• Muestra Final / Programa de Cine 2018 / Diciembre 2018

    CON LA VISTA NUBLADA NO SE VE NADA
    Muestra Programa de Cine 2018 y artistas invitadas.
    Jueves 13 y viernes 14 de diciembre a las 18h

    Jueves 13, 18 a 21.30h

    Proyección de obras de Verónica Balduzzi, Franca Barone, Cecilia Catalin, Mercedes Gaviria, Pedro Merlo, Pavel Tavares, Mariano Vespa (Programa de Cine 2018) y Paola Buontempo (Invitada - Laboratorio de Cine 2013).


    Viernes 14, 18 a 21.30h

    Proyección de obras de Agustín Adba, María Boughen, Florencia Clérico, Marina Layana, Jayson McNamara, Damiana Poggi, Malena Vain (Programa de Cine 2018) y Juliana Gonzalez (Invitada - Programa de Cine 2017).


    + Ambos días, de 18 a 21.30h

    Instalaciones de Ramiro Birriel, Julio Fermepin, Andrés Lima, Mercedes Lozano, Victoria Maréchal, Victoria Papagni, Pavel Tavares, Pablo Vera Solari (Programa de Cine 2018) y Agustina Leal (Invitada - Programa de Artistas 2018).


    Esta no es una muestra de fin de año.

    En primer lugar, no lo es porque se presentan trabajos sin terminar, obras en pleno proceso, bocetos apurados después de la última sesión del programa, como una instancia más de la tarea de todo el año. Lo que define el modus operandi del Programa de Cine es, precisamente, el trabajo constante, sin objetivo final a la vista. El conjunto de los participantes se divide en grupos de 4 o 5 integrantes: cada semana, turnándose en la dirección o autoría, presentan un ejercicio. Durante ocho meses de clase, asistimos a 5 cortometrajes –o “piezas”- por semana. Es un proceso vertiginoso de rodaje, montaje, exhibición, remontaje y reflexión permanente, de ensayo y error, en el que a veces se pierden las coordenadas. Quizá ese sea, en el fondo, uno de los objetivos procurados: perder las referencias, extraviar los procedimientos familiares y establecidos, y encontrar ideas a través la práctica pura y dura. El procedimiento podría ampararse en las palabras de Goethe: “Hay una forma tan delicada de lo empírico que automáticamente se transforma en teoría”.

    En el medio, como estaciones en el camino, los seminarios intensivos con Lucrecia Martel, James Benning, Joao Pedro Rodrigues y Joao Rui Guerra Da Mata, a través de la iluminación de sus propios métodos, retroalimentaron el trabajo en curso. El encuentro con los profesores invitados Cecilia Szperling, Andrés Denegri, Francisco Pedemonte, Nele Wohlatz y Alejo Moguillansky aportó, también, otra perspectiva sobre la producción, siempre bajo el mismo signo de lo empírico-teórico.

    En ese sentido, las piezas exhibidas manifiestan en muchos casos un grado de elaboración sorprendente, una contundencia que hace olvidar que se trata de estudios, de ensayos, de trabajos en proceso. Detrás de los ejercicios, asoma la obra de un artista. Eso tampoco es lo que se aguarda de una muestra de fin de año. El hecho de que el Programa de Cine sea parte del Departamento de Arte de la Universidad es una marca que también lo diferencia de una “escuela de cine” (que no lo es). Por lo mismo, la muestra tampoco es una muestra de *cine*. Los encuentros con los participantes del Programa de Artistas son un elemento crucial del programa, así como la constitución heterogénea del grupo, conformado por cineastas pero también por escritores, actores, fotógrafos, dramaturgos y artistas visuales. De hecho, muchos dejan en el camino –momentánea o definitivamente- esa identidad con la que llegaron a principios de año. Del mismo modo, el cine que hacemos se desborda y se expande: en las distintas salas de exhibición, se ven películas y videos pero también instalaciones, fotografías, obra gráfica. Esa podría ser, si se quiere, la extraña idea de cine que tenemos en el Programa de Cine: un elemento indeterminado que nunca está donde se lo espera y que hay que tratar de descubrir cada semana. Esta semana también.

    -Andrés Di Tella


  • Pantallas Alteradas / Andrés Denegri / 30 de agosto a 6 de septiembre 2018

    El Programa de Cine del Departamento de Arte de la Universidad Torcuato Di Tella tuvo el agrado de presentar Pantallas Alteradas, un recorrido por obras recientes del artista visual/cineasta Andrés Denegri.

    Inauguración: jueves 30 de agosto a las 19h.  

    Cierre: jueves 6 de septiembre a las 19h - performance musical en vivo a cargo de Ernesto Romeo.  

    La exposición pudo visitarse, además, del 31/8 al 6/9 de 15 a 19h (domingo cerrado) en la sala de exposiciones de la Universidad (Av. Figueroa Alcorta 7350). Entrada libre y gratuita con DNI. Para las actividades de inauguración y cierre se requirió inscripción online.


    La exhibición comprendió una serie de instalaciones fílmicas y fotografías, que evocan indicios de una representación posible de la historia argentina. La imagen de la bandera alude a “La bandera argentina” de Eugenio Py, aquel mítico rollo de 17 metros de película, los primeros rodados en la Argentina, en 1897, cuyos originales se encuentran, por supuesto, perdidos. El hecho de que la primera película de la historia argentina sea una imagen de la bandera nacional, sumado al hecho de su posterior desaparición, no deja de ser significativo. La instalación funciona así, a la vez, como un ejercicio sobre la memoria colectiva y su relación con la producción y conservación de imágenes.

    Tal como podría describirse la propia trayectoria de Denegri, esta exposición transita por los bordes entre disciplinas, se pregunta por la naturaleza de los soportes y los dispositivos para hacer y para ver. Los protagonistas parecen ser los mismos proyectores de super8 y 16mm y la escena construida en torno a ellos. ¿Esculturas o instalaciones, sala de exposición o sala de cine? Los límites son borrosos y frágiles, como las imágenes que estos dispositivos proyectan.

    La exposición desnuda el proceso mismo de la ilusión cinematográfica: las máquinas están ahí presentes, vivas, construyendo -e incluso destruyendo- imágenes. El fotograma de la bandera se quema delante de nuestros ojos: asistimos a la destrucción de una imagen y, simultáneamente, a la creación de otra imagen, nueva. Pero esa imagen nueva también es efímera, desaparecerá para siempre en cuestión de segundos. Sólo perdurará en la memoria de nuestras retinas. En ese sentido, la máquina de Denegri produce un fenómeno análogo al efecto del pasaje de los 24 fotogramas por segundo a través de la máquina cinematográfica. La magia del cine representa su propia destrucción.


    Andrés Denegri es artista visual y cineasta, trabaja mayormente en cine, video, instalaciones y fotografía. Sus proyectos generan diálogos entre las diferentes tecnologías audiovisuales y alteraciones de los usos clásicos de sus dispositivos. Es codirector de la Bienal de la Imagen en Movimiento y curador de cine y video para el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires. Es profesor en la Carrera de Artes Electrónicas de la UNTREF, donde creó y codirige CONTINENTE, centro de investigación y producción dedicado al respaldo y difusión de las artes audiovisuales.

    Entre sus últimas muestras individuales se destacan Cine de Exposición (Fundación OSDE, 2013), Al Interior (Matucana 100, Santiago de Chile, 2013), Aurora (Museo de Bellas Artes de Salta, 2014), Clamor (Centro Cultural Recoleta, 2015), Instante Bony (MACBA, 2015). Entre otros reconocimientos ha recibido en 2008 el Premio al Mejor Cortometraje del Festival de Cine de Mar del Plata y en 2015 el Gran Premio del Salón Nacional de Artes Visuales.




  • Muestra final / Programa de Artistas 2017 / Junio 2018

    En esta muestra final del Programa de Artistas intentamos presentar las vivencias y afectos que transitamos durante el año de cursada. Aunque no desde un impulso ingenuo o celebratorio que sublima sin más los efectos del tiempo y espacio compartidos. Ni tampoco desde los estrechos límites de la experiencia humana, que pretendimos ampliar trayendo a colación una serie de fuerzas y agentes que también han sido nuestrxs compañerxs. Se trató, así, de plantear una puesta en abismo que problematizara, con una serie de energías fluctuantes, nuestra convivencia durante un año y medio. Es decir, con un compendio de pasiones antagónicas que compartimos, del amor a la tristeza, de la risa al llanto, y que se inscribieron, gradualmente, en nuestro cuerpo. 

    La propuesta para este tránsito, fiel a su carácter, estuvo comprendida por dos instancias del mismo acontecimiento, es decir, el mismo grupo de artistas del Programa fue parte de dos proyectos curatoriales. Cada uno de estos abordó aspectos de la convivencia desde gestos que, a primera vista, pueden parecer antagónicos, pero que en verdad representan dos modulaciones complementarias, dos dispositivos que combinados profundizan en los insondables caminos de la comunicación y el deseo.

    - Participantes del Programa de Artistas 2017



    Proyecto curatorial #1 - YA NOS ESTAMOS YENDO
    Inauguración: martes 5/6, 19h
    Horario de visita: miércoles 6, jueves 7 y viernes 8/6, de 15 a 19h.
    Cierre con actividades: sábado 9/6, 17 a 20h

    Curadores: Alfredo Aracil, Guadalupe Creche y Bárbara Golubicki
    Artistas participantes: Ramiro Achiary, Antonella Agesta, Julieta Barderi, Andrés Felipe Castaño, Santiago Cervio Martini, Clara Esborraz, Benjamín Felice, Pachi Giustinian, Carla Grunauer, Nina Kovensky, Carla Lamoyi, Patricio Lanusse, Tirco Matute, Ulises Mazzucca, Andrés Piña, Lucía Reissig, Bernardo Zabalaga Henriques, Simone Steinegger y Sebastián Desbats, éste último como artista invitado.

    TEXTO CURATORIAL

    Ni el final de la historia, ni los últimos minutos del planeta, vivimos los tiempos del final de la sensación. Y en esa modestísima pero profunda fisura, por la cual las cosas (y por cosas decimos todas las cosas que han sido cosificadas) ya cambiaron de estado para siempre, lo que está en trance de desaparecer es el contacto, el acople, el ensamblaje, la gran "Y”: el emblema de cómo mutación y conexión son, en verdad, procesos implicados uno en el otro. Y no solo fórmulas de convivencia falsamente pacíficas o aburridamente cívicas.

    "Y": polisíndeton delirante que, antes que acumular, prueba el sentido del caos desabrido de lo contemporáneo. Hacemos, de esta forma, menos un inventario de resultados que una gran libreta de notas y apuntes, intuiciones acumuladas durante este viaje hasta la necrosis: un diario maníaco y colectivo que, digna especie de un género fatalmente sensacionalista, está animado al mismo tiempo por un principio póstumo: todo lo que se registra está tocado por la posteridad y es, a la vez, naturalmente polimorfo, abierto a todos los registros y proclive a todas las experimentaciones.

    Por eso, lo contingente y lo provisorio nos parecen la mejor guarida para lo que viene después de la sensación -espacio todavía abierto-. Y no porque nos permita imaginar un futuro, sino porque, justamente, nos exime de hacerlo. Presentismo radical. Probar los músculos cuando todavía se estiran. Cuidar los afectos. Comunicarse, incluso, cuando no hay diálogo posible, como en esas charlas interminables que saltan de ventana en ventana, confundiendo hilos de conversación, personas y temas.

    La imposibilidad de hacer una muestra temática o de tesis, insuflando respiración artificial a una forma de comunidad imaginada que sabíamos con fecha de caducidad, es un tema en sí mismo. Pero no nos quedemos en sublimar fracaso, como esos emprendedores que repiten el mantra de “fracasa otra vez, fracasa mejor”. Sino en la exuberancia de un síntoma que es, al mismo tiempo, estilo y huella de nuestro tiempo: acumulación, velocidad, pasarse de frenada, no llegar, ser incapaz de prestar atención a una sola cosa; junto con la existencia de escalas, ritmos e intensidades distintas que están obligadas a convivir, aun siendo antagónicas; multiplicidad y agenciamiento entre cuerpos desmembrados, que son imposibles de percibir en su totalidad, ya que han perdido la misma forma humana. Todo lo que contiene esta muestra es, en definitiva, el efecto de una gramática de las relaciones y las sensaciones posibles, que en realidad no hemos activado ni producido nosotras, porque se causan a sí mismas, de forma inmanente, incluso a pesar de nuestra voluntad.

    GALERÍA DE IMÁGENES - "YA NOS ESTAMOS YENDO"



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    Proyecto curatorial #2 
     
    LO QUE MUEVE LA QUIETUD
    Inauguración: martes 19/6, 19h
    Horario de visita: jueves 21 y viernes 22/6, de 15 a 19h.
    Cierre con actividades: sábado 23/6, 17 a 20h

    Curadores: Gonzalo Lagos y Guillermina Mongan
    Artistas participantes: Ramiro Achiary, Antonella Agesta, Julieta Barderi, Andrés Felipe Castaño, Santiago Cervio Martini, Clara Esborraz, Benjamín Felice, Pachi Giustinian, Carla Grunauer, Nina Kovensky, Carla Lamoyi, Patricio Lanusse, Tirco Matute, Ulises Mazzucca, Andrés Piña, Lucía Reissig, Bernardo Zabalaga Henriques y Simone Steinegger.

    Partiendo de la idea de que una hoja en blanco, una tela, o en este caso, un cubo blanco no son espacios vacíos, sino lugares donde habitan todas las imágenes posibles; y teniendo en cuenta que esas imágenes también se relacionan entre sí, decidimos pensar la Sala de Exposiciones de la UTDTcomo un paisaje, un organismo activo, donde poner en escena algunas de esas imágenes latentes y, a través de un sistema diagramático, hacer visibles algunas de sus relaciones de fuerzas.

    La composición de este paisaje, desbordado y ordenado a la vez, contiene también la dimensión de su recorrido, y como todas aquellas potenciales imágenes, se revelarán a través de vectores invisibles dados por la resonancia del movimiento.

    La muestra tuvo lugar en la Sala de Exposiciones UTDT.

    GALERÍA DE IMÁGENES - "LO QUE MUEVE ES LA QUIETUD"

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    REEL. Largometraje de Ariel Chezses.
    Proyección: martes 5/6, 19:30h. Sala de Cine. 

    Años y años dedicados a la producción de contenido audiovisual, seguramente uno de los virus más potentes de nuestra época. Pues aquí concluye esta etapa. Esta película reúne el total de la producción del artista, entre trabajos comerciales y otros de pretensión artística. Más de 20 horas de material, comenzando en el tiempo y espacio señalados y a continuar en espacio y tiempo inciertos, decidido por la audiencia.

    Este proyecto funcionó en paralelo a la exposición principal, en el Aula de Cine María Luisa Bemberg de la UTDT.



    Agradecemos el trabajo de Javier Villa que actuó como tutor de los participantes del Programa de Artistas 2017 durante todo el proceso de trabajo en los proyectos curatoriales.

    La participación de Simone Steinegger como alumna de intercambio del Programa de Artistas 2017 fue posible gracias al Departamento de Intercambio de la UTDT y el Institut Kunst - Hochschule für Gestaltung und Kunst de Basilea, Suiza.

    La participación de Ulises Mazzuca en el Programa de Artistas 2017 como alumno becado fue posible gracias al apoyo de Vicentín S.A.I.C.










    • PIERRE HUYGHE Untitled (Human Mask) / 6 al 14 de julio 2018

      INAUGURACIÓN: Viernes 6 . JULIO, 19h

      Inscripción previa

      En el marco de las Segundas Jornadas de Arte y Estética, INMINENCIAS.  EL ARTE FRENTE A LA CRISIS ECOLÓGICA  Y LA DUPLICACIÓN DIGITAL DEL MUNDO, El Departamento de Arte invita a Untitled (Human Mask) del artista francés Pierre Huyghe.

      Entre las ruinas de un restaurante abandonado tras la catástrofe natural y tecnológica de Fukushima, un mono con máscara humana sigue cumpliendo las tareas para las fue entrenado. En ese espacio a primera vista postapocalíptico pero perturbadoramente real, Untitled (Human Mask) nos recuerda que el futuro ya está aquí.

      La sala podrá visitarse de lunes a viernes de 15 a 19h, del 6 al 14 de julio. 

      (El feriado 9 de julio, la muestra permanecerá cerrada al público)

      Sala de Exposiciones. Universidad Torcuato Di Tella. 

      Ingreso gratuito con DNI.

      Inminenicas / Directora: Graciela Speranza / Concepto general: Inés Katzenstein.


      Untitled (Human Mask)  [Sin título (Máscara humana)], 2014. Película en color, sonido estéreo, formato 2:66. Duración: 19 minutos.

      Cortesía del artista; Marian Goodman Gallery, Nueva York; Hauser & Wirth, Londres; Esther Schipper, Berlín; y Anna Lena Films, París. 

      © Pierre Huyghe    

      PIERRE HUYGHE

      Untitled (Human Mask)


      "Fuku-chan Monkey in wig, mask, works Restaurant!"  es un video viral de YouTube. Muestra un restaurante de Tokio en el que un mono con máscara humana, peluca y uniforme de camarera divierte a los comensales saltando de un lado a otro y llevando toallas calientes a las mesas. La escena es tosca y aturde. La gente saca fotos con flash, aplaude, se ríe, festeja.

      Tocado por el video, Pierre Huyghe (París, 1962) viajó a Japón y compuso una personalísima versión de la escena, protagonizada por el mismo mono, ahora solo en un restaurant en ruinas. Untitled (Human Mask) se abre con la desoladora visión de una ciudad vacía filmada por un dron. Es la doblemente arrasada ciudad de Fukushima, devastada por un tsunami en septiembre de 2011, y más tarde por uno de los accidentes nucleares más graves de la historia, con un efecto colateral expansivo cuyos alcances aún se desconocen. Todo un síntoma, la naturaleza es una marea imparable de destrucción en Fukushima y la humanidad una fuerza geológica con un poder de devastación que equivale o supera al de los cataclismos.

      Pero Huyghe crea escenas y dispositivos capaces de sacudir las concatenaciones lógicas y la centralidad del hombre y del artista en el designio racional del entorno. Relativiza la noción lineal del tiempo y filma al mono en una prehistoria o una poshistoria. Indiferente a la presencia humana y sin embargo espejo del hombre en la máscara, el animal sigue cumpliendo las tareas para las que fue entrenado. En ese espacio a primera vista post-apocalíptico pero perturbadoramente real, Untitled (Human Mask) nos recuerda que el futuro es hoy.

                                                                                                                                                      Alberto Antonio Romero. Programa de Artistas 2018.


      Pierre Huyghe (París, 1962) vive y trabaja en París y Nueva York. Ha realizado numerosas exposiciones individuales en centros como Los Angeles County Museum of Art; Museum Ludwig, Colonia (2014); Centre Pompidou, París (2013-2014); Museo Tamayo de Arte Contemporáneo, México (2012); Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid; The Art Institute of Chicago (2010); Tate Modern, Londres (2006); Moderna Museet, Estocolmo; Irish Museum of Modern Art, Dublín (2005); Castello di Rivoli Museo d’Arte Contemporanea, Turín (2004); Guggenheim Museum y DIA Center for the Arts, Nueva York (2003); Van Abbemuseum, Eindhoven (2001); Museum of Contemporary Art, Chicago (2000) y Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris (1998). También ha participado en diversas ferias internacionales, incluyendo dOCUMENTA (13), (2012) y 11 (2002), Kassel; Bienal de Estambul (1999); Carnegie International, Pittsburgh (1999); Manifesta 2, Luxemburgo (1998); 2ª Bienal de Johannesburgo (1997) y Bienal de Arte Contemporáneo de Lyon (1995). Ha recibido los premios Roswitha Haftmann (2013); Smithsonian Museum’s Contemporary Artist (2010); Hugo Boss, Guggenheim Museum (2002) y un DAAD en Berlín (1999-2000).

      Coordinación general: Daniela Varone y Patricia Pedraza 

      Asistente: Julieta Tarraubella.