• NICOLAS GUAGNINI / Agosto 2018

    Durante este año el Departamento de Arte de la UTDT volverá a ofrecer de forma libre y gratuita un ciclo de conferencias magistrales dictadas por destacados intelectuales sobre temas fundamentales para entender las prácticas artísticas contemporáneas en su contexto específico.

    La tercera de estas conferencias fue "GENEALOGIAS ELECTIVAS Y AUTOFICCIÓNy la dictó el artista argentino radicado en Nueva York el miércoles 15 de agosto en el Aula A104, UTDT. 

    GENEALOGIAS ELECTIVAS Y AUTOFICCIÓN
    Conferencia de Nicolás Guagnini

    Hay un marcado retorno a las políticas y cuestiones identitarias en el aparato distributivo de las artes visuales. Las demandas representativas que los ámbitos políticos no resuelven se convierten en el mandato de la institucionalidad de la cultura visual. Frente a eso la estrategia de construcción genealógica y generación de personae es una posibilidad vigente. Inagurada en las artes visuales argentinas por la figura de Xul Solar, la auto-ficcionalización y el apelo a un collage de tradiciones e ideas será explorado mediante el análisis de la obra y la persona de tres artistas muy diversos: Roberto Aizenberg, Juan Downey y Dan Graham. 

    Nicolás Guagnini nació en Buenos Aires en 1966. Entre 1986 y 1988 estudió con Roberto Aizenberg y cultivó su amistad hasta su muerte. Durante 1994 integró el equipo violeta de fútbol de pintores junto a Pablo Siquier, Julio Grinblatt y Guillermo Iuso. En 1997 se radicó en Nueva York. Ese año fundó una compañia de cine experimental de artistas junto a Karin Schneider. En mayo del 2005 fundó junto con otros artistas, historiadores del arte, y curadores, Orchard, una galería cooperativa en el Lower East Side. Ha exhibido su obra y filmes en varios lugares del mundo. Entre ellos, Buenos Aires, Nueva York, Rio, Dusseldorf y Berlin.  Ha publicado sus escritos en revistas de varios lugares del mundo.


    Imágenes: Dan Graham en su obra "Time Delay Room", 1974 - Juan Downey fotogafiado por Marilys B. Downey en Caracas, 1977 - Roberto Aizenberg, fotografiado por Humberto Rivas, 1969.

  • MARTA DILLON / Agosto 2018

    Durante este año el Departamento de Arte de la UTDT volverá a ofrecer de forma libre y gratuita un ciclo de conferencias magistrales dictadas por destacados intelectuales sobre temas fundamentales para entender las prácticas artísticas contemporáneas en su contexto específico.

    La cuarta de estas conferencias se realizó el jueves 23 de agosto a las 19h en el Aula Magna UTDT y fue dictada por Marta Dillon, periodista, escritora y guionista argentina. 


    EL DESBORDE DE LA MAREA
    Ni Una Menos, el feminismo popular y los pañuelos verdes

    Desde el 3 de junio de 2015, aún cuando todavía no se las nombraba de esta manera, las manifestaciones feministas se convirtieron en un fenómeno de masas que desde Argentina generó lazos con el mundo, multiplicando la salida de mujeres y otras identidades disidentes a la calle con una rebeldía que no cesa, escrita en los cuerpos. 
    El feminismo apareció como el sujeto político inesperado, capaz de transformar radicalmente las subjetividades y a la vez de confrontar la escena política tradicional con demandas concretas, como la del aborto legal, pero también cuestionando los modos de organización y representación en todos los ámbitos: estudiantiles, académicos, territoriales, artísticos, sindicales, familiares. Nada es ajeno a la revuelta feminista y a la puesta en común de un lenguaje capaz de narrar todos los conflictos sociales de manera transversal e interseccional con las opresiones de género, raza, clase, territorio. Es un lenguaje que toca el cuerpo y lo reconfigura.
    La “marea verde”, ese desborde que demandó por el derecho al aborto entre junio y agosto, intergeneracional pero con enorme protagonismo de adolescentes, logró apropiarse de la calle para convertirla en lugar de abrigo, de intercambio, de casa utópica a la vez que experiencial donde lo siniestro no está amparado por las cuatro paredes que modelan la estructura cerrada de la familia héteronormada.
    ¿Cómo se alimentó esa marea? ¿Cómo fraguó esa imagen que configura al movimiento feminista como popular y callejero? ¿Cómo se entramó el feminismo con las luchas por los derechos humanos? ¿Funda esa marea desbordante un pacto social nuevo?

    Marta Dillon es periodista, escritora y guionista. Inició su tarea en 1986 en Radio Nacional Mendoza, trabajó en el diario Nuevo Sur y colaboró desde entonces en distintas publicaciones nacionales y extranjeras (Rolling Stone, Etiqueta Negra – Perú – , TXT, Pistas, Luna, Noticias, Planeta Urbano, Lúna Córnea – México -, Calipso – Venezuela -, entre otras).
    Desde 2002 dirige el suplemento Las12 del diario Página12, en el que trabaja desde su fundación en 1998 y aborda las problemáticas de las mujeres desde una perspectiva de género. En 2008 fundó elsuplemento Soy, también en Página12, dedicado a la diversidad sexual y de género, que dirigió hasta 2012.
    En 2005 y 2006 condujo el programa El desmadre por Radio Ciudad, siempre involucrada en la problemática de las mujeres y participó durante los mismos años del programa periodístico de televisión El destape (América 24), aportando la misma temática.
    En 2012 recibió el Premio Lola Mora a la trayectoria periodística, otorgado por la Legislatura de la Ciudad de Buenos Aires. En 2005 recibió el premio Margarita Ponce de la Unión de Mujeres Argentinas y fue declarada Embajadora de los Derechos Reproductivos por el Instituto Social y Político de las Mujeres. En 2002 recibió el premio José Martí, en La Habana, Cuba. Ha publicado, entre otros libros: Aparecida (Sudamericana, 2015), Corazones Cautivos, la vida en la cárcel de mujeres (Aguilar, 2008), Vivir con virus, relatos de la vida cotidiana (Grupo Editorial Norma, 2004) y Santa Lilita, biografía de una mujer ingobernable (Grupo Editorial Norma, 2002). Fue guionista de La bella tarea (2011), Visibles (2010), 23 pares (2012) y Línea 137 (2017, en rodaje).


  • MARCELO COHEN / Junio 2018

    Durante 2018 el Departamento de Arte de la UTDT volverá a ofrecer de forma libre y gratuita un ciclo de conferencias magistrales dictadas por destacados intelectuales sobre temas fundamentales para entender las prácticas artísticas contemporáneas en su contexto específico.

    La segunda de estas conferencias fue "La pérdida del hongo que escribe" y la dictó el escritor y crítico literario Marcelo Cohen el miércoles 13 de junio en el aula A4. 

    LA PÉRDIDA DEL HONGO QUE ESCRIBE
    Aniquilación: un tránsito de la novela al cine en el mundo algorítmico.

    Cuando hace unos meses Netflix estrenó Aniquilación, el nuevo y esperado film de ciencia ficción de Alex Garland, los lectores de la novela homónima de Jeff Vandermeer advirtieron que, si bien el argumento era el mismo, el guión había modificado o suprimido situaciones vinculadas a cuestiones capitales de nuestro tiempo: entre otras, la catastrófica división entre humanidad y naturaleza, los modos de tratar con una vida proliferante e indetenible con inteligencia propia, el control de la ciencia por la burocracia y la máquina de la guerra, la absorción del lo femenino por esa maquinaria y su violencia. La película fue no injustamente elogiada por fans de la ciencia ficción y el público general, pero tal como se la recibió vía Netflix, a modo de consumo reparador, no suscitó ninguna reflexión sobre el tipo de riesgo que corremos la tierra y los humanos. En todo caso contribuyó a abonar el pesimismo ramplón.

    Partiendo de dos representaciones del mismo argumento, se tratará de analizar qué puede imaginar la ciencia ficción, o la hoy llamada “nueva ficción rara”, que aparte al lector y/o espectador de la distracción escéptica, lo conmueva afectivamente y acaso lo ponga en movimiento. Y de juzgar en qué medida la industria contemporánea del espectáculo, mediante la investigación de los gustos con métodos algorítmicos, la dirección de la oferta y el recurso a algunos tópicos narrativos, puede influir en la desatención a cuestiones inaplazables. 



    Marcelo Cohen es escritor y traductor. Ha colaborado con numerosos medios de prensa de Argentina y España. Ha traducido, entre muchos otros autores, a Christopher Marlowe, Nathaniel Hawthorne, Henry James, T.S. Eliot, Scott Fitzgerald, Alasdair Gray, William Burroughs, Italo Svevo, Raymond Roussel, Machado de Assís, Gene Wolfe, JG Ballard, Philip Dick Algunas de sus obras son las novelas El oído absoluto (1989), El testamento de O’Jaral (1995), Donde yo no estaba (2006), Casa de Ottro (2009) y Balada (2011), los cuentos recogidos en El fin de lo mismo (1992) y Los acuáticos y los volúmenes de ensayos ¡Realmente fantástico! (2002), Música Prosaica (2014) y Un año sin primavera (2017). Codirige con Graciela Speranza la revista virtual de artes y letras Otra parte Semanal.

  • LUCRECIA MARTEL / Mayo 2018

    En el marco de su visita al Programa de Cine, la cineasta Lucrecia Martel brindó la conferencia Phonurgia el lunes 28 de mayo a las 19h, en el Auditorio UTDT. 

    Después de siglos de pensar la perspectiva desde la visión, no hay peligro en intentar una aproximación desde el sonido. Conversación ideal para directores, guionistas, escritores y gente que haya sufrido decepciones.

    Lucrecia Martel contó alguna vez, en una conferencia en esta universidad, que toda la fuente de inspiración de su cine se remonta a los cuentos que le contaba su abuela a la hora de la siesta en su infancia salteña. O más bien: la voz de la abuela contando esas historias, que solían ser de miedo pero de las que apenas recuerda algo más que una atmósfera. O más precisamente: la música de esos cuentos de la abuela, escuchados en un estado de somnolencia o duermevela, propicio para la sugestión y la fantasía: cerrar los ojos para ver.

    Las películas de Martel son de una potencia visual extraordinaria, por cierto, aunque no se advierte en ella la vocación pictórica que aparece en algún cine de autor, donde se asiste a veces a una sucesión de cuadros perfectos que se podrían recortar de la película y colgar en la pared. En Martel, en cambio, hay algo así como un estado de desequilibrio en cada plano, en cada encuadre, que no tendría sentido sin el plano anterior o el sucesivo. En eso, sus imágenes son estrictamente cinematográficas. Martel también contó, en esa misma ocasión, que en un rodaje ella mira a través del lente de la cámara como si fuera una niña de once años, que observa la situación sin entender del todo lo que ve, pero también sin juzgar, sin interpretar, al acecho de que ocurra algo inesperado, algo que la sorprenda, ese milagro que muy pocas veces sucede. Puede tratarse sencillamente de un instante: una mirada de temor, un suspiro de alivio, un pedido de auxilio, que se le cuela al actor, como una confesión, entre las líneas del guión. Pienso en el extraordinario Daniel Giménez Cacho de Zama: todo lo que le sucede sin que él, aparentemente, haga nada. Las películas de Martel serían entonces como un montaje –un supercut- de esos momentos escurridizos que llegaron a sorprenderla. Por eso no resulta fácil identificar en sus películas escenas en un sentido clásico; a menudo, en todo caso, las escenas parecen empezar in medias res, como si ya hubieran empezado, o terminan antes de que la escena debiera terminar, al menos según indican las reglas de la lógica dramatúrgica habitual.

    Ese hilo imperceptible de acontecimientos casi secretos, el de las cosas que sorprendieron a la cineasta –o a la niña de once años- constituye tal vez la corriente oculta que pulsa debajo de la superficie de las imágenes y que nos sorprende también a nosotros espectadores, como si se cumpliera así un proceso de transmisión de la experiencia: nos convertimos, por un momento, agradecidos, en una nena de once años. Me atrevería a afirmar que esa corriente, que es la que hace circular la emoción entre escena y escena, tiene todo que ver con la concepción del sonido de Martel. El sonido de una película como apertura a un universo “invisible” pero palpable, porque el sonido, con sus ondas que se expanden en el espacio, nos toca físicamente, en nuestra butaca de la sala oscura, de una manera que las imágenes por su cuenta no pueden hacerlo. El tratamiento de sonido, de hecho, nos hace ver de otra manera. Casi se podría decir -sería tentador, aunque no del todo justo- que las imágenes son apenas el pretexto para instalar un universo sonoro. El chirrido insoportable (e inolvidable) de las sillas arrastradas en la primera escena de su opera prima, La ciénaga, establece la mejor presentación del estado espiritual de esos personajes que languidecen al borde de una piscina (y de la existencia). Al mismo tiempo, esos ruidos –¿esa música?- componen una introducción resuelta al alfabeto cinematográfico de Martel. Tiene todo el sentido del mundo, entonces, que Lucrecia Martel se proponga tratar, tanto en su seminario del Programa de Cine, como en la conferencia pública misteriosamente titulada Phonurgia, el asunto que está en la fuente de su proceso creativo: el sonido. O mejor dicho: todo lo que evoca una voz que cuenta cuentos a la hora de la siesta.  -Andrés Di Tella


    Lucrecia Martel es una cineasta argentina con gran reconocimiento internacional. Su última película, Zama (2017), fue aclamada por la crítica y el público en el Festival Internacional de Cine de Venecia – Selección Oficial (Fuera de Competencia), en el Festival de Toronto (Sección Masters) y en el Festival de Cine de Nueva York. Dirigió los largometrajes La ciénaga (2001), La niña santa (2004) y La mujer sin cabeza (2008), que fueron seleccionados por los festivales de Sundance, Cannes, Berlin, Rotterdam y New York, entre otros, y obtuvieron numerosos premios. Asimismo fue jurado de destacados festivales como los de Berlín, Cannes, Venecia, Sundance y La Habana. Como docente dictó workshops o clases magistrales en Cinemateca Brasileira, Brasil; Film Society of Lincoln Center, Estados Unidos; Indie Lisboa, Portugal; ECAM, España; FICUNAM, México; Museo de Arte Moderno de Medellín, Colombia; School of Sound, Inglaterra; Escuela de Cines de San Antonio de los Baños, Cuba; entre muchos otros.


  • FLAVIA COSTA / Abril 2018

    Durante 2018 el Departamento de Arte de la UTDT volverá a ofrecer de forma libre y gratuita un ciclo de conferencias magistrales dictadas por destacados intelectuales sobre temas fundamentales para entender las prácticas artísticas contemporáneas en su contexto específico.

    La primera de estas conferencias fue "Nuestros datos, ¿nosotros mismos?" y la dictó la investigadora Flavia Costa el miércoles 18 de abril en el Auditorio UTDT. 


    NUESTROS DATOS ¿NOSOTROS MISMOS?
    Arte, tecnologías e identidad en el nuevo orden informacional
    Conferencia de FLAVIA COSTA

    En las últimas décadas, una parte relevante de los esfuerzos gubernamentales públicos y privados se han abocado a desarrollar tecnologías para recolectar y analizar datos acerca de los vivientes. Por un lado, datos sobre sus dotaciones biológicas, como en la biometría o en los bancos de datos genéticos. Por otro, datos sobre sus "formas de vida": hábitos de consumo, relaciones afectivas, opiniones e incluso emociones sobre diferentes acontecimientos, como en la minería de datos (datamining) orientada al marketing comercial o político.

    En un polo, la identificación minuciosa de los cuerpos; en el otro, la elaboración de perfiles comportamentales a partir de correlaciones estadísticas que simplemente "se dan". De un lado, la observación real o posible de un individuo biológico; del otro, la construcción, no de una representación, sino de una simulación estadística de aquello que podría ser una identidad, a la que se le propone que se reconozca en ese perfil como un espejo reductor pero de enorme eficacia.

    Entre el registro biológico (la huella dactilar) y el control algorítmico (la huella digital) se tiende, así, una de las principales líneas de fuerza de la que pende hoy la grilla de inteligibilidad tecnocientífica y gubernamental acerca de cómo somos y qué podemos ser y hacer.


    Flavia Costa
     es Doctora en Ciencias Sociales por la Universidad de Buenos Aires, en cuya Facultad de Ciencias Sociales se desempeña desde 1995 como docente en el Seminario de Informática y Sociedad. Investigadora Adjunta del Consejo Nacional de Investigaciones Científicas y Técnicas (CONICET), es miembro del grupo editor de la revista Artefacto. Pensamientos sobre la técnica así como del colectivo Ludión. Exploratorio latinoamericano de poéticas/políticas tecnológicas.

    En el ámbito de la teoría, se ha dedicado a traducir y estudiar la obra de Giorgio Agamben. Su último libro es La salud inalcanzable. Biopolítica molecular y medicalización de la vida cotidiana (Eudeba, 2017), compilado junto a Pablo Rodríguez.



    Imagen: Heather Dewey-Hagborg, "Stranger Visions" 2012-2013. Registro fotográfico de Carolien Coenen.

  • Presentación del libro: NICANOR ARÁOZ. ANTOLOGÍA GENÉTICA / Febrero 2018

    Co-editado por Universidad Torcuato Di Tella y Mansalva Ediciones, 2018.
    El libro se presentó el miércoles 14 de febrero, 19h en la librería La Internacional Argentina. Padilla 865

    PROYECTO CURATORIAL DE: LUCRECIA PALACIOS, ALEJO PONCE DE LEÓN E INÉS KATZENSTEIN.


    El Departamento de Arte de la Universidad Torcuato Di Tella tuvo el agrado de presentar el libro Nicanor Araoz. Antología genética, publicado por Mansalva Ediciones y Universidad Torcuato Di Tella, a partir de un proyecto curatorial de Lucrecia Palacios, Alejo Ponce de León e Inés Katzenstein.

    El libro reúne una serie de textos que fueron presentados en el contexto de la exposición Nicanor Aráoz. Antología genética. Esculturas y estudios encadenados. 2006-2016, que tuvo lugar en UTDT en 2016. Sus autores son: Cora Gamarnik, Martín Bernstein, Guillermina Bevacqua, Nicolás Cuello, Mariana Marchesi, Roque Larraquy, Daniela Lucena, Gisela Laboureau y una entrevista entre Guillermo Kuitca y Nicanor Aráoz.

    El libro puede adquirirse en librería La Internacional Argentina, y en otras librerías del país. 

    "Nicanor Aráoz. Antología genética. Esculturas y estudios encadenados, 2006-2016" reunió una selección netamente escultórica del trabajo de este artista en la sala de exposiciones de la Universidad Di Tella. Los curadores vislumbraron la exhibición imitando a los teatros anatómicos, aulas macabras donde solía hacerse un espectáculo del arte de la disección. Las piezas, contenidas en una suerte de gruta uterina, fueron sometidas a una metodología más protocientífica que didáctica: se las enfrentó a un público y se las sometió a una serie de extravagantes instancias discursivas.

    El sujeto de estudio, en vez de ser el truculento y entrañable corpus de Aráoz, fue un grupo de tópicos que podían converger, como punto de fuga y desde lugares disímiles, en el artista y su producción. Bajo el formato de charlas, entrevistas y presentaciones, los saberes invocados incluyeron ectoplasmas, las Malvinas, la insurgencia marica y la espeluznante y bochornosa figura del clown.

    Afortunadamente, la experiencia no cercó de sentido la dialéctica balbuceante, torturada y caprichosa de este maravilloso artista, sino que logró alterar y expandir la percepción de los trabajos, del espacio y de la experiencia misma de presenciar la muestra. Este libro, que comparte con aquella exhibición mucho más que el título, resulta una brillante forma de ubicar las obras en la tribuna de los seres animados y de situar el conocimiento en el lugar del occiso, del cual, queda claro, siempre se puede seguir sacando algo.

    Juan Tessi


    Nicanor Aráoz es representado por Barro Arte Contemporáneo.

    Agradecemos especialmente el apoyo de Leticia Kabusacki para la realización de esta publicación. 



  • Ciclo de Conferencias Magistrales 2017

    CONFERENCIAS DEL CICLO 2017

    Durante este año el Departamento de Arte de la UTDT ofreció de forma libre y gratuita un ciclo de conferencias magistrales dictadas por destacados intelectuales sobre temas fundamentales para entender las prácticas artísticas contemporáneas en su contexto específico.




    Conferencia de Graciela Speranza



    Conferencia de Ezequiel Gatto. Septiembre 2017. 



    Conferencia de Verónica Gago - Junio 2017. Fotos: Guadalupe Creche



    Conferencia de Diego Sztulwark - Julio 2017. Fotos: Bruno Dubner



    Conferencia de Reinaldo Laddaga - Mayo 2017. Fotos: Bruno Dubner


  • Jornadas: Recorridos 1967 / Noviembre 2017

    El Departamento de Arte, el Departamento de Estudios Históricos y Sociales y el Área de Educación de la Escuela de Gobierno de la Universidad Torcuato Di Tella invitaron a las Jornadas “Recorridos 1967”, que trazaron una panorámica musical y cultural del año del llamado “Summer of Love”, momento en el cual más de 100.000 jóvenes se reunieron en San Francisco para mostrar públicamente sus estilos de vida, en general, caracterizados como hippismo, y sus convicciones políticas.

    En el primer encuentro, de la mano de la banda Nube9, se transitó por las canciones emblema de 1967, considerado por los especialistas como el más importante y revolucionario de la música pop-rock. Se tocaron temas de The Beatles, The Beach Boys, The Kinks y The Jimi Hendrix Experience, entre otros. 


    En el segundo encuentro se discutió, entre otros temas, el impacto social e intelectual de la contracultura, principalmente la hippie, en cuestiones que han hecho a la  identidad sexual, al uso de sustancias alucinógenas, al arte y a la música como vehículo de protesta contra las formas más conservadoras de pensamiento, tanto en Argentina como en el mundo.

    Programa:

    • Martes 31/10
    • 18h, Auditorio UTDT - Recital de la banda Nube 9. 
    • Nube 9 nació en el 2001 para rendir un tributo distinto a The Beatles. Realizó distintos shows interpretando toda su discografía, así como también homenajes a las carreras solistas. Ganó premios internacionales como Mejor Banda y Mejor Espectáculo Temático y fue especialmente invitada a participar de la “Beatle Week” en Liverpool, donde se presentó en ocho oportunidades. Ingresó al “Salón de la Fama” en 2011, siendo la única banda argentina en lograrlo hasta el momento. En 2011 fue elegida como banda telonera de Ringo Starr en su primera visita al país.



    Presentaron:

    Julio Guichet. Creador, conductor y productor radial con más de 40 años de trayectoria, durante los que creó y condujo numerosos programas de rock y realizó más de 300 entrevistas a músicos locales e internacionales. Ganó el Premio Broadcasting (1991) al Mejor Programa para la Juventud por “Historock” (Radio Municipal) y Premio Martin Fierro (2014) al Mejor Programa Musical por “Eternamente Beatles” (Radio Continental).

    Fernando Blanco. Cantante y bajista de Nube9. Conduce el ciclo radial “Ruido Blanco” por Nacional Rock. Editó los libros de investigación Beatlend (2010) y “Los Beatles desde el comienzo (1962-1966)” en 2017. Editó tres discos solistas acompañado por los músicos de Nube9: “Blanco Móvil” (2005), Mares Lejanos (2009), “Días movidos” (2012) y “Luces y Sombras” (2017).

    Coord​​inaron: Marcelo ​Rabossi. Profesor investigador del Área de Educación, UTDT y Klaus Gallo. ​Profesor investigador del ​Departamento de E​studios Históricos y Ciencias Sociales, UTDT.

     


    • Jueves 16/11
    • 19h, Auditorio UTDT – Panel “Arte, cultura y música en 1967 en Argentina y el mundo”
    • Lugar: Auditorio UTDT (Av. Figueroa Alcorta 7350)

      Actividad libre y gratuita


    Participaron:

    Andrés Di Tella. “Fotogramas de 1967”

    Presentó un recorrido por el año 1967, a través de una serie de imágenes de su archivo personal, donde se mezclan “el extraño mundo de los hippies”, el hermano del Che Guevara, la crítica al Instituto Di Tella y un viaje de la infancia.

    “Entre el sistema y el pueblo se interpone una multitud de desorientadores. La violencia neocolonial se encubre también bajo formas sublimadas. La guerra en Latino América se libra ante todo en la mente del hombre. Filmes, revistas, audiciones, periódicos, intentan despolitizar al pueblo, sembrar el escepticismo, la evasión. Se desarrolla el prejuicio y el desprecio por lo nativo. Se enseña a pensar en inglés. Artistas e intelectuales son integrados al sistema. La violencia, el crimen, la destrucción, pasan a convertirse en la paz, el orden, la normalidad. La monstruosidad se viste de belleza”.

    “Por suerte, en nuestro país solo hay unos pocos malos imitadores de estos hippies estadounidenses. Ellos dicen tener su fe. ¿En qué? ¿En alguna doctrina tan amplia que permita sus actitudes reñidas contra toda ética? Nuestro pueblo sigue entendiendo la fe de otra forma”.

     Fernando García. “LONG PLAY: aproximaciones de lo inaudito en la cultura popular”.

    En 1967 cinco objetos fabricados en serie para el mercado masivo se impusieron en la cultura contemporánea con la presencia aurática de las obras de arte. Se trató de discos de larga duración comúnmente llamados Long Play que cristalizaron en el álbum la unidad estética de la cultura rock. La idea de “larga duración” será tomada entonces para dar cuenta del impacto duradero que tuvieron estas obras editadas apenas con meses de diferencia y hasta que punto alteraron las nociones de escucha en la música popular abriendo camino a la asimilación posterior de estéticas inauditas. Sergeant Pepper Lonely Hearts Club Band (The Beatles), Are you experienced? (The Jimi Hendrix Experience), The Velvet Underground & Nico, The piper at the gates of dawn (Pink Floyd), The Doors (The Doors).    

     Rafael Cippolini. "Rockodelia 67"

    ¿Qué tipo de información estética capturó el formato de canción rock y pop en el trascurso de ese año fundante en el que el artista británico Peter Blake realizaba el diseño de tapa del Sgt. Pepper? ¿Qué clase de cultura y de subculturas polinizaron aquellas producciones musicales en la moda, las publicaciones de vanguardia, las aventuras contraculturales, el cine, las historietas, la literatura y las jergas planetarias? Doce meses de revolución ininterrumpida donde la Obra de Arte Total que idearon los románticos parecía iniciarse y concluir en el formato disco de 78 rpm.

    Presentó: Inés Katzenstein, directora del Departamento de Arte.


    CV

    Andrés Di Tella es cineasta. Director de las películas Montoneros, una historia (1995), Macedonio Fernández (1995), Prohibido (1997), La televisión y yo (2002), Fotografías (2007), El país del diablo (2008), Hachazos (2011) ¡Volveremos a las montañas! (2012), Máquina de sueños (2013), El ojo en el cielo (2013) y 327 cuadernos (2015). Fundador y primer director del Buenos Aires Festival Internacional de Cine Independiente, en 1999. De 2002 a 2011 dirigió el Princeton Documentary Festival en la Universidad de Princeton, donde ha sido Visiting Professor. Fue distinguido con la Beca Guggenheim. Dirige desde el 2017 el Programa de Cine, espacio dedicado a la experimentación cinematográfica e interdisciplinaria, en el departamento de Arte de la Universidad Torcuato Di Tella.

    Fernando García es periodista, escritor y productor cultural. Editor de Suplemento Sí, Espectáculos, Cultura, Revista ñ y Viva del Diario Clarin (1994-2012). Autor de “Los Ojos, vida y pasión de Antonio Berni” (2005); “Conversaciones con León Ferrari” (2008); “100 veces Pappo” (2011); “100 veces Redondos” (2014); “100 veces Stones en Argentina” (2015); “Marta Minujín: los años psicodélicos” (2015); “100 veces Charly” (2016); “Como entrevistar a una estrella de rock y no morir en el intento” (2016). Obtuvo el 1° premio de ensayo José Hernández del Senado de la Nación (2014) por “Criminal Mambo”, que Paidós publicará con el título “Crimen y Vanguardia, el caso Shocklender y el surgimiento del underground en Buenos Aires”. Fue programador de música y extensión cultural en Malba (2013-2015) y el Centro Cultural Kirchner (2016 y 2017). Condujo los programas “Afectos de sonido” (2001) e “Invisible” (2012) en Radio Nacional y fue columnista de “Su Atención por favor” (Metro, 2014). Desde abril de 2016 conduce junto a Paula Zacharías “¿Por qué son tan geniales?” en Radio Cultura. Es magíster en Historia del Arte Argentino y Latinoamericano por IDAES-UNSAM.  

    Rafael Cippolini es escritor y curador de arte. Autor de Manifiestos Argentinos. Políticas de lo visual 1900-2000, archivo de escrituras de artistas argentinos del Siglo XX, así como de estudios sobre las obras de Alfredo Prior, Fabio Kacero, Alberto Greco, Yamandú Rodríguez, Max Gómez Canle, Benito Laren, Xul Solar, Gyula Kosice, Eduardo Costa, Josefina Robirosa, Sergio Avello, entre muchos otros. Fue editor de la revista de arte ramona. Es colaborador de los diarios Clarín, Página 12, La Nación y Perfil. Estuvo a cargo, junto a Roberto Echen, de LDC: Laboratorio de Curaduría, en el Centro de Expresiones Contemporáneas de Rosario.

     Actividad libre y gratuita.

      
  • GRACIELA SPERANZA / Noviembre 2017

    Durante este año el Departamento de Arte de la UTDT ofreció de forma libre y gratuita un ciclo de conferencias magistrales dictadas por destacados intelectuales sobre temas fundamentales para entender las prácticas artísticas contemporáneas en su contexto específico.

    En la última de ellas, la crítica, narradora y guionista de cine Graciela Speranza reflexionó sobre el arte frente a la crisis ambiental y el mundo digitalmente administrado.

    “Las amenazas que nublan el futuro del hombre y el planeta responden a fenómenos perturbadoramente opacos. Dos de las más acuciantes – una crisis ambiental ya irreversible y una inmersión cada vez más absoluta en un doble digital del mundo- operan a una escala global que enmascara las causas y la verdadera dimensión de los efectos. La perspectiva de un fin no demasiado remoto se encubre con el negacionismo de un capitalismo voraz que fuga hacia adelante y no repara en daños, mientras que la inmersión en una red creciente de flujos de información y sofisticados algoritmos se ha naturalizado en la vida cotidiana al punto de invisibilizarse. La complejidad y la aceleración de los procesos desafían al pensamiento crítico en busca de respuestas, pero cabe a la imaginación artística correr el velo, promover el disenso frente al consenso generalizado y atisbar configuraciones todavía inaccesibles a otros lenguajes. El arte casi por definición vuelve visible lo que no se ve pero lo mueve ahora una empresa mayor, una urgencia cosmopolítica. ¿Qué da a ver el arte de nuestro tiempo? ¿Qué reconstruye o restituye de lo que deliberadamente se oculta? ¿Cómo se renueva en el intento?”

    Graciela Speranza es crítica, narradora y guionista de cine. Se doctoró en Letras en la Universidad de Buenos Aires donde enseñó literatura argentina. Desde 2009 es profesora del Departamento de Artes de la Universidad Torcuato Di Tella. Entre otros libros ha publicado Guillermo Kuitca. Obras 1982-1998Manuel Puig. Después del fin de la literaturaFuera de campo. Literatura y arte argentinos después de DuchampAtlas portátil de América Latina. Arte y ficciones errantes (finalista del Premio Anagrama de Ensayo), y el reciente Cronografías. Arte y ficciones de un tiempo sin tiempo. También publicó dos novelas, Oficios ingleses y En el aire. En 2002 recibió la beca Guggenheim y en 2014 fue Tinker Visiting Professor en la Universidad de Columbia. Desde 2003 dirige con Marcelo Cohen la revista de letras y artes Otra parte.


  • EZEQUIEL GATTO / Septiembre 2017

    FUTUROS PRESENTES / PRESENTES FUTUROS

    Algunas hipótesis sobre el futuro
    Conferencia de Ezequiel Gatto

    Durante este año el Departamento de Arte de la UTDT ofreció de forma libre y gratuita un ciclo de conferencias magistrales dictadas por destacados intelectuales sobre temas fundamentales para entender las prácticas artísticas contemporáneas en su contexto específico.

    ¿Dónde se piensa hoy, socialmente, el futuro? ¿Cuáles son los agentes e instituciones decisivos en las orientaciones a futuro actuales? ¿Cómo se inscriben las diferentes hipótesis y gobiernos del futuro en la vida social? ¿Qué modos y prácticas nos pueden permitir abrir el porvenir para saltar el cerco del realismo capitalista y el de los modos clásicos de la imaginación política?

    La charla propuso una serie de problemáticas que involucran la futuridad de las sociedades contemporáneas, los modos en que se anudan (y desanudan) devenir, posibilidades y estrategias. En ese cruce se habló de las imágenes, lo posible y lo imposible, los procesos y las visiones, las utopías y las posutopías, lo fijado y lo reconfigurable, lo imprevisible. Conversamos sobre cómo el gobierno capitalista del tiempo y las tecnologías encierra la imposibilidad del pasaje a formas sociales menos violenta e injustas, sobrelas formas en que ciertas hipótesis de futuro han incidido en las prácticas politicas y, finalmente, sobre algunas nociones (multiplicidad de futuridades, la relación entre lo posible y lo probable, el diseño como posutopía y la improvisación) que podrían aportar a nuevos esquemas para pensar el futuro.

    Ezequiel Gatto (1979), vive en Rosario. Historiador (UNR), Doctor en Ciencias Sociales (UBA), docente de Teoría Sociológica en la carrera de Historia (UNR) y becario posdoctoral (CONICET). Sus investigaciones están orientadas a problemáticas sociales y culturales contemporáneas. Ha publicado artículos en revistas académicas y medios periodísticos, nacionales e internacionales. Fue autor, junto a Agustín Valle e Ignacio Gago, de “Redondos. A quién le importa. Biografía política de Patricio Rey” (Tinta Limón Ediciones, 2013) y recientemente compiló “Nuevo activismo negro. Lecturas y estrategias contra el racismo en Estados Unidos” (Tinta Limón Ediciones, 2016). Integra el Club de Investigaciones Urbanas y el Grupo de Investigación en Futuridades.


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