y Mariano López Seoane (Doctor en Literatura Latinoamericana por NYU, curador del ciclo de charlas de Art Basel Cities).

    La conferencia se realizó en inglés con traducción simultánea



    Conferencia con la artista Juliana Huxtable 





  • NICOLAS GUAGNINI / Agosto 2018

    Durante este año el Departamento de Arte de la UTDT volverá a ofrecer de forma libre y gratuita un ciclo de conferencias magistrales dictadas por destacados intelectuales sobre temas fundamentales para entender las prácticas artísticas contemporáneas en su contexto específico.

    La tercera de estas conferencias fue "GENEALOGIAS ELECTIVAS Y AUTOFICCIÓNy la dictó el artista argentino radicado en Nueva York el miércoles 15 de agosto en el Aula A104, UTDT. 

    GENEALOGIAS ELECTIVAS Y AUTOFICCIÓN
    Conferencia de Nicolás Guagnini

    Hay un marcado retorno a las políticas y cuestiones identitarias en el aparato distributivo de las artes visuales. Las demandas representativas que los ámbitos políticos no resuelven se convierten en el mandato de la institucionalidad de la cultura visual. Frente a eso la estrategia de construcción genealógica y generación de personae es una posibilidad vigente. Inagurada en las artes visuales argentinas por la figura de Xul Solar, la auto-ficcionalización y el apelo a un collage de tradiciones e ideas será explorado mediante el análisis de la obra y la persona de tres artistas muy diversos: Roberto Aizenberg, Juan Downey y Dan Graham. 

    Nicolás Guagnini nació en Buenos Aires en 1966. Entre 1986 y 1988 estudió con Roberto Aizenberg y cultivó su amistad hasta su muerte. Durante 1994 integró el equipo violeta de fútbol de pintores junto a Pablo Siquier, Julio Grinblatt y Guillermo Iuso. En 1997 se radicó en Nueva York. Ese año fundó una compañia de cine experimental de artistas junto a Karin Schneider. En mayo del 2005 fundó junto con otros artistas, historiadores del arte, y curadores, Orchard, una galería cooperativa en el Lower East Side. Ha exhibido su obra y filmes en varios lugares del mundo. Entre ellos, Buenos Aires, Nueva York, Rio, Dusseldorf y Berlin.  Ha publicado sus escritos en revistas de varios lugares del mundo.


    Imágenes: Dan Graham en su obra "Time Delay Room", 1974 - Juan Downey fotogafiado por Marilys B. Downey en Caracas, 1977 - Roberto Aizenberg, fotografiado por Humberto Rivas, 1969.

  • MARTA DILLON / Agosto 2018

    Durante este año el Departamento de Arte de la UTDT volverá a ofrecer de forma libre y gratuita un ciclo de conferencias magistrales dictadas por destacados intelectuales sobre temas fundamentales para entender las prácticas artísticas contemporáneas en su contexto específico.

    La cuarta de estas conferencias se realizó el jueves 23 de agosto a las 19h en el Aula Magna UTDT y fue dictada por Marta Dillon, periodista, escritora y guionista argentina. 


    EL DESBORDE DE LA MAREA
    Ni Una Menos, el feminismo popular y los pañuelos verdes

    Desde el 3 de junio de 2015, aún cuando todavía no se las nombraba de esta manera, las manifestaciones feministas se convirtieron en un fenómeno de masas que desde Argentina generó lazos con el mundo, multiplicando la salida de mujeres y otras identidades disidentes a la calle con una rebeldía que no cesa, escrita en los cuerpos. 
    El feminismo apareció como el sujeto político inesperado, capaz de transformar radicalmente las subjetividades y a la vez de confrontar la escena política tradicional con demandas concretas, como la del aborto legal, pero también cuestionando los modos de organización y representación en todos los ámbitos: estudiantiles, académicos, territoriales, artísticos, sindicales, familiares. Nada es ajeno a la revuelta feminista y a la puesta en común de un lenguaje capaz de narrar todos los conflictos sociales de manera transversal e interseccional con las opresiones de género, raza, clase, territorio. Es un lenguaje que toca el cuerpo y lo reconfigura.
    La “marea verde”, ese desborde que demandó por el derecho al aborto entre junio y agosto, intergeneracional pero con enorme protagonismo de adolescentes, logró apropiarse de la calle para convertirla en lugar de abrigo, de intercambio, de casa utópica a la vez que experiencial donde lo siniestro no está amparado por las cuatro paredes que modelan la estructura cerrada de la familia héteronormada.
    ¿Cómo se alimentó esa marea? ¿Cómo fraguó esa imagen que configura al movimiento feminista como popular y callejero? ¿Cómo se entramó el feminismo con las luchas por los derechos humanos? ¿Funda esa marea desbordante un pacto social nuevo?

    Marta Dillon es periodista, escritora y guionista. Inició su tarea en 1986 en Radio Nacional Mendoza, trabajó en el diario Nuevo Sur y colaboró desde entonces en distintas publicaciones nacionales y extranjeras (Rolling Stone, Etiqueta Negra – Perú – , TXT, Pistas, Luna, Noticias, Planeta Urbano, Lúna Córnea – México -, Calipso – Venezuela -, entre otras).
    Desde 2002 dirige el suplemento Las12 del diario Página12, en el que trabaja desde su fundación en 1998 y aborda las problemáticas de las mujeres desde una perspectiva de género. En 2008 fundó elsuplemento Soy, también en Página12, dedicado a la diversidad sexual y de género, que dirigió hasta 2012.
    En 2005 y 2006 condujo el programa El desmadre por Radio Ciudad, siempre involucrada en la problemática de las mujeres y participó durante los mismos años del programa periodístico de televisión El destape (América 24), aportando la misma temática.
    En 2012 recibió el Premio Lola Mora a la trayectoria periodística, otorgado por la Legislatura de la Ciudad de Buenos Aires. En 2005 recibió el premio Margarita Ponce de la Unión de Mujeres Argentinas y fue declarada Embajadora de los Derechos Reproductivos por el Instituto Social y Político de las Mujeres. En 2002 recibió el premio José Martí, en La Habana, Cuba. Ha publicado, entre otros libros: Aparecida (Sudamericana, 2015), Corazones Cautivos, la vida en la cárcel de mujeres (Aguilar, 2008), Vivir con virus, relatos de la vida cotidiana (Grupo Editorial Norma, 2004) y Santa Lilita, biografía de una mujer ingobernable (Grupo Editorial Norma, 2002). Fue guionista de La bella tarea (2011), Visibles (2010), 23 pares (2012) y Línea 137 (2017, en rodaje).

    Conferencia de Marta Dillon



  • MARCELO COHEN / Junio 2018

    Durante 2018 el Departamento de Arte de la UTDT volverá a ofrecer de forma libre y gratuita un ciclo de conferencias magistrales dictadas por destacados intelectuales sobre temas fundamentales para entender las prácticas artísticas contemporáneas en su contexto específico.

    La segunda de estas conferencias fue "La pérdida del hongo que escribe" y la dictó el escritor y crítico literario Marcelo Cohen el miércoles 13 de junio en el aula A4. 

    LA PÉRDIDA DEL HONGO QUE ESCRIBE
    Aniquilación: un tránsito de la novela al cine en el mundo algorítmico.

    Cuando hace unos meses Netflix estrenó Aniquilación, el nuevo y esperado film de ciencia ficción de Alex Garland, los lectores de la novela homónima de Jeff Vandermeer advirtieron que, si bien el argumento era el mismo, el guión había modificado o suprimido situaciones vinculadas a cuestiones capitales de nuestro tiempo: entre otras, la catastrófica división entre humanidad y naturaleza, los modos de tratar con una vida proliferante e indetenible con inteligencia propia, el control de la ciencia por la burocracia y la máquina de la guerra, la absorción del lo femenino por esa maquinaria y su violencia. La película fue no injustamente elogiada por fans de la ciencia ficción y el público general, pero tal como se la recibió vía Netflix, a modo de consumo reparador, no suscitó ninguna reflexión sobre el tipo de riesgo que corremos la tierra y los humanos. En todo caso contribuyó a abonar el pesimismo ramplón.

    Partiendo de dos representaciones del mismo argumento, se tratará de analizar qué puede imaginar la ciencia ficción, o la hoy llamada “nueva ficción rara”, que aparte al lector y/o espectador de la distracción escéptica, lo conmueva afectivamente y acaso lo ponga en movimiento. Y de juzgar en qué medida la industria contemporánea del espectáculo, mediante la investigación de los gustos con métodos algorítmicos, la dirección de la oferta y el recurso a algunos tópicos narrativos, puede influir en la desatención a cuestiones inaplazables. 



    Marcelo Cohen es escritor y traductor. Ha colaborado con numerosos medios de prensa de Argentina y España. Ha traducido, entre muchos otros autores, a Christopher Marlowe, Nathaniel Hawthorne, Henry James, T.S. Eliot, Scott Fitzgerald, Alasdair Gray, William Burroughs, Italo Svevo, Raymond Roussel, Machado de Assís, Gene Wolfe, JG Ballard, Philip Dick Algunas de sus obras son las novelas El oído absoluto (1989), El testamento de O’Jaral (1995), Donde yo no estaba (2006), Casa de Ottro (2009) y Balada (2011), los cuentos recogidos en El fin de lo mismo (1992) y Los acuáticos y los volúmenes de ensayos ¡Realmente fantástico! (2002), Música Prosaica (2014) y Un año sin primavera (2017). Codirige con Graciela Speranza la revista virtual de artes y letras Otra parte Semanal.

    Conferencia Magistral de Marcelo Cohen


  • LUCRECIA MARTEL / Mayo 2018

    En el marco de su visita al Programa de Cine, la cineasta Lucrecia Martel brindó la conferencia Phonurgia el lunes 28 de mayo a las 19h, en el Auditorio UTDT. 

    Después de siglos de pensar la perspectiva desde la visión, no hay peligro en intentar una aproximación desde el sonido. Conversación ideal para directores, guionistas, escritores y gente que haya sufrido decepciones.

    Lucrecia Martel contó alguna vez, en una conferencia en esta universidad, que toda la fuente de inspiración de su cine se remonta a los cuentos que le contaba su abuela a la hora de la siesta en su infancia salteña. O más bien: la voz de la abuela contando esas historias, que solían ser de miedo pero de las que apenas recuerda algo más que una atmósfera. O más precisamente: la música de esos cuentos de la abuela, escuchados en un estado de somnolencia o duermevela, propicio para la sugestión y la fantasía: cerrar los ojos para ver.

    Las películas de Martel son de una potencia visual extraordinaria, por cierto, aunque no se advierte en ella la vocación pictórica que aparece en algún cine de autor, donde se asiste a veces a una sucesión de cuadros perfectos que se podrían recortar de la película y colgar en la pared. En Martel, en cambio, hay algo así como un estado de desequilibrio en cada plano, en cada encuadre, que no tendría sentido sin el plano anterior o el sucesivo. En eso, sus imágenes son estrictamente cinematográficas. Martel también contó, en esa misma ocasión, que en un rodaje ella mira a través del lente de la cámara como si fuera una niña de once años, que observa la situación sin entender del todo lo que ve, pero también sin juzgar, sin interpretar, al acecho de que ocurra algo inesperado, algo que la sorprenda, ese milagro que muy pocas veces sucede. Puede tratarse sencillamente de un instante: una mirada de temor, un suspiro de alivio, un pedido de auxilio, que se le cuela al actor, como una confesión, entre las líneas del guión. Pienso en el extraordinario Daniel Giménez Cacho de Zama: todo lo que le sucede sin que él, aparentemente, haga nada. Las películas de Martel serían entonces como un montaje –un supercut- de esos momentos escurridizos que llegaron a sorprenderla. Por eso no resulta fácil identificar en sus películas escenas en un sentido clásico; a menudo, en todo caso, las escenas parecen empezar in medias res, como si ya hubieran empezado, o terminan antes de que la escena debiera terminar, al menos según indican las reglas de la lógica dramatúrgica habitual.

    Ese hilo imperceptible de acontecimientos casi secretos, el de las cosas que sorprendieron a la cineasta –o a la niña de once años- constituye tal vez la corriente oculta que pulsa debajo de la superficie de las imágenes y que nos sorprende también a nosotros espectadores, como si se cumpliera así un proceso de transmisión de la experiencia: nos convertimos, por un momento, agradecidos, en una nena de once años. Me atrevería a afirmar que esa corriente, que es la que hace circular la emoción entre escena y escena, tiene todo que ver con la concepción del sonido de Martel. El sonido de una película como apertura a un universo “invisible” pero palpable, porque el sonido, con sus ondas que se expanden en el espacio, nos toca físicamente, en nuestra butaca de la sala oscura, de una manera que las imágenes por su cuenta no pueden hacerlo. El tratamiento de sonido, de hecho, nos hace ver de otra manera. Casi se podría decir -sería tentador, aunque no del todo justo- que las imágenes son apenas el pretexto para instalar un universo sonoro. El chirrido insoportable (e inolvidable) de las sillas arrastradas en la primera escena de su opera prima, La ciénaga, establece la mejor presentación del estado espiritual de esos personajes que languidecen al borde de una piscina (y de la existencia). Al mismo tiempo, esos ruidos –¿esa música?- componen una introducción resuelta al alfabeto cinematográfico de Martel. Tiene todo el sentido del mundo, entonces, que Lucrecia Martel se proponga tratar, tanto en su seminario del Programa de Cine, como en la conferencia pública misteriosamente titulada Phonurgia, el asunto que está en la fuente de su proceso creativo: el sonido. O mejor dicho: todo lo que evoca una voz que cuenta cuentos a la hora de la siesta.  -Andrés Di Tella


    Lucrecia Martel es una cineasta argentina con gran reconocimiento internacional. Su última película, Zama (2017), fue aclamada por la crítica y el público en el Festival Internacional de Cine de Venecia – Selección Oficial (Fuera de Competencia), en el Festival de Toronto (Sección Masters) y en el Festival de Cine de Nueva York. Dirigió los largometrajes La ciénaga (2001), La niña santa (2004) y La mujer sin cabeza (2008), que fueron seleccionados por los festivales de Sundance, Cannes, Berlin, Rotterdam y New York, entre otros, y obtuvieron numerosos premios. Asimismo fue jurado de destacados festivales como los de Berlín, Cannes, Venecia, Sundance y La Habana. Como docente dictó workshops o clases magistrales en Cinemateca Brasileira, Brasil; Film Society of Lincoln Center, Estados Unidos; Indie Lisboa, Portugal; ECAM, España; FICUNAM, México; Museo de Arte Moderno de Medellín, Colombia; School of Sound, Inglaterra; Escuela de Cines de San Antonio de los Baños, Cuba; entre muchos otros.


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