Profesores internacionales

  • Tobías Ostrander / Septiembre 2016

    Invitado por el Departamento de Arte de la UTDT, el curador estadounidense, dictó un seminario intensivo de 3 días.




    CURANDO EN CONTEXTO. Estrategias de sitio específico para la programación de instituciones culturales

    Este seminario exploró la práctica curatorial en relación al desarrollo de programas de largo plazo para museos e instituciones culturales.
    Partiendo de su experiencia como curador y director de varios museos en México y en los Estados Unidos, Tobias Ostrander introdujo a los participantes en el pensamiento conceptual detrás del desarrollo de exposiciones, comisiones de artistas y programas públicos de sitio específico, que responden a las particularidades de una institución dada, su historia y su contexto cultural contemporáneo. Los cuestionamientos a explorar incluyeron posicionar estratégicamente una institución dada localmente, regionalmente e internacionalmente a través de su programa y uso creativo de recursos disponibles. La definición y la clarificación de los objetivos institucionales y las misiones a través del desarrollo de programas fue también discutido a través de la presentación de ejemplos específicos y estudios de caso.

    Se investigaron en grupo las nociones sobre el rol de los programas curatoriales en el “place-making” (generando lugar) y como las instituciones culturales pueden participar en la articulación de historias culturales particulares y sus especificidades dentro de un contexto dado.


    Tobias Ostrander
     se desempeña desde 2011 como curador en jefe y subdirector de asuntos curatoriales en el Pérez Art Museum Miami, donde tiene a su cargo el programa para el nuevo edificio diseñado por Herzog and De Meuron inaugurado en diciembre de 2013. Anteriormente a su trabajo en Miami, de 2009 a 2011 fue director de El Museo Experimental El Eco en la Ciudad de Mexico. De 2001 a Julio de 2009 fue curador de arte contemporáneo en el Museo Tamayo en la Ciudad de México. Durante sus ocho años en el Museo Tamayo, Ostrander desarrolló un programa extenso de exposiciones internacionales. Previo a su trabajo en la Ciudad de México, fue Curador Asociado de inSite2000/01 en San Diego, Tijuana y fue asistente curatorial en la XXIV Bienal de São Paulo. Tiene una maestría en estudios curatoriales del Centro de Estudios Curatoriales del Bard College.

  • Maria Lind / Mayo 2016

    Invitada por el Departamento de Arte de la UTDT, la curadora e investigadora sueca, dictó una charla cerrada para curadores y una conferencia abierta.

    María Lind es una de las curadoras más influyentes de la escena contemporánea, tanto por sus exposiciones y proyectos de investigación como por su capacidad de teorizar sobre el presente. Lind fue directora de IASPIS, del Center for Curatorial Studies de Bard College y del Kunstverein de Munich, entre otros cargos. Durante algunos días del mes de abril y mayo se encontró en Buenos Aires como parte de su investigación para la próxima Bienal de Gwangju.




    Luz Futura

    En esta conferencia Maria Lind trabajó sobre las ideas detrás de “Future Light” una exposición que curó en el marco de la Bienal de Viena, durante 2015, en la que intentó articular un diagnóstico  sobre el estado de las cosas del mundo en un formato exhibitivo. La exposición se presenta como una hipótesis  sobre las complejidades de nuestra época, con la idea de que "El arte tiene, después de todo, toda una capacidad para funcionar en parte como un sismógrafo y en parte como un perro rastreador, detectando cosas que todavía no se vieron, consolidadas en otras partes de la sociedad, creando nuevos imaginarios". Estos nuevos imaginarios, según Lind, están radicados en nuevas formas de experimentación en el espacio público, nuevas formas de la subjetividad propuestas por el movimiento del feminismo queer, y nuevas formas de visión. 

    La pregunta que extrae Lind de su proyecto, es: "¿Cómo es que algunas de las características de la vieja Ilustración se deslizaron hacia el presente y estén siendo revisadas por el arte, el activismo y la teoría?Esto, después de casi un siglo de problematizar, cuestionar y oponerse a su legado. Inmersos en una existencia cada vez más economizada, fragmentada, privatizada y vigilada donde, por ejemplo, los contribuyentes están obligados a compensar los riesgos de la especulación financiera, y la brecha entre ricos y pobres aumenta con una velocidad inaudita, parece necesario volver sobre algunas nociones fundamentales y fenómenos heredados de la lucha por la emancipación universal. Entre ellos se encuentran la luz de la razón y la racionalidad, el sujeto individual, y la esfera pública".


    Maria Lind nació en 1966 y vive en Estocolmo. Es Master en Historia del Arte por la Universidad de Estocolmo y de 1995 a 1996 fue estudiante del Programa de Estudios Independientes del Whitney en New York.
    Dirige desde 2011 el Tensta Konsthall y ha co-curado múltiples exhibiciones en este espacio. Lind también fue curadora de Future Light en el marco de la primera Bienal de Viena en el MAK y Kunsthalle Wien, 2015. Desde 2010 curó Abstract Possible, un proyecto de investigación sobre la abstracción, tomando el arte contemporáneo como un punto de partida con exposiciones en el Konsthall de Malmö en 2010, en el Museo Tamayo de México en el 2011, en el White Space de Zurich en 2011, en el Eastside Projects de Birmingham en 2012 y en Tensta Konsthall en 2012.
    Entre 2005 y 2007 fue directora de IASPIS (International Artist Studio Program in Sweden) en Estocolmo, donde curó múltiples exposiciones y co-curó el simposio “Taking the Matter Into Common Hands: On Collaborative Practices in Contemporary Art”. Del 2002 al 2004, fue directora del Kunstverein de Munich donde, junto con un equipo curatorial, llevó a cabo un programa de exposiciones. Previamente Lind fue curadora del Moderna Museet en Estocolmo y co-curadora de la Manifesta 2, Bienal Europea de arte contemporáneo, de 1997 a 2001. Fue también directora del programa de posgrado en el Center for Curatorial Studies del Bard College de 2008 a 2010, y asesora académica del Gwangju Biennale International Curator Course en 2013. Actualmente es profesora investigadora en la Art Academy de Oslo.
    Fue co-editora de los siguientes libros: Curating with Light Luggage and Collected Newsletter; Taking the Matter into Common Hands: Collaborative Practices in Contemporary Art,European Cultural Policies 2015; y The Greenroom: Reconsidering the Documentary and Contemporary Art. También co-editó las siguientes publicaciones: Contemporary Art and Its Commercial Markets: A Report on Current Conditions and Future Scenarios; Performing the Curatorial: With and Beyond Art; y Art and the F Word: Reflections on the Browning of Europe, todos con Sternberg Press. Editó también “Abstraction” como parte de la Whitechapel Gallery’s series “Documents on Contemporary Art” del MIT.
    En  2009 ganó el premio Walter Hopps Award por logros curatoriales, y fue miembro del boad del IKT del 2006 al 2011.
    Este año, Lind será la directora artística de la Bienal Gwangju.


    Imagen: Vista de la exposición "Future Light: Escaping Transparency" en el MAK.

  • Lars Bang Larsen / Septiembre 2015

    Invitado por el Departamento de Arte de la UTDT, el escritor, historiador del arte y curador danés, dió una conferencia abireta y un seminario intensivo de 3 días.




    Conferencia abierta - martes 8 de septiembre, 19h

    Material Irritado

    Contrariamente a la connotación común del término “irritación” como algo fugaz y dependiente del estado de ánimo, un no-evento, algo inconsecuente y como mucho, un mero síntoma, en ámbitos científicos el término “irritación” refiere a algo positivo y fundamental. En la obra de Albrecht von Haller en el siglo XVIII, así como en la de Erwin Schrödinger y Norbert Wiener en el siglo XX, “irritación” e “irritabilidad” definen umbrales de la vida misma, fenómenos de la vida fundamentales.

    Incluso si, científicamente hablando, el término ha quedado de alguna manera viejo, la idea de “material irritado” todavía puede ser útil cuando es aplicada a la práctica artística o a su análisis. Con una ambigüedad que va en contra de las aproximaciones y términos afirmativos, la podemos usar para manifestaciones artísticas que están ligeramente desdobladas. Bajo este encabezado podemos encontrar obras de arte borderline o subterráneas, situadas en los bordes de la historia del arte, o en las fronteras de lo que es propiamente arte. Uno podría, en esta línea, sugerir una relación densa entre el arte y el campo cultural y subjetivo.  Un arte que enfrenta problemas en el mundo social, pero es a la vez escéptico de sí mismo, puede aparecer ansioso y volátil, así como positivamente crítico.

    En esta conferencia, se incluirán ejemplos de exhibiciones curadas por Lars Bang Larsen (A History of Irritated Material (Historia de un material irritado), 2010, y Reflections from Damaged Life (Reflexiones desde un mundo dañado), 2013), así como de obras de arte y proyectos como Estruturaçao do self (Estructuración del ser) (1976-88) de Lygia Clark, o The Little General (El pequeño general) (1967) de Öyvind Fahlström.


    Seminario de 3 clases - miércoles 9, jueves 10 y viernes 11 de septiembre, 10 a 13h

    ¿Qué tipo de arte surge entre el espacio socio-cultural y el sistema nervioso?

    En los ochenta, Gilles Deleuze reclamaba una estética de las sensaciones que fuera “inseparable de su acción directa sobre el sistema nervioso”. Esto sonaba como una utopía biológica, a través de la cual el arte podría desafiar sus medios tradicionales y su dependencia de la forma. Así, la producción estética de subjetividad sería intrínsecamente –o intravenosamente- política. 

    Hoy, sin embargo, las estructuras de poder globalmente interconectadas tienden a hacer exactamente eso: trabajan directamente sobre la energía humana y la percepción, sobre la imaginación y los estados de ánimo. Esto pone en evidencia que la idea de una “acción directa sobre el sistema nervioso” era políticamente ambigua y estaba abierta a toda clase de apropiaciones (tanto en favor de la libertad como del control).

    Este seminario propone rastrear los discursos históricos y contemporáneos acerca del sistema nervioso, así como también las historias del arte y de los artistas que tomaron al sistema nervioso como lugar de producción; todas formas irritables del arte, que giran alrededor del “frottage”, del vitalismo no-humano y de protestas no-discursivas.

    Situándose, por lo general, en los límites del concepto arte y bordeando lo para-cultural, estos ejemplos terminaron, en la mayoría de los casos, en el limbo de la historia del arte. Así, el seminario invita a los participantes a reflexionar acerca de un arte comprometido con el post-humanismo del ocultismo, las experiencias psicodélicas y el ciberfeminismo textilpunk, entre otras manifestaciones.


    LARS BANG LARSEN  es escritor, curador e historiador del arte. Es profesor invitado en la Alta Escuela de arte y diseño de Ginebra, e investigador postdoctoral de la Universidad de Copenhague (Departamento de Artes y Estudios culturales), donde también obtuvo un doctorado por su estudio sobre conceptos psicodélicos del arte de la neo-vanguardia. Ha organizado exposiciones como A History of Irritated Material (Raven Row, Londres, 2010), The Society Without Qualities (Tensta Konsthall, Estocolmo, 2013), y Reflections from Damaged Life (Raven Row, Londres, 2013). Entre las muestras de las que fue co-curador, se destacan Populism (Stedelijk Museum, Frankfurter Kunstverein y otras instituciones, Amsterdam, Frankfurt, Vilna, Oslo, 2005), La insurección invisible de un millón de mentes (Sala Rekalde, Bilbao, 2005), y Believe not every spirit, but try the spirits (Monash University Museum of Art, Melbourne, 2015). Fue el curador de la participación danesa en la 26ª Bienal de San Pablo, 2004, y actualmente es parte del equipo curatorial que prepara la edición número 32 de la misma, que tendrá lugar en el año 2016. Sus últimos trabajos publicados incluyen The Model: Palle Nielsen’s ‘A Model for a Qualitative Society’, 1968, (MACBA, 2010); Networks (Whitechapel Gallery, 2014); y The Phantom of Liberty. Investigations in the Pedagogical Paradox (co-editado con Tone Hansen, Sternberg Press, 2014). En 2015 publicará su primer libro en castellano, Arte y norma (Cruce Casa Editora), en el que se reúnen sus ensayos más recientes. Vive y trabaja en Copenhague.

  • Juan Gaitán / Julio 2015

    Invitado a Buenos Aires por el Departamento de Arte de la Universidad Torcuato Di Tella, el curador colombiano y actual director del Museo Tamayo de México, Juan Gaitán, ofreció una conferencia libre sobre su trabajo y un seminario intensivo de tres días.


    Juan A. Gaitán (Canadá/Colombia) es un escritor y curador independiente, con residencia actual en México, D.F., y Berlín. Actual director del Museo Tamayo (México), se formó como artista e historiador de arte en la University of British Columbia y en el Emily Carr Institute of Art and Design en Vancouver (Canadá). Entre enero de 2009 y diciembre de 2011, fue curador del Witte de With Center for Contemporary Art en Rotterdam (Países Bajos), y entre septiembre de 2011 y junio de 2012, profesor adjunto en el Programa de Prácticas Curatoriales del California College of the Arts en San Francisco (EEUU). Entre 2006 y 2008, Gaitán fue miembro del Board of Directors de Western Front Society y trabajó como curador externo de la Morris and Helen Belkin Art Gallery en Vancouver.
    Sus textos han sido publicados en numerosos medios, incluyendo Afterall, Arte al Día, Art Nexus, Canadian Art, The Exhibitionist, Fillip y Mousse. Su exposición más reciente, Material Information, presentada en tres sedes en Bergen (Noruega), propone un acercamiento crítico a la distribución global del trabajo desde la perspectiva de las artes y artesanías. Juan A. Gaitán es miembro del comité de adquisiciones de FRAC Nord-Pas de Calais en Dunquerque (Francia).

  • Bruce Altshuler / Marzo 2014

    Conferencia abierta y seminario intensivo / HISTORIA DE LAS EXPOSICIONES
    Lunes 17 de marzo, 18.30h
    Martes 18, miércoles 19 y jueves 20 de marzo, 17.30 a 20.30h
    UTDT. Figueroa Alcorta 7350


    Invitado por el Departamento de Arte de la Universidad Torcuato Di Tella, Bruce Altshuler, director del programa Museum Studies de New York University, en su visita a Buenos Aires ofreció un seminario intensivo sobre historia de las exposiciones, precedido por una conferencia abierta al público.

    Ambas actividades estuvieron destinadas a historiadores del arte, curadores, investigadores y artistas interesados en el análisis histórico y crítico de algunas de las exposiciones y tendencias curatoriales más relevantes de la contemporaneidad.

    Programa del seminario

    La primera clase se centró sobre la noción de exhibición discursiva, una forma curatorial y expositiva que floreció en los ‘90 y que ha madurado a través de la primera década del siglo. Se presentaron casos como material de investigación y análisis, donde la idea de exposición se transforma y pasa de ser un espacio para mostrar obras a una investigación multidisciplinaria. Se relacionó este concepto con desarrollos experimentales en algunos espacios de arte europeos que fueron catalogados bajo el título “Nuevo Institucionalismo”.

    La segunda clase se concentró sobre las formas que tomó la innovación en el quehacer expositivo. Se discutió la cercana conexión entre ideas curatoriales y desarrollos en el campo artístico, sosteniendo que muchas innovaciones que son asignadas a los curadores, tienen sus raíces en la obra de artistas. Se prestó atención a las innovaciones de manera general – como cambios en la idea de qué es lo que puede ser una exhibición – y desarrollos particulares, como lidiar con sitios de exposición, diseños, estructuras temporales.

    Finalmente, en la última clase, se reflexionó sobre por qué es que la historia de las exposiciones es un área de estudio importante. La hipótesis está sostenida en la concepción de la exhibición como convergencia de variadas redes y marcos explicativos entre los cuales las mismas funcionan. La exposición pensada como la intersección donde múltiples actores se conectan: artistas, art dealers, críticos, curadores, coleccionistas, funcionarios de gobierno, junto con los muchos públicos de arte. Desde pequeñas muestras dirigidas principalmente a otros artistas y sus amigos, a exposiciones masivas concebidas para audiencias ampliadas, las exhibiciones juntan una multiplicidad de agentes que, ejerciendo tensiones varias en diversas circunstancias, generan lo que llamamos “historia del arte”, y de las cuales se desprenden acciones con implicancias más allá del mundo del arte.

    El seminario se dictó en idioma inglés.


    Bruce Altshuler es director de Program in Museum Studies en Graduate School of Arts and Science at New York University. Anteriormente ha sido Director de Isamu Noguchi Garden Museum (Long Island City, New York), y Director de Estudios en Christie’s Education (New York). Es autor de Biennials and Beyond: Exhibitions that Made Art History, 1962-2002 (2013), Salon to Biennial: Exhibitions that Made Art History, Vol. 1, 1863-1959 (2008), The Avant-Garde in Exhibition (1994) y la monografía Isamu Noguchi (1994), y editor de Collecting the New: Museums and Contemporary Art (2005). Altshuler ha dado conferencias internacionalmente y ha escrito extensamente sobre arte moderno y contemporáneo, incluyendo ensayos para catálogos de exposiciones en Whitney Museum of American Art, Carnegie Museum of Art, Japan Society, Fundación Juan March, Arthur M. Sackler Gallery, Vitra Design Museum, e Independent Curators International. Ha sido profesor de Bard Center for Curatorial Studies, y miembro del directorio de International Association of Art Critics/United States Section.

  • Sergio Muñoz Sarmiento / Noviembre 2013

    Seminario de Arte Contemporáneo y Propiedad Intelectual
    Viernes 8 de Noviembre 2013
    UTDT. Figueroa Alcorta 7350


    A grandes rasgos, la historia ha esbozado tres fases principales de producción y, por lo tanto, de propiedad. Las primeras dos - agricultura e industrial- requirieron propiedad tangible (la tierra, por ejemplo) para poder controlar los medios de producción y, por tanto, producir la "cosa" física. Si bien es cierto que los países “desarrollados" han llegado ya a la tercera fase de producción y de bienes de propiedad, conocida como la fase basada en conocimientos o propiedad intelectual, entonces el problema que enfrentamos es si esta fase de propiedad intelectual hace a todos productores y, por lo tanto, propietarios, permitiendo fundamentalmente el acceso democrático a la propiedad.

    Sin embargo, hay que tener en cuenta que nuestra red social es una en la que prácticamente todas las "cosas" producidas y adquiridas vienen acompañadas de un conjunto de derechos. Esto coloca a los artistas contemporáneos frente a un dilema: ¿Cómo lidiar con el hecho de que son cómplices de la producción económica y la reproducción de la formación de la propiedad intelectual, las transacciones, y la propiedad misma, independientemente de que haya un deseo de resistencia? ¿Pueden los artistas participar simultáneamente en esta "red social" y crear un espacio en el que bienes tanto tangibles como intangibles y, por designación, privados y públicos, tengan una función distinta de la de preservar y perpetuar la explotación de los bienes y la creación de una cultura insípida?

    Sergio Muñoz Sarmiento es artista y abogado con especialidad en derecho del arte. Se interesa por la relación entre el arte contemporáneo y el derecho, con un enfoque principal en derechos de autor, derechos morales, la libertad de expresión y organizaciones de arte sin fines de lucro. Actualmente ejerce como asesor jurídico fuera de su oficina The Law Office of Sergio Muñoz Sarmiento, y es profesor arte contemporáneo y derecho en la Facultad de Derecho de Fordham University, en Nueva York. Recibió su Licenciatura en Arte de la Universidad de Texas en El Paso y una Maestría en Arte en el Instituto de Artes de California. En 2006, recibió su doctorado en derecho de la Facultad de Derecho de Cornell University; en 1997-1998, fue Van Lier Fellow del programa de Estudios Independientes de Arte del Whitney Museum of American Art. Muñoz Sarmiento es miembro del Comité de Derecho de Arte del Colegio de Abogados de la Ciudad de Nueva York y es miembro de la junta asesora de tres organizaciones sin fines de lucro. De 2006 a 2012, fue Director de Educación y Director Asociado de Volunteer Lawyers for the Arts en la ciudad de Nueva York, donde asesoró y representó a artistas visuales y escénicas y organizaciones de arte. Es también fundador del Art & Law Program. Para más información, visita: www.sergiomunozsarmiento.com

    Este seminario ha sido co-organizado por la Coleccion Patricia Phelps de Cisneros, como parte de la tercera edición del Seminario Fundación Cisneros en Caracas, en colaboración con la Universidad Torcuato Di Tella en Buenos Aires y la Universidad de los Andes en Bogotá.
  • Chus Martínez / Mayo 2013

    Crítica y Curaduría

    La española Chus Martínez, curadora jefe del Museo del Barrio en Nueva York, dictó un seminario donde narró la experiencia curatorial de dOCUMENTA (13) en toda la complejidad y extensión de su proceso. También disertó sobre la línea curatorial de MACBA durante su ejercicio (2008-2010). 

    27, 28 y 29 de Mayo 2013
    UTDT. Figueroa Alcorta 7350


    Chus Martínez (España) Curadora jefe del Museo del Barrio en Nueva York, anteriormente ha sido directora del departamento curatorial de dOCUMENTA (13) 2012 y miembro del Core Agent Group.
    Fue curadora jefe del MACBA, Barcelona (2008 a 2010), Directora de la Frankfurter Kunstverein (2005-08) y directora artística de la Sala Rekalde, Bilbao (2002-05). Para la 50ª Bienal de Venecia (2005) curó el Pabellón Nacional de Chipre, y en 2010 se desempeñó como asesora curatorial para el 29ª Bienal de Sao Paulo. Martínez da conferencias y escribe regularmente incluyendo en su producción numerosos textos de catálogos así como ensayos críticos, y es colaboradora habitual de Artforum,entre otras revistas internacionales.



  • Guillaume Leblon / Abril 2013

    Ce que je veux dire / Lo que quiero decir
    El artista presentó su obra y repasó sus trabajos recientes.

    Lunes 22 de abril de 2013
    UTDT. Figueroa Alcorta 7350


    Guillaume Leblon nació en Lille, Francia en 1971. Vive y trabaja en París. En 1997 se graduó con honores en la Ecole Nationale des Beaux-Arts, en Lyon. Realizó una residencia en la Rijksakademie Amsterdam en 1999 y 2000. En 2008 estuvo en residencia en el International Studio and Curatorial Program (ISCP) en Nueva York. En 2011 fue nominado para el Premio Marcel Duchamp. El artista es representado por la Galería Jocelyn Wolff, en París, Carlier/Gebauer, Berlín y ProjecteSD, en Barcelona.

    Leblon ha realizado numerosas exposiciones individuales, incluyendo MASSMoCA, Noth-Adams, Estados Unidos (2013), el Museo de Sérignan, Sérignan, Francia (2012); Bienal de Lyon (2011), The Suburban & The Poor Farm Experiment, Wisconsin, (2011); Fondation Paul Ricard, París, (2011);MUDAM, Luxemburgo (2009); Centre d’art contemporain Culturgest, Porto, Portugal (2008), Centro Gallego de Arte Contemporaneo, Santiago de Compostela, España (2008); Kunstencentrum, Leuven, Bélgica (2008), Kunstverein Düsseldorf (2006), Centre d’art contemporain, Ivry-sur-Seine, FranciaFRAC Bourgogne, Dijon (2004).
  • Cuauhtémoc Medina / Marzo 2013

    Seminario de Crítica y Curaduría
    25, 26 y 27 de marzo de 2013
    UTDT. Figueroa Alcorta 7350


    Sur, curaduría y contemporáneo: tres categorías operativas
    La intención de este seminario fue participar en el debate de tres categorías que son decisivas en la práctica artística del subcontinente: contemporáneo, curaduría y sur. En tres sesiones intensivas, se examinaron los contornos y debates que rodean estos conceptos. Se trata de tres motivos muy generalizados de nuestra práctica que rara vez sometemos a examen crítico: ¿Qué es “contemporáneo”? Disquisiciones sobre un cronotopo cultural; Curaduría desde la periferia; y Sur: un otro cosmopolitismo.

    Cuauhtémoc Medina (Ciudad de México, 5 de diciembre de 1965). Crítico, curador e historiador de arte. Doctor en Historia y Teoría de Arte (PhD) por la Universidad de Essex en la Gran Bretaña y Licenciado en Historia por la Universidad Autónoma de México. Es investigador del Instituto de Investigaciones Estéticas de Universidad Nacional Autónoma de México. Entre 2002 y 2008 fue el primer Curador Asociado de Arte Latinoamericano en las Colecciones de Tate Modern, en el Reino Unido. En los últimos años ha curado, entre otros eventos La era de la discrepancia. Arte y Cultura Visual en México (1968-1997) (Co-curada con Olivier Debroise, Pilar García and Alvaro Vazquez, 2007-2008) y el proyecto de Teresa Margolles, ¿De qué otra cosa podríamos hablar? (2009) para el Pabellón de México en la 53a. Bienal de Venecia. En 2012 fue curador de la bienal Manifesta 9: The Deep of the Modern, que tuvo lugar en Genk, Bélgica, en Junio-Septiembre del 2012, con la colaboración de Dawn Ades y Katerina Gregos. 

    Seminario realizado gracias al apoyo del Círculo de Amigos del Departamento de Arte de la Universidad Torcuato Di Tella.

  • Renata Lucas - Paulo Herkenhoff / Noviembre 2012

    Ciclo Brasil Contemporáneo
    Noviembre de 2012

    Gracias al apoyo de la Embajada de Brasil en Buenos Aires y al Círculo de Amigos del Departamento de Arte hemos invitado a la artista Renata Lucas y al curador, crítico e historiador, Paulo Herkenhoff, a dar clases a los alumnos de nuestros programas y conferencias abiertas al público.

    Renata Lucas trabaja habitualmente sobre la arquitectura existente y las relaciones de circulación en el espacio. Basándose tanto en una lectura del sitio como en la ficción, sus obras intervienen en paisajes y arquitecturas reales proponiendo una relación activa con el público. La artista brasileña ofreció una conferencia abierta al público.

    Renata Lucas (1971) vive en Río de Janeiro, Brasil. Ha expuesto su obra individualmente en KW Institute for Contemporary Art, Berlín (2010); Gasworks, Londres (2007), y el Museu de Arte da Pampulha, Belo Horizonte (2002). Lucas ha participado en dOCUMENTA 13, Kassel (2012); en la Bienal de Venecia (2009); en la Bienal de San Pablo (2006). En 2009 recibió el premio Ernst Schering Foundation.

    Paulo Herkenhoff combina en su trayectoria imaginación curatorial, estudio crítico e histórico de obras de arte particulares y un pensamiento político acerca del arte brasilero y latinoamericano. La conjunción de estas características lo han convertido en una de las figuras más brillantes e influyentes de la curaduría en nuestro continente. Paulo realizaró un trabajo de análisis y crítica con los alumnos del Programa de Artistas.

    Paulo Herkenhoff ha sido sucesivamente director del Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro y Museo de Bellas Artes de la misma ciudad. Curador asociado en el Departamento de Arte Latinoamericano del MOMA de Nueva York y director de la XXIV Bienal de Sao Paulo (1998), dedicada a la antropofagia como estrategia de apropiación.

    Es autor de numerosos ensayos, como The Contemporary Art of Brazil: Theoretical Constructs (1993), The Theme of Crisis in Contemporary Latin American Art (1993), Cildo Meireles (2000), Beatriz Milhazes (2001) y Adriana Varejao (2002). Sus proyectos curatoriales más recientes, caracterizados tanto por el interés pedagógico como por la revisión histórica, han sido: The trajectory of light in Brazilian art (2001), Lucio Fontana (2001); Tempo (2002), Guillermo Kuitca (2003) y Manobras Radicais (2006).