Seminarios pasados 2021
DISEÑO DE EXPOSICIONES
Curso práctico de museografía y montaje.
Profesor: Ivan Rosler
4 clases entre octubre y noviembre 2021
Cursada: martes 17 a 21h
Inicio: martes 26 de octubre 2021
Modalidad: ONLINE
INSCRIPCIÓN CERRADA
Arancel residentes argentinos: $9600
Arancel extranjeros: USD 126
Los CLIENTES SANTANDER podrán obtener un 20% de descuento, completando sus datos en el link en bio y enviando luego un mail a posgradosditella@utdt.edu indicando su nombre y DNI para acceder al descuento. @fundacion_santander_ar
Taller teórico – práctico que aborda necesidades puntuales relacionadas con la proyección y la materialización de una exposición. ¿Cómo podemos organizar el espacio en función de la obra?, ¿Cuáles son las limitaciones y ventajas del espacio de la exposición? Nos proponemos repensar la forma en que vemos y trabajamos el espacio de exhibición, a partir de dos abordajes: Por un lado ejercitar la mirada reflexiva en torno a las situaciones y variables que rodean a la exposición. Por el otro, explorar técnicas prácticas concretas en relación al montaje y la iluminación de las obras y el espacio.
La modalidad de las clases será virtual, y su objetivo será aprovechar el trabajo grupal para generar e incorporar herramientas que nos ayuden a diseñar nuestra propia metodología de trabajo.
Clase 1_ El espacio
Clase 2_ Montaje. Invitado especial: Leo Ocello.
Clase 3 - Luz. Invitada especial: Soledad Manrique Goldsack.
Clase 4 - Diseñar la muestra.
Ivan Rosler es Diseñador Industrial desde 2007, recibido en U.B.A. Docente en la carrera Diseño Industrial de la F.A.D.U. desde 2008 hasta 2018, formó parte del equipo docente de la cátedra Rondina, donde fue Jefe de Trabajos Prácticos de las materias Diseño Industrial 2 y Diseño Industrial 3. A cargo de la generación de contenidos y la coordinación del taller y del equipo docente. Desde 2013 y hasta la actualidad, es Director de Producción en el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de Buenos Aires, a cargo de la coordinación de los equipos de producción, técnica y montaje, del diseño espacial de las muestras, y responsable de la producción integral de todas las exposiciones que se exhiben en el museo. Exposiciones que pueden involucrar arquitecturas complejas, desafíos tecnológicos, producción de obras de arte, reconstrucciones históricas, intervenciones performáticas o trabajo con insectos. En estos 7 años ininterrumpidos, trabajó junto a artistas locales e internacionales como Marta Minujín, Tomas Saraceno, Diego Bianchi, Marina De Caro, Sergio DeLoof, Elba Bairon, Luis Teran, Jorge Macchi, Luciana Lamothe, Karina Peisajovich, Max Gomez Canle y Flavia DaRin, entre muchos otros. También produjo muestras internacionales como Pablo Picasso. Más allá de la semejanza. Dibujos de la Colección del Musée National Picasso-Paris seleccionados con el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, En 2016. Trabajó como diseñador y realizador freelance y como parte del grupo Sodapasta, diseñando y desarrollando instalaciones, animatronics, mockups y escenografías extravagantes para cine y publicidad. Se desempeñó como Diseñador industrial full time Para DAS Branding desde 2006 hasta 2010 donde trabajó para clientes como Schäffer y SONY.
Imagen: Guido Limardo. Museo de Arte Moderno de Buenos Aires.
SEMINARIO DE ISABELLE GRAW
Prácticas artísticas que reflejan el valor y la propiedad: Duchamp, Manzoni, Fraser, Whitten, Gates y otras
Cursada: martes 21 y miércoles 22 de septiembre, 10.30 a 13h
Modalidad: ONLINE
Idioma: Inglés con opción de traducción simultánea al castellano.
INSCRIPCIÓN CERRADA
Arancel residentes argentinos: $7830
Arancel extranjeros: USD140
Invitada por el Departamento de Arte de la UTDT, Isabelle Graw dictará un seminario de dos clases, sobre cuestiones relacionadas con el valor y la propiedad en las prácticas artísticas. Especialmente para este seminario se han traducido artículos inéditos de la autora al castellano.
Prácticas artísticas que reflejan el valor y la propiedad: Duchamp, Manzoni, Fraser, Whitten, Gates y otras.
Profesora: Isabelle Graw
Este seminario considera que las obras de arte plantean un desafío a las leyes de la propiedad. Al tratar de soslayar esas leyes, permiten su expansión y reformulación. Graw analizará algunas de las prácticas artísticas que implican la propiedad en la historia del arte, comenzando por Obligations pour la Roulette de Monte-Carlo (1924) de Duchamp hasta Sin título (2003) de Andrea Fraser. La profesora mostrará cómo tales intentos de desafiar o incluso abolir la propiedad se suelen atribuir a sus autores. Aunque los artistas ciertamente han conseguido cambiar a nivel simbólico las relaciones de propiedad con sus obras, sus productos continúan asociados al ámbito de la propiedad intelectual. Se sostendrá por tanto que, si bien los artistas pueden cambiar la forma de valor de sus productos, no pueden eludirla por completo.
Este seminario cuenta con vacantes limitadas, por lo que lxs interesadxs deben completar una pre inscripción incluyendo un breve texto donde conste su práctica actual y los motivos por los que desea participar del seminario. El 16 de septiembre se comunicarán lxs seleccionadxs.
¿Por qué Klee?
Un seminario de dibujo a partir de su obra.
Profesor: Eduardo Stupía
Asistente: Cotelito
8 clases por Zoom en octubre y noviembre 2021
Cursada: jueves 17 a 20h
Inicio: jueves 7 de octubre 2021
Modalidad: ONLINE
INSCRIPCIÓN CERRADA
Arancel residentes argentinos: 2 cuotas de $7800
Arancel extranjeros: USD200
Este taller cuenta con vacantes limitadas, por lo que lxs interesadxs deben completar una pre-inscripción online incluyendo un porfolio en PDF donde puedan verse obras realizadas. El 16 de septiembre se comunicarán lxs seleccionadxs.
Paul Klee es uno de los pocos grandes artistas de la historia cuyo legado excede todos los cánones, incluso aquellos de la mera excelencia estética y formal. Su vigencia extraordinariamente abarcativa lo es porque atraviesa y disuelve fronteras y definiciones, como un inagotable huracán de signos, sistemas, invenciones, hallazgos y métodos de revolucionaria pedagogía, desde cuyo centro irradia en todas direcciones la luz transformadora de una prodigiosa poesía pictórica, gráfica, visual.
Poniendo el acento en este verdadero reservorio de recursos y saberes que encarna el artista y maestro de la Bauhaus para nuestra experiencia contemporánea, se propone un seminario de práctica, entrenamiento y conceptualización del dibujo a partir de ejemplos modélicos extraídos de su obra y su enseñanza.
Eduardo Stupía nació en 1951. Estudió en la Escuela Nacional de Bellas Artes Manuel Belgrano, de Buenos Aires. Es artista visual y expone local e internacionalmente en muestras grupales e individuales desde 1973. Desde 1992 hasta 2011 ejerció la dirección de arte del periódico trimestral Diario de Poesía, y actualmente integra el Consejo de Dirección de la revista cultural Las Ranas. Ejerce la docencia en Artes Visuales desde 1986, y ha actuado como jurado en premios municipales y nacionales, y en festivales cinematográficos. Es autor de numerosas reseñas sobre artistas y exposiciones, así como de notas sobre estética y políticas del arte publicadas en medios locales e internacionales.
TALLER INTENSIVO DE PINTURA
Profesor: Fabián Marcaccio (Arg-USA)
3 clases intensivas por Zoom - AGOSTO
Invitado por el Departamento de Arte el artista argentino radicado en Nueva York Fabián Marcaccio dictará un taller intensivo de pintura de 3 clases a través de la plataforma Zoom.
En las clases se investigarán las nuevas tecnologías aplicadas al arte, y la idea de una "comunidad de hacedores". También se trabajará sobre las obras trans-media o medios híbridos. La última clase se dedicará a un espacio de consulta y conversación sobre los trabajos de lxs participantes.
Cursada: martes 17, miércoles 18 y jueves 19 de agosto
Horario: 10am - 1pm (hora de Argentina)
Modalidad: ONLINE - 3 clases por Zoom
INSCRIPCIÓN CERRADA
El taller tiene vacantes limitadas, por lo que se solicitará incluir un porfolio de obras dentro de la pre-inscripción online. Más cerca de la fecha del taller comunicaremos lxs seleccionadxs.
Fabián Marcaccio nació en Rosario, Argentina en 1963. Vive y trabaja en la ciudad de Nueva York. Ha expuesto ampliamente en Estados Unidos, Europa y Sudamérica. Sus principales exposiciones individuales incluyen "Paintant Stories" Casa Daros, Río de Janeiro (2014), "Some USA Stories" Krefeld Kunstmuseen, Krefeld Alemania (2012), "The Structural Canvas Paintants", Lehmbruk Museum, Duisburg Germany (2012) y "From Pinturas alteradas para los pintores ”, Kunstmuseum Liechtenstein, Vaduz, Liechtenstein (2004). Las exposiciones colectivas más importantes incluyen “Summer Projects”, PS1 Contemporary Art Center, Nueva York (2002) y Documenta 11, Kassel, Alemania (2002). Las obras se encuentran en las colecciones del Whitney Museum of Art, MOMA, Blanton Museum of Art, Miami Museum of Art (MAM) y el Museum für Moderne Kunst (MMK), entre otras.
Su trabajo investiga si la pintura como medio tradicional puede sobrevivir en la era digital. En su obra ha utilizado técnicas de grabado y transferencia y durante la década de 1990 realizó manipulaciones escultóricas de la superficie bidimensional del lienzo. Más recientemente, ha combinado su proceso de pintura con técnicas digitales e industriales. Los resultados son obras ambientales, animaciones y "Paintants" que combinan imágenes manipuladas digitalmente, formas escultóricas y superficies pintadas en tres dimensiones.
LA PALABRA JUSTA
El escritor como crítico de arte.
Profesora: Graciela Speranza
8 clases - Septiembre y octubre 2021
Cursada: miércoles 17 a 19.30h
Inicio: miércoles 8 de septiembre
Modalidad: ONLINE
INSCRIPCIÓN CERRADA
¿Cómo “leer” una obra? ¿Cómo traducir con palabras la experiencia multisensorial que ofrece el arte contemporáneo? La precisión, la claridad y la gracia con que grandes escritores recrean sus encuentros con el arte nos recuerdan que la crítica es también una forma artística y que el estilo no es ornamento del pensar sino su misma sustancia. No sólo porque el escritor como crítico puede conversar con las obras, con ecos de otras lecturas y experiencias personales que las facetan o las ahondan, sino también porque puede desplegar afinados recursos retóricos para caracterizar peculiaridades formales y poéticas del artista o la obra.
El curso propone un breve recorrido desde Duchamp y Warhol hasta el arte de hoy a través de ensayos críticos de escritores –de John Berger y Lydia Davis a Chris Kraus, Karl Ove Knausgård o César Aira- e incluso de lecturas críticas amalgamadas en sus ficciones, con foco triple en las obras, los hallazgos de las lecturas y las herramientas retóricas con que los escritores “reescriben” la obra, la conceptualizan o la “interpretan”, como los músicos interpretan una partitura. El escritor como crítico de arte nos recuerda también que las grandes piezas del género no solo iluminan la forma artística y las relaciones del arte con el mundo, sino que regalan un placer estético comparable al que ofrece la propia obra.
Este seminario cuenta con vacantes limitadas, por lo que lxs interesadxs deben completar una pre inscripción incluyendo un breve texto donde conste su práctica actual y los motivos por los que desea participar del seminario. El 6 de septiembre se comunicarán lxs seleccionadxs.
Graciela Speranza es ensayista, narradora y guionista de cine. Se doctoró en letras en la Universidad de Buenos Aires donde enseñó literatura argentina. Desde 2009 es profesora en el Departamento de Artes de la Universidad Torcuato Di Tella. Entre otros libros ha publicado los ensayos Manuel Puig. Después del fin de la literatura, Fuera de campo. Literatura y arte argentinos después de Duchamp, Atlas portátil de América Latina (finalista del Premio Anagrama de Ensayo), Cronografías. Arte y ficciones de un tiempo sin tiempo, y dos novelas, Oficios ingleses y En el aire. En 2002 recibió la beca Guggenheim y en 2012 editó junto con Rita Eder y Dawn Ades el volumen antológico del Instituto de Investigación Getty, Surrealism in Latin America. Vivísimo muerto. En 2014 fue Tinker Visiting Professor en la Universidad de Columbia y en 2019 profesora visitante en la Universidad de Cornell. Como crítica cultural colaboró en Crisis, Babel, Página 12, Clarín y La Nación. Desde 2003 dirige con Marcelo Cohen la revista de letras y artes Otra parte.
OBJETOS DEL PENSAMIENTO CONTEMPORÁNEO.
Introducción a la nueva normalidad.
Profesor: Tomás Borovinsky
Más información
Cursada: miércoles de 17 a 19h
MAYO Y JUNIO 2021
Ya pasó más de un año del inicio de la pandemia que puso en crisis la vieja normalidad. Un año que ofició de acelerador de tendencias previas en camino a un horizonte inquietante. En este sentido el seminario busca cartografiar el estado de la mente colectiva contemporánea, y para esto vamos a tomar un tema-concepto por clase para abordar la época que nos toca a partir de diálogos entre diferentes pensadores y pensadoras actuales. El problema del control social. Arqueología, presente y futuro del trabajo. El fenómeno del cansancio generalizado. La precariedad expandida. La velocidad de la vida contemporánea. El estado de la Tierra. Seis clases. Seis Objetos de Pensamiento Contemporáneo para pensar el presente en tiempos de pandemia.
Tomás Borovinsky es Doctor en Ciencias Sociales (UBA) e investigador del CONICET. Dicta clases de pensamiento contemporáneo en grado y posgrado en el IDAES-UNSAM y en la UB. Dio clases de filosofía en la UBA durante diez años y fue profesor invitado en UCA, UNTREF y UdeSA. Publicó los libros colectivos Posteridades del hegelianismo (Teseo), Estética, política, dialéctica (Prometeo) y Distancias políticas. Soberanía, Estado, gobierno (Miño Dávila) y en 2020 participó del libro Porvenir. La cultura en la post pandemia (Medifé). Tiene en preparación un libro sobre la nueva normalidad después del coronavirus y tiene en prensa un libro colectivo sobre la obra del filósofo norteamericano Richard Rorty (Katz). Sus trabajos más recientes giran además en torno a William James y John Dewey, Michel Foucault y Hannah Arendt, Carl Schmitt y William E. Connolly, Peter Sloterdijk y Benjamin H. Bratton, entre otros. Fue co-fundador y editor de Panamá Revista y además ha colaborado en Le Monde diplomatique, Playboy, Crisis, Los Inrockuptibles, Nueva Sociedad y La Nación.
DIBUJO: UN VOCABULARIO DE DIEZ TÉRMINOS EN LA PRÁCTICA
(motivo - gesto - lenguaje - equilibrio - tensión - contrapunto - plano - composición - orden - improvisación)
Profesor: Eduardo Stupía
Más información
Modalidad: online - 8 clases por Zoom.
Cursada: lunes 17 a 20h
MAYO, JUNIO Y JULIO 2021
Arancel residentes argentinos: 2 cuotas de $7800
Arancel extranjeros: USD200
A través de consignas, ejercicios y reflexiones, se examinarán los alcances y contenidos de ciertos conceptos que reiteradamente cruzan el campo de la disciplina, estableciendo una relación dinámica entre las nociones teóricas, las técnicas y la experiencia de la acción individual.
Eduardo Stupía nació en 1951. Estudió en la Escuela Nacional de Bellas Artes Manuel Belgrano, de Buenos Aires. Es artista visual y expone local e internacionalmente en muestras grupales e individuales desde 1973. Desde 1992 hasta 2011 ejerció la dirección de arte del periódico trimestral Diario de Poesía, y actualmente integra el Consejo de Dirección de la revista cultural Las Ranas. Ejerce la docencia en Artes Visuales desde 1986, y ha actuado como jurado en premios municipales y nacionales, y en festivales cinematográficos. Es autor de numerosas reseñas sobre artistas y exposiciones, asi como de notas sobre estética y políticas del arte publicadas en medios locales e internacionales.
DEL TALLER A LA COLECCIÓN
Introducción a la gestión de colecciones artísticas. Procesos y “buenas prácticas”.
Profesora: Cintia Mezza
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Cursada: lunes 17 a 20h
JUNIO Y JULIO 2021
El taller artístico y la colección institucional -pública o privada-, son dos contextos diversos pero con numerosos puntos de encuentro. Se puede trazar un recorrido entre ellos marcado por los inventarios y registros de movimientos de las obras de arte; las exposiciones, los préstamos y los objetos en comodato o custodia; las adquisiciones, las donaciones o legados, entre otros. En cada caso, la gestión involucra una serie de procesos y prácticas que en este curso, recorreremos especialmente.
El seminario propone una introducción a los procesos legales y técnicos que conllevan el registro, el inventario y la catalogación de las obras de arte, junto a las políticas y planificación de las colecciones, la conservación preventiva y la gestión de los riesgos en sus espacios de exhibición o guarda. En cada clase se presentarán casos, análisis de “buenas prácticas” y un conjunto de herramientas y estrategias ágiles, flexibles, adaptables o sensibles a los diversos contextos, incluyendo el de la actual pandemia.
El seminario está dirigido tanto a artistas como gestores, curadores y galeristas que estén iniciando carrera. La propuesta incluye seis (6) encuentros que contarán además con profesionales invitados, y se propondrá de modo optativo una visita-práctica institucional, en grupos reducidos por aforo, de acuerdo con la normativa vigente.
Cintia Mezza vive y trabaja en Buenos Aires. En 2019 fue becaria Ibermuseos en el área de Colecciones del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid y en archivos de artistas en Berlín. Ha finalizado los Programas en Arts Administration de los Museos Guggenheim y New York University (NYU), en 2017, y Executive Education Program for Museum Leaders, The Getty Museums Leadership Institute, Claremont University, California, en 2015. Es Historiadora del Arte por la Universidad de Buenos Aires (UBA); Profesora de Dibujo por la Escuela Nacional de Bellas Artes “Prilidiano Pueyrredón”, actual Universidad Nacional de las Artes (UNA); y egresada del Posgrado en Gestión de Organizaciones sin Fines de Lucro por la Universidad de San Andrés (UdeSA). Paralelamente, se formó en Fotografía en la Asociación de Fotógrafos Profesionales (A.F.P.R.A.), y en Conservación preventiva de Bienes Culturales y Gestión de Archivos Documentales en la Federación Argentina de Museos (FADAM).
En 2012 comenzó la Dirección del Legado/Estate de Mirtha Dermisache, y ha trabajado en los archivos de Víctor Magariños D., Alicia Penalba, entre otros. Entre 2013 y 2019 se desempeñó como Directora del Área de Programación de Fundación Proa a cargo de la Gestión de las Exposiciones y Programas Públicos; y entre 2001 y 2012 trabajó en MALBA como Coordinadora del Área de Registro y Gestión de Colección, a cargo del primer inventario patrimonial; la primera la primera Guía de la Colección, y el lanzamiento de la primera versión de la Colección Online (2011).
Actualmente, es Profesora del Seminario sobre Administración de las Artes Visuales contemporáneas: Gestión de Colecciones y Archivos artísticos en la Carrera de Artes de la UBA; de la Materia Políticas Culturales Comparadas y el Laboratorio de Archivos Artísticos de la Maestría en Gestión de la Cultura de la Universidad de San Andrés; y de la materia Accesibilidad y difusión en bibliotecas y archivos de la Diplomatura en Gestión y Conservación de Archivos de Arte del Centro de Estudios Espigas, IIPC-Tarea-UNSAM.
A partir del proyecto de Puesta en valor, Catalogación y Conservación de la Colección Federico Jorge Klemm, en alianza con el Departamento de Artes de la UBA y el Instituto TAREA-UNSAM, se integró al equipo de trabajo de la Fundación en la Coordinación de la Gestión de sus Colecciones y un nuevo espacio de Aprendizaje.
