• No importa mi nombre

    Pablo Accinelli, Víctor Grippo, Karl Holmqvist, Nicolás Sarmiento
    Un proyecto de Valentina Liernur
    16 de agosto al 6 de septiembre

    Sala de exposiciones UTDT
    (Figueroa Alcorta 7350)

    No importa mi nombre es un arreglo transitorio de afinidades. Un ensamblaje de obras que exteriorizan un momento latente de la conciencia en el que escepticismo y entusiasmo se encuentran en medio de los pronósticos más pesimistas del futuro humano, así como la reconfiguración del sujeto en un mundo demasiado privado y demasiado público, estimulado a repensar el yo y lo colectivo, lo ideal y lo real.

    La discreción de estas obras demanda en los espectadores un estado perceptivo blando en el que una energía mínima de supervivencia o un pulso a punto de desvanecerse pueden despertar posibilidades infinitas entre el cero y el uno.

    Valentina Liernur 

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    No importa mi nombre

    "El otro día me enseñaron un poema azteca o maya, que dice algo así como 'no venimos a vivir sino a dormir, hermano’”. 
    Víctor Grippo

    Un dispositivo mide las pulsiones internas, el fenómeno vital de dos papas, la fuerza natural de un elemento aparentemente inanimado tan absurdamente común como fértil (Tiempo, Víctor Grippo, 1991). Semejante a la materialidad inexpresiva y robótica de una conciencia, que parece haber aprendido copiando y de memoria, mientras reconfigura los elementos del lenguaje tanteando la reinvención de vacantes idealistas con vocación de inquirir la condición humana (I’M WITH YOU IN ROCKLAND, Karl Homlqvist, 2005).

    Cerca, ocho estructuras clonadas colectan la humedad sobre papeles que dejándose usar y curvar por ella con el paso del tiempo, prueban las capacidades de la materia para organizarse a sí misma y revelan en lo blando el origen de todas las cosas dispuestas a la transformación (Higrómetros, Pablo Accinelli, 2012). Por último, el estado líquido de la tinta se ve detenido sobre la superficie de tres dibujos como acentuando por sobre la acción del autor material la energía propia de la imagen y de la contingencia (Sin Título y Rip Curley, Nicolás Sarmiento, 2013).

    Estas obras exteriorizan un momento latente de la conciencia en el que escepticismo y entusiasmo se encuentran en medio de los pronósticos más pesimistas del futuro humano. Dan cuenta de posibles desencantos tanto como de oportunidades infinitas para no empobrecer la realidad que se alojan entre el cero y el uno. Niegan tanto como afirman su relación con el espectador y el mundo exterior sin romantizar. Su intensidad reservada despierta la dinámica elemental de la curiosidad entre personas y objetos, entre lo imaginario y lo real.

    Valentina Liernur

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    Pablo Accinelli nació en Buenos Aires en 1983. Se formó con los artistas Alejandro Puente y Diana Aisenberg. Desde 2006 formó junto a Leandro Tartaglia Actividad de uso, grupo dedicado a escribir libros sobre artistas jóvenes argentinos (Vicente Grondona, Luciana Lamothe, Verónica Gómez, Tomás Maglione). En 2012 fue invitado a participar en la Bienal de San Pablo, curada por Luis Pérez Oramas, y obtuvo el premio Lucio Fontana. En el 2012 también participó de When Attitudes Became Form Become Attitudes, curada por Jens Hoffman. En 2011 realizó muestras individualmente en Frame-Frieze, Londres y por segunda vez en la galería Luisa Strina, San Pablo. En 2011 fue seleccionado para el Premio arteBA-Petrobras de Artes Visuales, octava edición. En 2009 participó de la Trienal Poligráfica de Puerto Rico, curada por Julieta González. En 2007 obtuvo la beca Intercampos de la Fundación Telefónica y en 2006 recibió la beca anual de poesía del Centro Cultural Ricardo Rojas, dirigida por Fabián Casas. Fue ayudante de la clínica anual para artistas dirigida por Jorge Macchi en la Universidad Torcuato Di Tella, ediciones 2009 y 2011. Expuso de manera colectiva en diferentes espacios (MOCADetroit, CCA Wattis, Hacienda La Trinidad, The Goma, Lelong gallery, Fundación Proa, Ignacio Liprandi, Ruth Benzacar, Alberto Sendrós, Belleza y Felicidad, CCEBA, Museo Castagnino, etc).


    Víctor Grippo nació en Junín, Provincia de Buenos Aires en 1936. A los 19 años se muda a La Plata, donde cursa estudios de Química en la UNLP hasta 1959. En 1966 asiste a los seminarios de Diseño Industrial y Comunicación Visual en esta misma institución, y en agosto de ese año realiza su primera exposición individual en la galería Lirolay. En 1970 se vincula con el Centro de Arte y Comunicación (CAyC) y participa en la muestra colectiva Arte de sistemas I, en el Museo de Arte Moderno, con Analogía I, obra que da comienzo a la serie que lleva el mismo nombre. Profundiza sobre las oposiciones arte-ciencia, naturaleza-cultura y real-artificial, y la papa como metáfora aparece como elemento principal. A fines de 1971 forma el Grupo de los Trece –con Jacques Bedel, Luis Benedit, Alfredo Portillos y Jorge Glusberg, entre otros–. Durante toda la década, mantiene una intensa actividad junto a este grupo, con experiencias dentro del arte conceptual y del arte de sistemas, investigando además la relación arte-computación y arte-información. En 1972 realiza en la plaza Roberto Arlt la Construcción de un horno popular para hacer pan, que propone la recuperación del ritual colectivo a través de la distribución del alimento. Del mismo año es Analogía IV, obra que inaugura una serie de instalaciones en las que aparecen, además de la papa, el pan y muebles y utensilios domésticos tales como mesas, sillas, platos y cubiertos. Desde fines de los años 70 y a lo largo de los 80 y 90, el artista construye una serie de valijas y cajas con objetos adentro, poniendo en relación materiales como plomo, mercurio, rosas, yeso y plomadas, que evocan nociones tomadas de la alquimia. Víctor Grippo fallece en Buenos Aires en febrero de 2002.
    Su trabajo fue expuesto entre otros en el Museo Carrillo Gil de la ciudad de México, Palais de Beaux Arts de Bruselas, Institute of International Visual Arts, Museum of Art de Austin de Texas, Queens Museum of Art de Nueva York, Museo Reina Sofía de Madrid, XI Documenta de Kassel de Alemania, Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA), MAC de Miami, Camden Arts Centre de Londres, Centro Gallego de Arte Contemporánea (CGAC) de Santiago de Compostela, Philadelphia Museum of Art, Museo del Barrio de New York, Museo de Arte Moderno de Nueva York, Extra City Kunsthal, Museum van Hedendaagse Kunst de Amberes, Bélgica, Kunsthalle de Berna, Generali Foudation de Viena, House of World Cultures de Berlín, Fundación PROA, Museum Morsbroich de Leverkusen, Alemania.

    Karl Holmqvist nació en Suecia en 1964. Comienza su carrera como poeta haciendo lecturas y performances con sus textos a principios de los años noventa. En el 2006 comienza a exhibir esculturas y objetos. Su trabajo trata sobre la fenomenología del tiempo, el lenguaje y la percepción, a partir de referencias que van desde la música pop, a los Situacionistas y la generación Beat usando medios como el lenguaje, la luz y el sonido así́ como el collage, la escultura y el video.
    En los últimos años ha realizado un gran número de publicaciones independientes-cuadernillos fotocopiados como: ONELOVEWORLDI*M WITH YOU IN ROCKLANDSILENCEGO WILDE y la publicación de libros What's My Name y K. Algunas exposiciones individuales y colectivas: 2013: Give Poetry A Try, Moderna Museet (Stockholm, Suecia); E Q UI LI BR IU M, Galerie Neu and MD7 (Berlín, Alemania). 2012: SHAMAN/SHOWMAN, (with Oscar Tuazon) Chantal Crousel La Douane (Paris, Francia); WORDS ARE PEOPLE, Alex Zachary Peter Currie, (Nueva York); Ecstatic Alphabets/Heaps of Language; MOMA (Nueva York). 2011: IllumiNations, 54th Venice Biennial (Venecia, Italia). 2009: ICA ‐ Instituto de Arte Contemporáneo; CAM ‐ Chelsea Art Museum. 2008: Serpentine Gallery, London; Palais de Tokyo Answerphone, Paris; Reykjavik Art Museum, Reykjavik; Manifesta 7, Bolzano. 2005: Performa, Nueva York.


    Nicolás Sarmiento nació en Necochea, pero vivió muchos años en Marcos Paz. En el 2005 ingresó en el IUNA para realizar la Licenciatura en Artes Visuales. Durante 2010 y parte del 2011, fue becario del Programa de Artistas de la Universidad Torcuato Di Tella. Formó parte del proyecto Rayo Lazer durante 2010-2012. Asistió a las clínicas de análisis de obra dictadas por Carlos Huffmann, Valentina Liernur y Diana Aisenberg. Algunas exposiciones colectivas e individuales: Del otro lado del mundo una montaña, Galería Chez Vautier; Curriculum Cero, en la galería Ruth Benzacar, (2009); Río de las tres rutas, Centro Cultural Recoleta; Premio Fundación Williams a las Artes Visuales, en el Centro Cultural Borges, (2010); Stand Barrio Joven junto a Rayo Lazer en arteBA; Todos Románticos, en la Universidad Torcuato Di Tella; Nocturnos, Cobra Galería; La tormenta más loca del mundo, junto a Rayo Lazer en Plataforma; Expotrastiendas, 1er Encuentro Internacional (Cheverista) de Medellín, junto a La Ene en el marco del MDE11, (2011); Rama Caída, Peña Galería en el Consulado General de Argentina en Nueva York; Necesito creer en alguien, Stand Barrio Joven con Rayo Lazer en arteBA; Alexis Brisa, Peña Galería; Últimas Tendencias II (Donaciones Suspendidas)en el MAMBA, (2012); Después voy a deformar esto y va a estar todo bien, Centro Cultural Recoleta (2013).


    Valentina Liernur nació en 1978 en la Ciudad de Buenos Aires. Formación: 2013: Res. Artística FAAP, Sao Pablo, Brasil. 2012: Laboratorio de Experimentación Artística, Faena Art Center, Bs.As. 2011: Proyecto Papo´s Vip nominado al Premio Petrobrás, XX arteBA. 2008/9: Stäedelschule Frankfurt, profesor Michael Krebber, Alemania. Beca M.M.S.E.N. 2007: Beca del Fondo Nacional de la Artes. 2003/5: Beca Kuitca, U.B.A, 2002: Beca Fundación Antorchas. Estudió pintura con Sergio Bazan y Juan José Cambre, cursó la carrera de dramaturgia a cargo de Mauricio Kartun en la E.M.A.D y Ricardo Bartís 1999-2004 en el Sportivo Teatral. 
    Algunas muestras individuales y colectivas: 2013: Broken Windows, New York Gallery, New York; Exposicao Coletiva en Galería Pilar, San Pablo, Brasil. 2012: VALENTINA LIERNUR, Galería Ruth Benzacar; Principios Flexor, Gramatura, San Pablo, Brasil. 2011:Espíritu del tiempo, Museo Sívori; Formalistsidewalkpoetryclub Gallery, Miami, U.S.A; Porqué Pintura?, Fondo Nacional de las Artes. 2010: FIEBRE, Galería Ruth Benzacar; Proyecto Secundario #2, Secundario Nr 49, Lomas de Zamora; PintorAs, Macro de Rosario y MAC de Salta. 2009: Flüchtige Zeiten, Wesfalischer Kunstverein, Münster, Alemania. You will miss me when I burn, St. Mount Gomery, Montgomery, Berlin, Alemania. 2008: Aquello que finalmente uno cree que no es tan determinante que los demás sepan sobre las propias ideas, Limite Sud; Sink the boat before it sails, Basis, Frankfurt, Alemania; Proyecto Secundario #1, Escuela Goethe, Bs. As. 2007: DIASDORADOS, Appetite. 2006: PINTURAS, Galería Ruth Benzacar. 2003: PINTURAS, Galería Alberto Sendrós.

  • Ensayo de Situación II: Soy un pedazo de atmósfera


    Mariana Telleria: El primer momento de la existencia de algo. Viernes 14 de junio
    Eduardo Navarro: Órbita. Viernes 28 de junio
    Curadora. Sonia Becce

    Estadio River Plate. 
    Av. Figueroa Alcorta 7597



    “La segunda edición de Ensayo de situación, trata menos de una tentativa de interacción entre artistas que del planteo de una relación posible entre entidades tan disímiles y fuertemente caracterizadas como un estadio de fútbol y la sede de una Universidad privada.

    River colabora en esta ocasión con la Di Tella para hacer viables dos experimentos que transcurren en su campo de juego, pero diferidos en el tiempo. Mientras en uno se insiste tercamente en una acción puntual que parece ignorar la escala del ámbito que la alberga, en el otro prosperan varias situaciones, que en su conjunto colaboran para provocar una experiencia sensorial dirigida.”

    Sonia Becce

    Ensayo de Situación se propone como una serie de experimentos curatoriales tendientes a poner en relación dos obras diversas. Ni muestra individual, ni colectiva, ni colaboración, se trata de un ensayo curatorial destinado a superponer dos propuestas de experiencia espacial y temporal. La serie se inició en 2011 con la muestra de Diego Bianchi y Karina Peisajovich curada por Inés Katzenstein en la Sala de exposiciones UTDT.

    Agradecimiento especial por su gran predisposición y calidez a: Cristián Francisco (Gerente de Estadio del Club Atlético River Plate), al Arq. Manuel Díaz Ramos (Presidente Museo River), a Carolina Rossi (Relaciones Institucionales Museo River) y a Florencia Murno.

    * Título de una canción del artista Federico Manuel Peralta Ramos.



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    Ensayo de situación II: Soy un pedazo de atmósfera

    Soy un pedazo de atmósfera
    Soy un pedazo de atmósfera
    A veces he creído ser un oso
    Hay gente que no son seres humanos
    Ella es una mariposa
    Él es un camión
    (Fragmento de la canción del artista Federico Manuel Peralta Ramos) 

    La segunda edición del proyecto Ensayo de situación* es el resultado de una propuesta curatorial acerca de la relación posible entre entidades tan disímiles y fuertemente caracterizadas como un estadio de fútbol y una universidad privada. 

    Una vez confirmados los artistas que participarían del ciclo, la elección de River como espacio de exhibición surgió después de pensar y evaluar otras posibilidades. Al principio, Mariana Telleria y Eduardo Navarro presentaron proyectos para la sala de exposiciones de la Universidad Di Tella, que suponían drásticas alteraciones en la arquitectura, entre otras, la apertura de puertas y ventanas y la construcción de nuevos accesos. La dificultad de llevar a cabo las modificaciones propuestas, condujo a los artistas a considerar el uso de espacios alternativos, como el jardín, el baño, el estacionamiento y los techos de la Universidad, e incluso la capilla San Luis en la plaza pública contigua. El fracaso de esta última iniciativa –el uso de un espacio exógeno que potencialmente daría lugar a una colaboración entre Iglesia y Universidad–, resultó sin embargo inspirador para imaginar un nuevo intercambio –ahora River y Di Tella-, que apareció más como deseo que como realidad plausible.

    Sorprendentemente, luego de algunas tratativas oportunas con las personas adecuadas, River (¡un estadio para 60000 personas!) se materializó como una posibilidad concreta para el experimento. Las conversaciones entre nosotros, intensas desde el comienzo, se volvieron casi frenéticas. No faltaron las mutuas influencias, los desvaríos sostenidos, los argumentos refutados y las intervenciones curatoriales reexaminadas.

    El resultado de este proceso enriquecedor son dos obras singulares, que se comportan de modo diferente en su vinculación con el público y fundamentalmente en su relación con el espacio del estadio y sus especificidades.

    *

    Tanto el título de esta segunda edición de Ensayo de Situación como los que Mariana y Eduardo eligieron para sus respectivos trabajos, guardan una correspondencia con la cosmología y la física. El primer momento de la existencia de algo recuerda según la artista, “a aquellos fundamentos que intentan dar alguna explicación sobre el cosmos o la realidad”, emulando quizás esa mágica transición infinitesimal entre el momento 0 y el comienzo del Universo. Hace millones de años luz, de acuerdo con el modelo científico del Big Bang, materia y energía estaban densamente concentradas y fue a partir de una colosal “explosión”, que el Universo comenzó una expansión que no ha cesado y que trajo una pérdida de calor importantísima; como consecuencia el espacio antes brillantemente iluminado pasó a tener la oscuridad que conocemos hoy.

    En Órbita Eduardo Navarro propone -en línea con otros trabajos suyos- una experiencia personal transformadora. No resulta casual que elija titular su obra con una palabra que remite a la trayectoria descripta por un cuerpo alrededor de otro, debido a la presencia de fuerzas que inducen a ese movimiento y los mantiene vinculados. En su propuesta, el eje es una práctica sensorial dirigida, un trance, con situaciones satélites que colaboran –si se confía lo suficiente- para alcanzar un estado de bienestar físico y espiritual.

    Fase I. Mariana Telleria: El primer momento de la existencia de algo
    El conocido truco del mantel es exitoso cuando se lo logra retirar de un tirón y con la velocidad exacta para que, por el principio de inercia, los objetos que se encuentran apoyados no caigan y se mantengan en el mismo lugar. Telleria insiste en esa acción puntual que -a modo de leitmotiv recurrente- el actor ejecuta tercamente una y otra vez, sin importarle el resultado. La artista opera sobre la escala desde una doble perspectiva: por un lado, la de la acción modesta, mínima, absurda pero eficiente, que tiene lugar en un rincón de ese espacio monumental; por el otro, la del estadio, que se repliega miles de veces para lograr atender y escuchar casi nada. El estadio, sin la cantidad de público habitual, dramatiza la enorme desproporción entre potencialidad de uso y aprovechamiento real.

    La obra propone al público concentrarse en algo muy simple, en la inmediatez de un aquí y ahora. Al tiempo que la artista parece renunciar a la presencia autoral, explora la paradoja de una intervención guionada hasta el último detalle.

    La escena que se plantea en vivo mantiene la división entre público y escenario, propia del teatro clásico, o mejor, entre hinchada y equipos en un partido de fútbol. Mariana Telleria no sólo separa a la audiencia y se desentiende de ella; también se despreocupa del tiempo cuando invita al espectador a asistir a un fragmento de su jornada de trabajo, “a que vea ese pedacito de mi día. Como si el estadio de River fuese mi taller”, dice Mariana. “Para el espectador no hay un principio ni un
    final, los extremos de la jornada me los reservo para mí”. Lo que se presenta es un proceso, una forma abierta que no se comporta como autosuficiente ni completa. Al reiterarse, se transforma para no cristalizar en un mero objeto de contemplación, reponiendo a la audiencia su soberanía.

    Fase II. Eduardo Navarro: Órbita
    Órbita se materializa como una meditación guiada, que requiere la aceptación por parte del público de ciertas consignas básicas: concentración para percibir la arquitectura y sus efectos sobre la mente y el cuerpo; despojo para olvidar la proliferación de objetos y signos que nos rodean a diario.

    En este trabajo, Eduardo Navarro franquea la quietud del público a través de una acción espiritual que vincula a cada uno con la obra, haciendo emerger la subjetividad en un espacio que, cuando funciona a pleno, puede resultar abrumador. Aunque el silencio no es absoluto -la propia obra recurre a sonidos ligeros y sutiles- restringe una de las características fundamentales del estadio en uso y lo convierte en un territorio de trance. “El público tiene que ingresar de una manera e irse de otra”, dice el artista. “La idea es que el estadio funcione como un templo, magnificando el estado que cada uno alcance. La arquitectura siempre va de la mano de los estados emocionales y cómo nos sentimos al habitarla, aunque sea por poco tiempo como en este caso”.

    Un aspecto notable en los trabajos de Navarro es el modo particular de infiltrarse en los aspectos religiosos y espirituales de creencias, doctrinas y convicciones. Pero su procedimiento artístico no toma uno de los caminos más previsibles, como sería el del sarcasmo y la observación crítica, sino que explora la promesa de  transformación inherente a esas prácticas. Con la eficacia estética de trabajos anteriores, como On/Off y La sede, Órbita se sitúa en ese limbo desconcertante entre lo
    funcional y lo ficcional, que lleva a celebrar las auspiciosas posibilidades del arte.

    Sonia Becce

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  • Uno solo y varios lobos

    Exposición final del Programa de Artistas 2013
    6 y 7 de diciembre 

    Universidad Torcuato Di Tella
    (Figueroa Alcorta 7350)



    Uno solo y varios lobos está basada en un tópico, “Comunidades alternativas”, que funcionó como eje tanto de las discusiones y clases como de la producción de obras durante la segunda mitad del Programa de Artistas 2013, bajo la conducción de Diego Bianchi e Inés Katzenstein.

    La exhibición, organizada por el grupo de curadores que este año participa en el Programa de Artistas, forma parte de un proceso que tomó como punto de partida la tensión entre el deseo de comunión y el deseo de fuga como germen de comunidades alternativas. Tema y a la vez metodología de la muestra, el estar juntos y el trabajo colectivo aparecen problematizados en las obras. La exhibición explora arquitecturas de aislamiento, comunidades espontáneas y se pregunta por los diferentes ritos sociales en los que se inscribe lo común.

    De esta manera, la exposición es el resultado de un trabajo a la vez individual y grupal, artístico y curatorial, de reflexión y producción sobre formas de vida, colaboración, utopía, códigos compartidos y fugas del sistema.

    Artistas y curadores:
    Eduardo Alcón Quintanilha / Gala Berger / Cotelito / Gaby Cepeda / Jimena Croceri / Diego de Atucha / Santiago de Paoli / Mariana Ferrari / Francisca López / Gonzalo Maggi / Bruno Gruppalli / Fernando Lamarque / Julián León Camargo / Soledad Olguín / Lucrecia Palacios/ Luciana Ponte / Mariana Rodríguez Iglesias / Sebastián Roque / Diego Spivacow / Martín Touzón.

    Actividad previa | 6/12 17h - Aula A2
    Conversatorio: integración y fuga. Tres casos.
    Osvaldo Baigorria, Guillermo Piro, Javier Fernández Castro

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    Crónica de la exposición

    We had the experience but we missed the meaning. 
    An approach to the meaning restores the experience. 
    T. S. Elliot

    1. La exhibición parte del tópico “Comunidades alternativas” propuesto por los coordinadores del Seminario de Análisis de Obra. Entendimos que el tema buscaba hacernos pensar en la relación del arte con lo social. Más como pregunta que como eje discursivo, el tópico llevó a la reflexión sobre cómo estos modelos alternativos de estar en comunidad pueden ampliar nuestra imaginación social.

    2. Primer acercarmiento: junio. Investigación de campo. Salimos de la utdt como grupo conformado, a visitar una comunidad vecina alternativa, real y, en apariencia, exitosa: la Aldea Velatropa, también llamado Centro Experimental y Reserva Natural de la Ciudad Universitaria. Fue una primera aproximación a una forma de vida que actualiza los modelos más utópicos y a los discursos que sus propios participantes ensayan sobre ella. Llevamos galletitas dulces. No comen nada que no sea orgánico.

    3. El título, Uno solo y varios lobos, es un préstamo y modificación de un texto de Deleuze (el capítulo 2 de Mil mesetas). Lo elegimos para dar cuenta del cambio de rumbo de las obras. Lo que empezó organizado alrededor del concepto de “comunidad”, terminó pivoteando entre las nociones de “línea de fuga” y “máquina de captura”. Estos dos polos de tensión de lo social fueron traídos a la discusión por Osvaldo Baigorria en una de las charlas que nos brindó. Entre teoría desplegada y relatos de experiencias propias, logró transmitirnos la noción sintética de lo que él llama “máquinas de fuga”, proyectos e imaginaciones individuales que aspiran a escapar de la vida tal como la organiza determinada sociedad. En este sentido, toda máquina de fuga se corresponde con un planteo político.

    4. Otro invitado para contribuir con la reflexión sobre procesos de trabajo con comunidades específicas fue Diego Sztulwark quien, a partir del planteamiento del proceso de investigación como una “política de lo involuntario” donde el sujeto investigador en lugar de imponer “su verdad” al mundo está “a la búsqueda de virtuales o posibles de las cosas”, presentó tres casos específicos de investigación en su seminario “Cartografías políticas”.

    En primer lugar un proyecto de investigación en torno a los talleres textiles clandestinos, en el que él mismo participó, relatado en el libro Chuequistas y Overlockas, y que tiene que ver con cómo ese grupo de trabajadores de los talleres textiles empiezan a enfrentar esa economía de clandestinidad. En segundo lugar el libro Operación Masacre del escritor Rodolfo Walsh donde el investigador se ve rodeado de manera involuntaria por una serie de hechos de los que no puede salir y, al aventurarse en la investigación de estos, se sumerge en un proceso de transformación personal que lo obliga a revisar sus propias certezas políticas y darles vuelta. El tercer caso fue el de Rita Segato con su libro Ciudad Juarez, la escritura en el cuerpo de las mujeres en el que revisa las violaciones y asesinatos masivos de mujeres ocurridos en esa ciudad mexicana en los años 90, a partir de una reflexión del constructo social machista de la sociedad en la que ocurrieron no como casos aislados, excepcionales, sino como parte de una estructura simbólica inmersa en las lógicas sociales dadas sobre el cuerpo de la mujer.

    5. Avanzando sobre el trabajo, la mayoría de los artistas empezó a dejar atrás la idea de representar un grupo o comunidad. El tópico propuesto fue ampliándose, y en la muestra, se ve más como origen que como llegada. Nosotros mismos, como curadores, encontramos la oportunidad de olvidarnos del tema para encarar las propias obras tal cual estaban empezando a aparecer. La mayoría de los artistas del programa decidió abordar la fuga antes que el espacio en común. La exposición consta, por lo tanto, de una variedad de obras que tocan la tensión entre el individuo y la comunidad, la posibilidad de escapar al grupo social y las invenciones de estrategias colectivas o individuales frente a este problema.

    6. La práctica curatorial tomó la forma del sparring: como aquel que ayuda a un boxeador a entrenarse peleando con él. Dada la naturaleza de la exhibición - las obras se produjeron a partir de un tema ya dado-, el ejercicio curatorial corrió a la par de los procesos de generación de obras.

    7. Como exposición final del Programa de Artistas de la Di Tella, la muestra se inscribe dentro de la historia de las muestras realizadas por años y grupos anteriores. La particularidad de este año que constituye la presencia de críticos y curadores dentro del grupo, supuso revisar el formato de “muestra final” y trabajarlo críticamente, haciendo un esfuerzo por pensar las relaciones de las obras entre sí, de ellas con el concepto de la exhibición y el diseño de actividades paralelas que presten un marco de referencia para los trabajos. De esta manera, pretendemos que la exhibición de cuenta, no solo del trabajo de los artistas durante el año, si no también de la reflexión sobre las nociones de comunidad, proyectos útopicos y sistemas de fuga frente a las relaciones que se establecen dentro de un grupo.

    8. Tema y metodología de la muestra, lo comunitario debía verse reflejado dentro del diseño de la exhibición. En ese sentido, se intentó incorporar la propia Universidad al recorrido de la exposición y en la concepción de las obras. El Dpto. de Arte dentro del plan edilicio quedó como un polo lejano del otro lado del desierto que es el estacionamiento. Quisimos que otros habitantes de esta comunidad educativa pudieran sentirse más cerca, e incluso formar parte del recorrido con el que buscamos poner en escena las tensiones entre lo que compartimos, lo que relaciona y define a un grupo, y formas de escape. Varias de las obras, a su vez, trabajan la relación del departamento de arte con otros espacios de la comunidad educativa universitaria, que incluye a docentes, servicio de limpieza, estudiantes, visitantes, etc.

    9. Pensar una comunidad que no dependa de identidades fijas y precisas puede constituir otra forma de la fuga. La posibilidad de pensar una comunidad ampliada, que excede al grupo que trabajó dentro del Programa, fue llevada al cuadernillo que acompaña la exposición. En él, varios autores, críticos e historiadores que no participaron del Programa fueron invitados a participar escribiendo pequeños ensayos que los pusieron en relación con el proyecto y con los artistas.

    10. Asimismo, un conversatorio prologa la inauguración de la muestra. En él, Javier Fernández Castro comentará su experiencia en el desarrollo de un plan urbanístico para la villa 31, acercando ideas sobre cómo pueden pensarse arquitecturas comunitarias. Osvaldo Baigorria presentará el caso de Néstor Sánchez, un escritor cuyo programa literario incluyó la mendicidad y la deriva. Por su parte, Guillermo Piro comentará sobre las formas comunitarias que adopta la poesía, formas que pueden iluminar, por similitud y diferencia, las formas de estar juntos que adopta el arte contemporáneo. Estos tres casos se compartirán y pondrán en discusión en el conversatorio, que pretende servir de espacio de resonancia y expansión para los temas que los artistas desarrollan en la muestra.

    11. La experiencia de Osvaldo Baigorria en Argenta, una comunidad hippie establecida en Canadá durante los años 70, fue central para empezar a pensar estos problemas. Por ello, las imágenes de su experiencia forman parte de la exposición. En ellas, la posibilidad utópica de una vida alternativa como proyecto comunitario aparece de manera patente. A partir de esta idea, o en contra de ella, es que se tejen las relaciones entre las obras de la exposición, y por ello era fundamental que puedan estar presentes.

    12. Esperamos que la muestra sirva no solo para generar una reflexión sobre aquello que entendemos como comunitario en términos abstractos sino sobre la comunidad específica que somos nosotros como miembros de este programa académico. Entendiendo esta comunidad educativa como un caso dentro del complejo entramado de la comunidad artística ampliada de la ciudad.

    Julián León Camargo
    Gaby Cepeda
    Mariana Rodríguez Iglesias
    Lucrecia Palacios


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    Ver el brochure de la exposición
    http://issuu.com/nirbhe/docs/brochurefinalfinalweb
  • El Fin, el Principio

    Una exposición de Magdalena Jitrik
    18 de octubre a 8 de noviembre

    Sala de exposiciones UTDT
    (Figueroa Alcorta 7350)

    La pintura como instrumento de creencia, la construcción manual como proceso de aprendizaje y transformación del mundo, la actualidad de la esperanza y de la épica, son los temas que ocupan a Magdalena Jitrik en su muestra El Fin, el Principio.

    El proyecto incluye una historia fotográfica de los desplazamientos de cuadros que Jitrik viene haciendo, un árbol de cuadros, una serie de pinturas-monumentos y una película en Super 8.

    Como toda la obra de Jitrik, esta muestra investiga los pliegues, contradicciones, brillos y zonas muertas de las esperanzas artísticas y revolucionarias del siglo XX.

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    El Árbol de cuadros de Magdalena Jitrik

    Empujada por la euforia política, en 2003, en el contexto de un festival en una fábrica recuperada, Jitrik saca por primera vez sus cuadros del taller para colgarlos de las ramas de un árbol, en una plaza.

    Tanto el tratamiento disfuncional del cuadro como objeto portátil expuesto a la intemperie, como la postulación de la pintura como una proclama política encriptada, auguraban una situación de umbral: ahí, colgada a la vista de cualquiera, movida por el viento, sin autor ni dueño, la pintura se reconectaba con la historia de la propaganda y parecía encontrar una nueva potencia como máquina de proyección política.

    Esa apuesta de montaje fue reconocida por la artista como un acto fundacional, a partir del cual siguió sacando los cuadros del taller y experimentando con una serie de acciones (bautizadas por Jitrik como Cuadro turista) que consisten en llevar los cuadros de viaje, buscando “lugares que no le corresponden a la pintura”, como dice la autora. En esos viajes, de todas las pruebas realizadas, el árbol fue el cuerpo que más vibró en conjunción con los cuadros, y con el cual más se experimentó.

    Entre árbol y cuadros el extrañamiento es recíproco - porque ¿qué habría más lejano a una pintura geométricaqueun caldén? - pero a la vez el encuentro nos trae inmediatamente a la memoria imágenes de altares populares al borde de la ruta, de celebraciones y exorcismos. A pesar de la hipotética distancia entre pintura abstracta y naturaleza, lo que vuelve a este encuentro la ocasión de tantas ideas y sensaciones, es ese denominador común entre modernismo y folklorismo, esa fuerza siempre soterrada, casi secreta, que es la pintura como instrumento de creencia.

    El magnetismo de la obra radica entonces en su capacidad para reconectar la historia de la abstracción con un origen posible en una situación de culto, que estaría reprimida, desde Malevitch en adelante.

    Edificada a partir de ramas muertas de distintas especies, desterrada en la arquitectura de la sala de exposiciones, esta escultura se eleva a partir de una voluntad loca por transitar el proceso de reconstrucción de lo natural como un aprendizaje de la materia, y por trabajar con ruinas y restos como si se tratasen de un nuevo principio.

    Inés Katzenstein


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    Magdalena Jitrik. Nació en Buenos Aires y vivió en México desde 1974 hasta 1987, donde estudió Artes Visuales en la Escuela Nacional de Artes Plásticas. Ya en Buenos Aires realizó en 1990 su primera exposición de pinturas en la Galería del Rojas, exponiendo sin interrupción desde entonces. Sus principales proyectos son Manifiesto (1995), Revueltas (1997), Desobediencia(1999), Ensayo de un Museo Libertario (2000), Socialista (2001), Fondo de Huelga (2007), Red de Espionaje (2009), Templo(2010), Vida Revolucionaria (2012) y Linterna Internacional (2012). Formó parte del grupo fundador del Taller Popular de Serigrafía (2002-2007).

    Ha expuesto en el Museo Nacional de Bellas Artes (Mas allá de la Geometría, 1998), el Museo de Bellas Artes de Bahía Blanca (Banchero – Casanova – Jitrik, 1999 y Red de Espionaje, 2009), en el Museo Castagnino de Rosario (Juego de Damas, 1994 yTrueque, 2002), en el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires, (Contemporáneo 4, 2004 y en varias exposiciones de la colección), en el Museo Macro (Abstracciones / Un recorte en la colección Castagnino+macro, 2011 y Política y belleza de las tareas, 2012). Fuera de Argentina ha expuesto en Francia: L'abstraction et ces territoires (1998), Filles indignes de l'Art Concret(2000), individuell-collectif (2004) y Dechirures de l'Histoire (2006). Participó en las bienales de Porto Alegre, Thessaloniki, la Trienal Poligráfica de Puerto Rico, Estambul y Manifesta. Fue invitada a residencia en Askeaton (2009), expuso en Limerick, Irlanda (2012), y Fetiches críticos en Madrid (2010) y México DF (2011).


  • Fisicismos

    Adriano Costa (Brasil), Eva Morant Artazkoz (España), David Bestué (España), Jane Brodie (USA/Argentina), Yael Davids (Israel/Holanda), Jirí Kovanda (República Checa), Daniel Steegmann Mangrané (España/Brasil) y Raphaël Zarka (Francia)

    Curadores: Manuela Moscoso y Mariano Mayer
    12 de julio al 2 de agosto

    Sala de exposiciones UTDT
    (Figueroa Alcorta 7350)

    El fisicismo es una doctrina filosófica que intenta explicar la naturaleza del universo a partir de principios físicos. Ésta defiende la materialidad constituyente del mundo y atribuye a todas las entidades un potencial para afectar y ser afectada, mientras éstas puedan explicarse mediante leyes físicas. La exposición Fisicismos, no se detiene en la ciencia sino que se centra en la materialidad de los elementos (visibles o no visibles) como eje dinamizador y constructor de espacios de sociabilidad. El gesto artístico se transforma en un tipo de existencia, y su “estar ahí” pocas veces resulta indiferente. Ademanes que delimitan espacios de enunciación y tienen como objetivo crear un efecto y ser afectados. No son gestos sin intención, sino algunos de los modos que permiten construir marcos de acción. La cualidad política del gesto reside en el hecho de tomar una posición en relación “al resto”. En este caso el deseo por entender un presente geopolítico y un contexto de pertenencia desencadena una serie de negociaciones entre un sujeto que produce y un receptor que genera todo tipo de formas.

    Fisicisimos no sólo habla a través de los cuerpos, sino también de los conductos interiores y exteriores donde cada una de estas obras acuerda su comunicación. La exposición pretende identificar las tensiones entre lo corpóreo y lo abstracto, y plantea la pregunta sobre las posibles formas de comprensión de la afectividad sin un cuerpo reconocible. Para ello, cuenta con la participación de artistas de diferentes generaciones y contextos, que durante los últimos años han indagado desde diferentes perspectivas el “hacer” artístico y su “estar en el mundo”.

    Manuela Moscoso y Mariano Mayer

    Esta exposición cuenta con el apoyo de:
    Coleção Moraes-Barbosa (São Paulo, Brasil)

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    Fisicismos

    El fisicismo es una doctrina filosófica que intenta explicar la naturaleza del universo a partir de principios físicos. Esta defiende la materialidad constituyente del mundo y atribuye a todas las entidades un potencial para afectar y ser afectada, mientras estas puedan explicarse mediante leyes físicas. La exposición Fisicismos, no se detiene en la ciencia sino que se centra en la materialidad de los elementos (visibles o no visibles) como eje dinamizador y constructor de espacios de sociabilidad. 

    Tomando como punto de partida esta declaración de David Wojnarowicz “el arte permite producir propias formas gestuales y comunicativas” recurrimos a la afectividad desarrollada por una serie de artistas para ofrecer distintos niveles de presencia. El gesto artístico se transforma en un tipo de existencia y su “estar ahí” pocas veces resulta indiferente. Escenificaciones, volúmenes, señalamientos, discursos y actos en permanente construcción. Ademanes que delimitan espacios de enunciación y aproximación que tiene como objetivo crear un efecto y ser afectados. No son gestos sin intención, sino algunos de los modos que permiten construir marcos de acción.

    La cualidad política del gesto artístico reside en el hecho de tomar una posición en relación “al resto”. En este caso el deseo por entender un presente geopolítico y un contexto de pertenencia desencadena una serie de negociaciones entre un sujeto que produce y un receptor que genera todo tipo de formas. Los objetos, imágenes y discursos que estos artistas formulan son por ende colectivos, es decir, provienen de un “estar aquí” humano y ciudadano. Explorar la afectividad permite emerger el gesto artístico inmerso en reflexiones sobre memoria, historia, política, identidad y entender los aspectos emocionales como los vectores de la experiencia personal.

    Fisicisimos no sólo habla a través de los cuerpos, sino también de los conductos interiores y exteriores donde cada una de estas obras acuerda su comunicación. La exposición pretende identificar exactamente las tensiones entre lo corpóreo y lo abstracto, y plantea la pregunta sobre las posibles formas de comprensión de la afectividad sin un cuerpo reconocible. Para ello, la exposición cuenta con la participación de artistas de diferentes generaciones y contextos, que durante los últimos
    años han indagado desde diferentes perspectivas el “hacer” artístico y su “estar en el mundo”.

    Manuela Moscoso – Mariano Mayer

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    Manuela Moscoso. Su práctica curatorial está enfocada en generar espacios para la investigación, producción y exhibición. Ya sea organizando exposiciones, iniciando un espacio independiente (los29enchufes, Madrid), una plataforma online o programa residencia (www.thisisjulio.com), entiende la colaboración como parte integral de su práctica.
    Recientemente ha curado exposiciones como Quarter System (Universidad de Navarra, España) Bienal de Queens (Queens Museum, Nueva York), Antes Que todo (CA2M, Madrid). Junto con Sarah Demeuse es Rivet (www.rivet-rivet), una oficina curatorial que investiga arte y filosofías del objeto. Su investigación se ha materializado en exposiciones y publicaciones enfocados en nociones de genéricos y desplazamiento, resonancia y repetición, en proyectos en espacios como Goethe Institute (Nueva York), Artium Museo (Vitoria/España) o 98weeks (Beirut).
    Fue co-Directora de Capacete (Brasil), y en 2013 Moscoso fue jurado del premio Nacional Mariano Aguilera. Actualmente es la curadora asistente de la Bienal de Cuenca 2014. Moscoso tiene un MA en Curatorial Studies de Bard College, New York y BA en Fine Art de la Universidad de Central Saint Martins, Londres.

    Mariano Mayer. El escritor y comisario independiente argentino Mariano Mayer vive en Madrid, España, desde 2002. Entre sus últimos proyectos como comisario figuran Visible, Móvil, Vidente (Centro Párraga, Murcia, 2012–2013); XXIII Circuitos de Artes Plásticas (Sala de Arte Joven de la Comunidad de Madrid, 2012); Reverso (Have a window, Torino, 2012); La forma abierta (Mite Galería, Buenos Aires, 2012); En la larga duración (El Taller, Madrid, 2011); Cerrado, no oscuro (Galería Blanca Soto, Madrid, 2011); Encabalgamientos (Galería Alberto Sendrós, arteBA 2011, Buenos Aires) o Plano, peso, punto y medida (Universidad Torcuato Di Tella, Departamento de Arte, Buenos Aires, 2011). Ha coordinado las exposiciones Estación Experimental. Investigaciones y fenómenos artísticos (CA2M, Móstoles, 2011) y Antes que todo (CA2M, Móstoles, 2010–2011) y sus respectivas publicaciones. Ha publicado, entre otros, los libros Justus, (Diputación de León e Instituto Leonés de Cultura, 2009); CAFÉ (Madrid, 2009); We are ugly but we have the music, junto a Iván Mezcua (Madrid, 2005) o Fanta (Corregidor, Buenos Aires, 2002). Colabora desarrollando textos y entrevistas para diversas publicaciones e instituciones. Ha recibido el Primer Premio Internacional de Poesía Antonio González de Lama 2007, por su libro Justus (León, España) y el Primer Premio de Literatura, Fundación Octubre 2001(Buenos Aires, Argentina), por el libro Fanta.
    Desde el año 2007 junto a Cecilia Szalkowicz y Gastón Pérsico edita la publicación de cultura contemporánea SCRIPT (Madrid – Buenos Aires).