• MIGUEL A. LÓPEZ / El Museo Travesti de Giuseppe Campuzano y las historias que merecemos

    Invitado por el Departamento de Arte de la UTDT, el curador peruano radicado en Costa Rica Miguel A. López dictó una conferencia sobre el Museo Travesti, proyecto del filósofo, investigador, artista multidisciplinar y activista travesti peruano Giuseppe Campuzano. La conferencia se realizó el día lunes 9 de septiembre a las 19h, en el Aula Magna del Campus Alcorta. 

    El Museo Travesti de Giuseppe Campuzano y las historias que merecemos

    Mi encuentro con Giuseppe Campuzano y el Museo Travesti en 2004 fue un momento decisivo que me obligó a reconsiderar la práctica curatorial y la posibilidad de resignificar políticamente la idea de museo. El Museo Travesti del Perú fue fundado en 2003 por el filósofo, drag queen y activista marica Giuseppe Campuzano (Lima, 1969-2013), también conocido como Giucamp. A medio camino entre la performance y la investigación histórica, este museo portátil impulsó una relectura interseccional del pasado desde una perspectiva estratégica que Giucamp llamó la mirada del “andrógino indígena / travesti mestizo”. Su deseo fue colocar los cuerpos transgéneros y andróginos como actores y sujetos políticos centrales para la construcción de la historia. A través de la recolección y apropiación de documentos, imágenes y objetos, así como de la organización de eventos, publicaciones y acciones callejeras, el Museo Travesti perforó los mitos de los discursos del Estado-Nación y sus estructuras normalizadas de violencia. Esta presentación relata aspectos del trabajo de Giucamp y su deseo de construir diálogos creativos entre la reinvención del museo y las luchas cotidianas de la familia y comunidad transgénero a la cual pertenecía.



    Miguel A. López (Lima, 1983) es escritor, investigador, y codirector y curador en jefe de TEOR/éTica en San José, Costa Rica. Su trabajo se enfoca en dinámicas colaborativas, aproximaciones estéticas a la memoria política, y rearticulaciones feministas del arte y la cultura visual desde una perspectiva del sur. Sus textos han sido publicados en revistas como Afterall, Artforum, ramona, E-flux Journal,ArtNexus, Art in America, Manifesta Journal, Art Journal, y The Exhibitionist, así como en la serie de libros Documents for Contemporary Art editado por Whitechappel Gallery y MIT Press. Es co-curador de la 21 Bienal de arte contemporáneo Sesc_Videobrasil “Comunidades imaginadas” (2019), y contribuyó con la sección curatorial “Deus é bicha / Dios es marica” para la 31 Bienal de Sao Paulo (2014). Ha sido curador de diversas exposiciones históricas que exploran intersecciones entre arte y feminismo en las Américas, entre las cuales destacan “Cecilia Vicuña, una exposición retrospectiva” en el Witte de With, Rotterdam (2019) y MUAC-UNAM, Ciudad de México (2020); “Virginia Pérez-Ratton. Centroamérica: deseo de lugar” en el MUAC-UNAM (2019); “Energías sociales / Fuerzas vitales. Natalia Iguiñiz: arte, activismo, feminismo (1994-2018)” en el ICPNA, Lima (2018); “Frágiles. Patricia Belli. Obras 1986-2016” en TEOR/éTica, San José (2016) y Fundación Ortiz Gurdian, Managua (2017); “Teresa Burga. Estructuras de aire” (con Agustín Pérez Rubio) en el MALBA (2015). Ha publicado recientemente Ficciones disidentes en la tierra de la misoginia (Pesopluma, 2019); Robar la historia. Contrarrelatos y prácticas artísticas de oposición (Metales Pesados, 2017); The Words of Others: León Ferrari and Rhetoric in Times of War (junto a Ruth Estévez y Agustín Diez Fischer, REDCAT y JRP-Ringier, 2017); y Agítese antes de usar. Desplazamientos educativos, sociales y artísticos en América Latina (junto a Renata Cervetto, TEOR/éTica y MALBA, 2016; edición en portugués por SESC, 2018). Es cofundador de Bisagra, un espacio independiente activo en Lima desde 2014. En 2016 le fue otorgado el Independent Vision Curatorial Award del Independent Curators International (ICI), Nueva York.

    Miguel A. López también dictó un seminario intensivo en su paso por Buenos Aires: "PARIENTES EXTRAVIADOS: CURADURÍA Y CRITERIOS DE VALORACIÓN".

    Imagen: Giuseppe Campuzano, Letanía, 2012. Collage digital y serigrafía sobre papel, 50 x 30 cm. Impresión: Taller ÁÁ. Archivo Giuseppe Campuzano


  • CONVERSACIONES ERRANTES ENTRE EL CUERPO Y SUS ALREDEDORES. Edición 1

    Concepto y dirección: Vanina Scolavino y Florencia Qualina

     Viernes 20 y Sábado 21 de septiembre

    Conversaciones errantes entre el cuerpo y sus alrededores es un ejercicio colectivo centrado en abordar la corporalidad en el tiempo presente, a través de perspectivas múltiples y no conclusivas que abrirán artistas, filósofxs, sociólogxs, arquitectxs. escritorxs, críticxs e historadorxs de arte.

    El cuerpo será pensado en el arte de acción; interpretado como movimiento a través de tejidos urbanos, políticos, temporales; leído en identidades inventadas, transitivas; originando revueltas; aprehendido en oscilaciones: entidad abstracta procesada en datos y estadística, a la vez pura materia sensorial.

    Conversaciones errantes entre el cuerpo y sus alrededores es una vista de conjunto generada por la convivencia entre las charlas brindadas por Julieta Massacese, Hernán Borisonik, Pablo Sztulwark, Graciela Carnevale, Horacio Zabala, Alejo Ponce de León, Pablo Schanton, Fernanda Pinta, Pablo Farneda y Cecilia Palmeiro; los videos de Carolina Fusilier, Nicanor Aráoz, Grupo Mexa y Eduardo Teddy Williams – Mariano Blatt y la performance de Luis Garay. 

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    Imagen: Eduardo Navarro

    Viernes 20 de septiembre / VENAS, ESTEROIDES Y AUTOPISTAS

    Auditorio 

    Tenemos conversaciones errantes que se abren como pestañas en una pantalla, las ideas que surgen van tomando formas diferentes, entonces ahora invitamos a otrs a compartir sus pensamientos para entrar en ˗̶  esperamos˗̶   nuevas relaciones.

    Julieta Massacese (Profesora de Filosofía, becaria doctoral en CONICET) / “Trascender la piel: un ojo caníbal”

    En una época saturada de imágenes, las culturas digitales prometen ubicuidad e inmediatez. Las oposiciones tradicionales entre lo físico y lo no físico no solo han entrado en crisis, sino que han puesto en entredicho los conceptos de trabajo, acción, humanidad. ¿Tiene el cuerpo aún una potencia rupturista? Exploraremos esta pregunta través experiencias de acción de artistas argentinos contemporáneos.

    Hernán Borisonik (Doctor en ciencias sociales UBA) / “Digitalización, desublimación y literalidad”.

    Las últimas décadas han marcado una creciente y acelerada digitalización de la experiencia vital en conjunto con una fuerte tendencia hacia una supuesta “desmaterialización” de los medios más clásicos de interacción humana (el dinero, las comunicaciones, las artes). De cara a eso, en esta disertación se trabajarán (a partir de textos e imágenes) algunos aspectos relevantes de la historia de la digitalización del mundo como puntapié inicial para reflexionar sobre el lugar del cuerpo y el deseo en la contemporaneidad.
    • 18:30h - Proyección de “Cocina con una vista” de Carolina Fusilier / Video HD con sonido estéreo, duración 12:26 min, 2019. 
    •  Sala de exposiciones 
    • INSCRIPCIÓN PREVIA

    “Cocina con una vista” es un video sobre un Miami distópico en donde la presencia humana es desplazada por la proliferación del negocio inmobiliario. Una cámara autómata recorre salas intactas perfectamente diseñadas con muebles y objetos que brillan en la ausencia de cualquier rastro de uso. La alienación hiperreal de estos interiores construyen una temporalidad que no corresponde ni al pasado ni al futuro: el paisaje desolador de la ciudad fantasmagórica es un retrato actual.

    El video fue producido en el contexto de una residencia comisionada por Locust Projects (Miami, USA) y Fundación Jumex (México). La instalación final incluía el esqueleto de un automóvil en ruinas que servía de butacas para mirar y escuchar la proyección del video.

    Pablo Sztulwark (Arquitecto UBA) / “Componerse con el mundo”.

    Lejos de ser un escenario dado, la ciudad se hace de capas de movimiento, y esas capas en movimiento constituyen una dinámica. Es condición de lo humano ser actor y a la vez hacedor de la ciudad en sus múltiples dimensiones. La ciudad como naturaleza, materialidad y sentido. Usuario, ocupante, habitante. Formas de la mirada. La mirada prefigurada y la disolución del estereotipo. La ciudad como experiencia espacio temporal. Devenir ciudad. Tiempo ciudad y memoria. La ciudad como “continuo”, componerse con la ciudad, ser una fuerza entre las fuerzas.

    •  20.15h Proyección de PUTZ BAHIA  del Grupo Mexa / Video 16:9, sonido estéreo, duración 35:22 minutos, 2019 
    • Sala de exposiciones
    • INSCRIPCIÓN PREVIA

    El proyecto Putz Bahía consistió en encuentros de Mexa en derivas urbanas, para escribir letras de canciones que fueron grabadas con el productor musical Zé Nigro. Putz Bahia es este video, que vemos como una gira o un concierto de ficción real; también es una investigación y ejercicio para crear posibilidades de refugio como una cartografía de afectos, detrás de elementos, espacios y subjetividades de la comunidad que componen el colectivo. ¿Cómo se puede llegar al mar en São Paulo? ¿Cómo podemos acceder a un bahía común?".

    El grupo Mexa se formó en 2015 en albergues para personas en situación de calle en São Paulo y actúa por medio de proyectos en la ciudad. Mexa no se define como un colectivo artístico, sino como un grupo que utiliza tácticas artísticas, principalmente escritura y performance, para defender y promover el encuentro de la población en situación de vulnerabilidad social.  Participan del video: Alessandro Lins dos Anjos, Anita Silvia Vieira Lima Miranda, Anne Dourado e Júlia Dourado, Bárbara Britto, Daniela Pinheiro, Dudu Quintanilha, Fabiola Dumond, Giulianna Nonato, João Turchi, Kristen Oliveira, Lu Mugayar, Roberto Lima Miranda, Suzy Muniz, Tatiane del Campobello y Yasmin Bispo. Las músicas originales del album Putz Bahia del Mexa fueron grabadas, masterizadas y creadas con Zé Nigro.

    BRINDIS 

    • 21 a 23h Performance Luis Garay / Mente desnuda en actualizaciones múltiples.
    • INSCRIPCIÓN PREVIA

    Una practica donde ensayar lo naturalmente anti natural. Donde enfrentar la imposibilidad del conocimiento y resistir la idea unidad.

     

    Sábado 21 de septiembre / UN ENSAYO SOBRE LA LIBERACIÓN

    Auditorio 

     

    Graciela Carnevale (Artista) / “Para nosotros la libertad”. Itinerarios del 68.

    Desde la destrucción de la imagen de Kennedy en el Premio Ver y Estimar por Eduardo Ruano, hasta Tucumán Arde. Cartografías vulnerables. Performatividad de los cuerpos. Procesos de subjetivación y de radicalización políticas. Exploración de otros lenguajes, otros materiales, otras formas y modos de hacer arte. Entre la institución y la calle, la revolución agazapada en una esquina.

    Horacio Zabala (Artista) / “Tres versiones en el tiempo” 

    El eje central de esta charla es la instalación “300 metros de cinta negra para enlutar una plaza pública” que el artista presentó en 1972, como parte de la exposición colectiva Arte e ideología – CAYC al aire libre en la Plaza Roberto Arlt, curada por Jorge Glusberg y su segunda versión, realizada en 2012, en el mismo lugar.

    • 15h Proyección de ¡Dios mío, qué solos se quedan los muertos!, de Nicanor Aráoz / Video digital, duración 15 minutos, 2019 
    • Sala de exposiciones
    •  INSCRIPCIÓN PREVIA

    Este registro en video digital da cuenta del momento en el que un nuevo orden ritual pasa a existir. Una semiótica improvisada con el cuerpo para cuando no alcanzan ni la forma, ni las palabras, ni el arte.

    Alejo Ponce de León (Crítico de arte y curador.) / “Conferencia pública #52”

    El crítico de arte expondrá algunas ideas en torno a la soledad, las drogas disociativas y la vida social de los espíritus. 

    Pablo Schanton (Periodista, crítico e investigador, letrista, compositor y artista sonoro) / “La alegria del caos

    La sublimación de cuchuflito y pindonga

    El régimen se acabó

    Fui feliz 😊

    (Posteo 1/8/19 de @pabloschantonoficial)”

    Un ensayo de Instagram expandido. El evento estético adentro y afuera de las redes, adentro y afuera de las galerías.

    • 17h Receso

    Fernanda Pinta (Doctora en Historia y Teoría de las Artes UBA) /  “Demonios y diamantes. Notas sobre teatro, performance y psicodelia”.

    “En un mundo complejísimo en trance de cambio total, en un mundo de acontecimientos paralelos y relativos, en un mundo no-euclidiano y no-cartesiano, son necesarias nuevas herramientas de representación. Simplemente porque hay nuevas realidades y nuevas relaciones entre cosas que representar. Y nuevas posibilidades de hacerlo.” (Roberto Villanueva, en Memorias CEA – ITDT, 1965-1966).

    Villanueva, director del Centro de Experimentación Audiovisual del Di Tella, hacía un diagnóstico de su tiempo a la vez que ensayaba un programa artístico para uno de los espacios de arte más emblemáticos de los años `60. La psicodelia ocupa un lugar igualmente representativo de aquel escenario y aquella década. Experiencias en clave terapéuticas, experimentales y recreativas se vinculan con su imaginario, como así también el arte contemporáneo, la publicidad y las contraculturas juveniles. En estas notas se explorarán el territorio del teatro y la performance. Pensar, hoy, las resonancias de aquel diagnóstico y aquel imaginario lisérgico para asomar, finalmente, a sus representaciones, sus demonios y diamantes.

    • 18.30h Café 

    Pablo Farneda (Doctor en Teoría e Historia de las Artes UBA, Lic. en Comunicación Social, UNER) / “Effy Beth: conversaciones con la sirena y otrxs monstuxs inapropiables”. 

    La obra de la performer y artista conceptual Effy Beth (1989 – 2014) se encuentra poblada de figuras sirenaicas, las encuentra en la cultura de masas y le sirven para  negociar sentidos, abordar experiencias, nombrar y pensar la posibilidad de un cuerpo deseable. A través de ellas podemos aprender que significa traducir y traficar entre mundos heterogéneos, que implica desandar las categorías y cómo se inventa un territorio en el medio de esas dislocaciones. 

    Cecilia Palmeiro (Doctora en literatura latinoamericana, Universidad de Princeton) / “Mariposas y purpurinas: montajes y cuerpos-territorios en la marea feminista” 

    ¿Qué decimos cuando hablamos de poner el cuerpo para la revolución? ¿Cómo se activa una micropolítica que nos permita reapropiarnos de nuestro deseo y liberar potencias a la vez que defender/demarcar/ocupar territorios? Esta presentación abordará la relación entre arte, cuerpo y deseo a partir del análisis de montajes en algunas acciones de la marea global feminista. 

    • 21h Proyección del último trabajo en colaboración de Eduardo Williams y Mariano Blatt / Video digital, duración 20 minutos , año 2018 
    • Sala de exposiciones. 
    • INSCRIPCIÓN PREVIA

    Dos poesías al mismo tiempo. “No es” es un poema acumulativo, siempre en proceso de escritura,  tiene la extensión de una vida. El texto con versos que se van sumando a lo largo de los días, meses, años, puede abarcarlo todo: imágenes, personas, recuerdos, paisajes, frases, ideas. Mientras suena ese listado de lo que parece pero no es, también está “Parsi”, un movimiento perpetuo en el que las personas y los espacios crean otro poema que se acaricia, choca y gira junto a “No es”.

     BRINDIS DE CIERRE

     

    Organiza: Departamento de Arte, Universidad Torcuato Di Tella. 

    Coordinación general: Daniela Varone y Carolina Repetto. 

    Este proyecto fue posible gracias a: Mecenazgo Cultural y Circulo de Amigos del Departamento de Arte.

    Agradecemos a: Mariana Cerviño, Graciela Carnevale, Horacio Zabala, Julieta Massacese, Hernán Borisonik, Pablo Sztulwark, Alejo Ponce de León, Pablo Schanton, Fernanda Pinta, Pablo Farneda, Cecilia Palmeiro, Luis Garay, Carolina Fusilier, Dudu Quintanilha, Eduardo Teddy Williams, Nicanor Araoz, Eduardo Navarro, Diego Bianchi, Nancy Rojas, Eugenia Calvo, Ana Amorosino, Victoria Sacco y a Ernesto Catena Vineyards. 



  • MARTA ANDREU: SEMINARIO, PROYECCIÓN Y CONFERENCIA

    Marta Andreu, docente, productora e investigadora catalana, referente mundial del cine documental, brindó un seminario para los participantes del Programa de Cine de la Universidad Di Tella. También ofreció una conferencia pública en la Universidad y presentó Diario de septiembre (Eric Pauwels, 2019), film inédito en Argentina, que fue proyectado en el cine Arte Multiplex Belgrano. Las actividades fueron desarrolladas durante agosto del 2019. 

    Marta Andreu es una invitada del Programa de Cine del Departamento de Arte de la Universidad Torcuato Di Tella. La proyección de Diario de septiembre inauguró el ciclo Puentes de Cine y contó con el apoyo de la Asociación de Directores de Cine PCI (Proyecto Cine Independiente).

    Martes 13/8 y Jueves 15/8: Seminario de Marta Andreu exclusivo para los participantes del Programa de Cine UTDT 2019.

    Miércoles 14/8 - 21h: Diario de septiembre (2019) - Proyección del film de Eric Pauwels en Arte Multiplex Belgrano (Av. Cabildo 2829). Presentado en conjunto con el ciclo Puentes de Cine. Previamente se proyectó el cortometraje Aeropuertos, dirigido por Maia Tarcic (participante Programa de Cine UTDT 2019).

    Viernes 16/8 - 18h: La búsqueda del paseante - Conferencia abierta de Marta Andreu en la Universidad Torcuato Di Tella (Av. Figueroa Alcorta 7350).




    La búsqueda del paseante - Conferencia de Marta Andreu

    El diario filmado ha pasado ya por formas diversas, donde el "yo" ha dado con distintas intensidades. Fue una forma marginal y ha tenido momentos de auge. Hoy parece estar entrando en un espacio crítico. Pero el problema no está sin duda en el "yo", porque, de hecho, ¿no sería el mirar hacia afuera para ver y transmitir algo del adentro un gesto esencial de todo creador, casi responsabilidad obligada? El problema podría estar, más bien, en la manera en que se puede llegar a conjugar este “yo”. Las preguntas para hoy serían, quizás: ¿cuál puede ser el lugar de ese "yo"? ; o ¿qué tanto de ese "adentro" cabe en la creación contemporánea? Partiendo de la película de Éric Pauwels, Diario de septiembre, se exploró y repensó la presencia del diario en lo que podrían ser las nuevas dramaturgias documentales. Se propuso lo que podría empezar a definir un "nuevo diario filmado".  


    Diario de septiembre (Journal de Septembre, 2019) - Proyección del film inédito de Eric Pauwels

    Una película hecha de objetos, rostros y textos; de gatos perdidos, de cuadros encontrados, recortados, recreados; una subversión poética de la forma diario que rompe el calendario hacia la novela, con la permanente pulsión del viaje al fin del mundo. Una gozosa celebración de la vida y del deseo inagotable de hacer cine, por uno de los autores de referencia del cine-ensayo europeo. 


    Marta Andreu (Barcelona, 1975)  es uno de los máximos referentes mundiales del cine documental. Productora, investigadora y “maestra-gurú” del documental de creación, dicta talleres y seminarios en España y América Latina. Fue coordinadora de 2001 a 2016 del legendario Master en Documental de Creación en la Universitat Pompeu Fabra de Barcelona, donde se formaron reconocidos cineastas españoles y latinoamericanos, y donde también se desarrollaron proyectos como En construcción de José Luis Guerin y El cielo gira de Mercedes Alvarez. En la actualidad, es directora académica de DocMontevideo y DocSao Paulo, dos de los principales foros documentales de la región, y dirige el proyecto Residencias Walden. Desde 2010, integra el comité permanente del World Cinema Fund de la Berlinale y es consultora de programación de Visions du Réel. En 2004 creó Estudi Playtime para producir documentales de creación. Las películas que ha producido han participado en festivales como Berlinale, Rotterdam, Cannes, San Sebastián, Cinéma du Réel, Visions du réel, Festival dei Popoli, DocLisboa, Punto de Vista, Viennale y Lincoln Center. 

    Eric Pauwels (Amberes, 1953) es cineasta, escritor y profesor. Se formó cinematográficamente en París con Jean Rouch. Durante años compaginó la docencia en el Institut National Supérieur des Arts du Spectacle (INSAS) de Bruselas con la escritura y la dirección cinematográfica, elaborando obras de temática etnográfica y, posteriormente, en relación con el mundo de la danza. En 2002 inicia una línea de trabajo que ha mantenido hasta el momento, caracterizada por un registro narrativo en primera persona a modo de diario. En esta línea se inscriben, entre otros, Carta de un cineasta a su hija (Lettre d'un cinéaste à sa fille2002), Las películas soñadas (Les films rêvés2009), La segunda noche (La deuxième nuit2016) y su film más reciente, Diario de septiembre (Journal de Septembre, 2019), estrenado en Documenta Madrid.


     


  • CINE-ENSAYO: JORNADAS

    Jornadas presentadas por el Programa de Cine del Departamento de Arte de la Universidad Torcuato Di Tella, el British Council en Argentina y Birkbeck Institute for the Moving Image de la Universidad de Londres, con la presencia de los profesores británicos Catherine Grant y Michael Temple y la presentación del film The Image You Missed, de Donal Foreman.

    La actividad se llevó a cabo con entrada libre y gratuita en el Departamento de Arte - Universidad Torcuato Di Tella (Av. Figueroa Alcorta 7350) los días 14, 15 y 16 de marzo de 2019.


    Still de The Haunting of The Headless Woman - video-ensayo de Catherine Grant (2019)

    El cine-ensayo es un ente híbrido, que se nutre de las tradiciones del documental, del cine experimental y del ensayo literario, para dar lugar a un género que no es un género sino, quizás, la forma más libre del cinematógrafo. Un cine que hace honor al sueño visionario de Alexander Astruc, que en un ensayo de 1948 vislumbró el futuro del cine en la “cámara-lapicera”, una forma semejante a la del cuaderno de apuntes del escritor, donde se refleja el pensamiento inmediato del artista a vuelo de pluma, pero con imágenes y sonidos. La analogía con el ensayo literario, cuya matriz original serían los “Ensayos” de Montaigne publicados en 1580, puede llevar a la confusión, ya que el cine-ensayo no tiene como único recurso la voz en off del cineasta-ensayista ilustrada por imágenes. El cine ensayo piensa también –o fundamentalmente- a través del diálogo de las imágenes y los sonidos, por medio del montaje, la fotografía, el ritmo, la música, la atmósfera, la emoción, la metáfora visual… y también la palabra. Para retomar una definición de Theodor Adorno, de su célebre ensayo sobre el ensayo: en el cine-ensayo a menudo es la forma la que piensa.

    Referentes clásicos del cine-ensayo son, en ese sentido, Jonas Mekas, Chris Marker, Agnès Varda, Harun Farocki, Jean-Luc Godard. En los últimos años, sin embargo, el género -que, reitero, no es un género- ha estallado en mil pedazos. Las esquirlas se encuentran por doquier: desde las inquisiciones biográficas y políticas de João Moreira Salles en Brasil hasta los reportes desde el frente de batalla de Beirut de Jocelyn Saab; desde los experimentos audiovisuales de Kodwo Eshun y el Otolith Group de Londres, hasta las multifacéticas investigaciones sociales de Mani Kaul en la India. Todos estos ejemplos los tomo de la programación del Essay Film Festival de Londres, dirigido por Michael Temple, que desde su primera edición de 2015 proporciona una plataforma única para la exhibición de los ejemplares más diversos de la explosión global del cine-ensayo.

    Dentro del marco del cine-ensayo, ha crecido un nuevo sub-género, si se puede denominar así, llamado a veces, en inglés, “video essay” (en contraposición al “essay film”). El video-ensayo viene a ser un estudio sobre alguna película o autor, o algún aspecto del cine, realizado a través de una pieza breve, difundida online, que para hablar de cine utiliza el lenguaje propio del cine.  Sería como un “paper”, o monografía, pero hecho video. Se trata de un artefacto generado en el contexto de los estudios académicos sobre cine, con un primer desarrollo extendido en Gran Bretaña y Estados Unidos. Una de las pioneras de esa nueva “forma que piensa” ha sido Catherine Grant. Su trabajo ejemplifica a la vez el estado de transición en que se encuentra el “video-ensayo”: desde un origen más académico ha ido soltando amarras, difuminando sus fronteras con el cine-ensayo e, incluso, con el video-arte.

    El taller práctico que brindará, para los estudiantes del Programa de Cine 2019, en el marco de estas jornadas –primero en nuestro medio- será una nueva instancia para poner a prueba los alcances de la forma, aún virtualmente inexplorada en América del Sur, con enorme potencial en el medio universitario.

    Agrego una nota personal: en marzo de 2017 tuve la suerte de que me invitaran, con mi película 327 cuadernos, al Essay Film Festival. Mis películas anteriores, La televisión y yo (2002) y Fotografías (2007), habían sido editadas en DVD bajo la rúbrica “ensayo autobiográfico” (y no como “documentales”). Pero el encuentro en Londres con los otros cineastas de todo el mundo convocados por el Essay Film Festival, con un saludable e inusual énfasis en el carácter mundial del cine-ensayo (y no exclusivamente norteamericano o euro-céntrico), me hizo sentir miembro pleno de la multicolor “familia” del cine-ensayo. El hecho de que alguien, en Londres, hubiera creado un lugar de encuentro e intercambio para todos nosotros me dio ganas de tener un gesto de reciprocidad, invitando a sus responsables a Buenos Aires, para abrir un nuevo espacio de encuentro y discusión, concreta y práctica, acerca de las posibilidades infinitas de este nuevo modo de expresión.

    Agradezco, especialmente, a Valeria Zamparolo y al British Council por hacer posible esta iniciativa.

    Andrés Di Tella - Director, Programa de Cine

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    Programa 

    Jueves 14/3 - 18h - Introducción al video-ensayo - Conferencia de Catherine Grant
    En esta charla ilustrada, Catherine Grant exploró el surgimiento reciente del video-ensayo digital en el marco de la cultura cinematográfica online y de la crítica cinematográfica. Hizo foco en su propio trabajo como realizadora, curadora, crítica y teórica de tales obras, y discutió sus conexiones con el cine-ensayo y las prácticas con material de archivo. 


    Viernes 15/3 - 18h -  Video-ensayos argentinos - Proyección
    Videos producidos por Verónica Balduzzi, María Boughen (en co-dirección con Agustina Gurevich), Mauro Movia, Irina Raffo y Pavel Tavares (participantes Programa de Cine 2017 y 2018)
    Cortometraje invitado: Y ahora elogiemos las películas de Nicolás Zukerfeld (Laboratorio de Cine UTDT 2011).
    Luego de la proyección los realizadores conversaron con Catherine Grant y Michael Temple.

    Sábado 16/3 - 15h - Workshop video-ensayo - Proyección
    Videos producidos en el workshop de Catherine Grant con participantes del Programa de Cine 2019 y conversación posterior.

    Sábado 16/3 - 17h - Essay Film Festival - Conferencia de Michael Temple
    Michael Temple habló de su experiencia al frente del Essay Film Festival, que él mismo fundó en 2015. En un recorrido ilustrado, expuso acerca del cine-ensayo y los métodos de trabajo de distintos cineastas, con referencia a películas y eventos que han formado parte de la programación del festival. Se vieron obras y fragmentos de obras de Mark Rappaport, Miranda Pennell y Jocelyn Saab.


    Sábado 16/3 - 19:30h - The Image You Missed (2018, 74 min) - Proyección del largometraje de Donal Foreman
    Un cineasta irlandés indaga en el legado de su padre, el documentalista Arthur MacCaig: material de archivo que abarca décadas del conflicto de Irlanda del Norte. The Image You Missed se nutre de más de treinta años de imágenes únicas para entretejer dos historias: la historia del conflicto irlandés y la del hijo tras las huellas de su padre. El encuentro, sin hipocresías, entre dos cineastas nacidos en momentos políticos distintos muestra hasta qué punto son distintas sus vivencias del nacionalismo irlandés. En el proceso, se advierte la disyuntiva entre responsabilidad personal y responsabilidad política y la importancia que cobran las imágenes en toda lucha social.

    Galería de imágenes 

     
    Ph: Guadalupe Creche

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    Sobre los participantes

    Catherine Grant: Profesora en Digital Media and Screen Studies en Birkbeck, University of London, UK. Ha escrito sobre teorías y prácticas de autoría cinematográfica y ha editado importantes colecciones de trabajos sobre cine mundial, latinoamericano, estadounidense, cine digital, estudios de medios y ensayo audiovisual. Es reconocida internacionalmente por su trabajo como pionera en ensayo audiovisual, en estudios de cine y medios, y diversas formas de ensayo cinematográfico. Ha producido más de 200 videos, de los cuales muchos han sido publicados en revistas online junto con sus textos. Sus videos han sido exhibidos en festivales de cine y museos en distintas partes del mundo, recientemente en los festivales de Locarno (2017) y Rotterdam (2019). Desde 2013 brinda presentaciones y clases magistrales sobre su trabajo en Australia, Brasil, Chile, Canadá, Dinamarca, Alemania, Irlanda, Italia, Holanda, Noruega, Portugal, Suiza y Estados Unidos.

    Michael Temple: Director del Essay Film Festival de Londres y del Birkbeck Institute for the Moving Image (BIMI). Profesor Titular de Film and Media del School of Arts de Birkbeck College, Universidad de Londres,Gran Bretaña. Dirige y programa desde 2014 el Essay Film Festival, que tiene lugar en Birbeck y en el Institute of Contemporary Art. Como investigador y docente se interesa principalmente en teoría e historia del cine. Publicó numerosos escritos sobre cine francés y, en los últimos años, inició nuevas líneas de investigación sobre el cine documental y el cine-ensayo, que incorporan cruces interdisciplinares y transnacionales. Entre sus publicaciones figuran The French Cinema Book (Bloomsbury, 2018), Jean Vigo (Manchester University Press, 2011),  y Jean-Luc Godard: Documents (Centre Pompidou, 2006).

    Donal Foreman: un director de cine nacido en Dublín residente en Nueva York. Lleva desde los 11 años haciendo películas. Estudió en la Irish National Film School y desde 2011 es miembro del Brooklyn Filmmakers Collective. Ha escrito, dirigido y editado docenas de cortometrajes, además del largometraje Out of Here (2013). Ha colaborado como crítico en Cahiers du cinéma y Filmmaker Magazine, y ha impartido clases a alumnos de enseñanza pública de toda Nueva York para el Tribeca Film Institute y otras organizaciones.

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    Estas jornadas se realizaron gracias al apoyo del British Council en Argentina, a través de su convocatoria Higher Education Links, para el desarrollo de colaboraciones entre instituciones de educación superior en Argentina y organizaciones afines en el Reino Unido.





  • Acceso. Jornadas sobre patrimonio cultural, práctica artística y propiedad intelectual.


    Lugar: Campus Alcorta. Av. Figueroa Alcorta 7350. Aula Magna.

    Fecha: Viernes 29/3, de 17 a 21h, sábado 30/3 de 11 a 21h

    Organiza: Departamento de Arte, Escuela de Derecho de la Universidad Torcuato Di Tella y Museo de Arte Moderno de Buenos Aires.

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    Programa

    Viernes 29 de marzo

    17 a 19h / Mesa: “Perspectivas jurídicas”

    Presentan: Carlos Huffmann (Artista, Director del Departamento de Arte, UTDT) y Martín Hevia (Abogado, S.J.D. Faculty of Law, University of Toronto, Decano de la Escuela de Derecho, UTDT)

    Ponentes:

    -Gustavo Schötz (Director Nacional de Derecho de Autor) // Armonización entre los derechos de los artistas, los museos y el público. Las limitaciones y excepciones en los ámbitos analógico y digital.

    -Valentina Delich (Doctora en Derecho Internacional Público, UBA. Secretaria Académica de FLACSO) // Desafíos legales en torno a las propiedad Intelectual y las políticas culturales. Su investigación gira en torno a las relaciones económicas internacionales, las cuestiones de desarrollo en América Latina y la propiedad intelectual.

    -Facundo Rojo (Abogado y docente, UTDT, posgrado en Derecho de Autor y Derechos Conexos UBA) // Las excepciones en el Derecho de Autor: un enfoque filosófico. ¿Cuál es la línea filosófica que mejor parece explicar las excepciones al Derecho de Autor previstas en la legislación argentina? Para abordar esta cuestión, se contrastaron las reglas y las excepciones vigentes en el país con algunas ideas de las teorías del Derecho de Hume, Locke, Hegel y Bentham. 

    Modera: Martín Hevia 

      

    Viernes 29 de marzo
    19:15 a 21h / Mesa: “La visión de los museos”

    Presenta: Matías Butelman (bibliohack.org, líder público de Creative Commons Argentina)

    Ponentes:

    -Valeria Semilla (Lic. en Historia del Arte, UBA, Coordinadora de Patrimonio Museo de Arte Moderno de Buenos Aires) y Sebastián Ricciardi Lima (Abogado y Asesor Legal del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires) // Fotografía, Fotoperformance y Videoperformance. Las obras en colaboración y el arte efímero.

    -Paula Casajus (Historiadora del Arte, Jefa del Área de Documentación y Registro del Museo Nacional de Bellas Artes) // Acceso a la Colección del Bellas Artes.

    -Guadalupe Requena (Jefa de comunicación y publicaciones del Malba, Lic. en Comunicación Social, se especializó en Gestión y Políticas Culturales) // El museo como medio de comunicación.

    Modera: Matías Butelman 

    21h brindis de cierre

     

    Sábado 30 de marzo
    11 a 13h / Mesa: “Gestión colectiva y dominio público pagante”

    Ponentes:

    -Yuriem Echevarría Cabrera (Directora Ejecutiva de SAVA – Sociedad de Artistas Visuales Argentinos. Licenciada en Derecho, Universidad de la Habana. Especialista en Derecho de Autor y Gestión Colectiva) // Gestión colectiva de obras visuales. Derecho de reproducción, derecho de comunicación pública y derecho de participación en Argentina.

    -Alfredo Srur (Fotógrafo, investigador y docente. Preside Inter Artis Argentina, asociación de gestión colectiva que administra los derechos de autor en la fotografía nacional.) // El Estigma de la Fotografía en Argentina / 1843 - 2019.

    -Mariana Di Lella  (subgerente de Recursos Financieros y Recaudación del Fondo Nacional de las Artes, abogada especialista en Propiedad Intelectual y Derecho Internacional) 

    Modera: Matías Butelman 

     

    Sábado 30 de marzo
    15 a 17h / Mesa “Practicas artísticas”

    Presenta: Carlos Huffmann (Artista, Director del Departamento de Arte, UTDT)

    Ponentes:

    -Florencia Qualina (Curadora y crítica independiente) // Tierra de nadie. Porque las zonas grises son las pasturas verdes. Original, copia y plagio; cita, apropiación, serendipia son categorías que definen maneras de pensar las conexiones entre obras a lo largo del tiempo. Implican modos de consagrar y desestimar; de establecer centros y periferias, de demarcar el umbral de lo permitido y lo prohibido. Son también configuraciones crasas en la medida que se entiendan de maneras separadas y no como parte de procesos artísticos complejos, a menudo desconcertantes. Trampas, piratería y usurpaciones han sido parte de los procedimientos de numerosos artistas que durante el último siglo, rechazaron el statu-quo y expandieron la topografía del arte.

    -Martín Legon  (Artista) // Quatrienal Shanzhai: Lo improfanable como problema. Quatrineal Shanzhai fue una muestra metódicamente proyectada para el Museo Municipal de Bellas Artes Genaro Pérez de la Ciudad de Córdoba durante el período 2017/2018. Por más de tres años, Martín Legón estudió y trabajó sobre la hipótesis de lo shanzhai como posible respuesta a la pregunta central que el filósofo romano Giorgio Agamben delegara en tarea para las futuras generaciones de artistas en su ensayo capital Elogio de la Profanación: cómo profanar lo improfanable del capitalismo en tanto es entendido y asimilado como una religión contemporánea que todo lo incorpora.

    -Diego Bianchi (Artista) y Helena Raspo (Lic. en Curaduría e Historia de las Artes, UMSA, a cargo de la Gestión de Colecciones, Museo de Arte Moderno de Buenos Aires) // El presente está encantador. En 2017 Diego Bianchi fue invitado a desarrollar un proyecto en una de las salas del Moderno, donde propuso provocar un encuentro entre su obra y el patrimonio de la institución. El presente está encantador se nutrió de la colección para transformarla en una gran obra, una instalación transitable y envolvente, donde se mezclaron piezas propias y de otros artistas. Diego Bianchi conversó con Helena Raspo, quién está a cargo de la gestión de la colección del Moderno, sobre esta experiencia. 

    Modera: Carlos Huffmann 

      

    Sábado 30 de marzo

    17:30 a 20h / Mesa: “Legado y coleccionismo”

    Presenta: Camila Charask (Lic. en Ciencia Política, UBA, Directora Ejecutiva de Meridiano: Cámara Argentina de Galerías de Arte Contemporáneo)

    Ponentes:

    -Loretta Wurtenberger (Alemania)  / Video conferencia subtitulada al español 

    (Doctora en Derecho Internacional de Patentes y Copyright y miembro del Institute for Artist´s Estates de Berlín) // Entrevistada por Camila Charask, conversaron sobre el Estate en el Arte Moderno y Contemporáneo y el legado de Hans Arp and Sophie Taeuber-Arp.

    -Conversatorio: acceso y coleccionismo

    Presenta: Juan Cambiaso (Abogado y Coleccionista)

    -Gustavo Bruzzone (Juez, profesor y coleccionista de arte) en conversación con Raúl Naón (Coleccionista, vicepresidente de Fundación –I–D–A y de Fundación Espigas).

     

    Coordinación general: Daniela Varone, Matías Butelman, Carolina Repetto y Trinidad Etchevere.

    Agradecemos a: Agencia Argentina de Inversiones y Comercio Internacional, Meridiano Cámara Argentina de Galerías de Arte Contemporáneo, Juan Cambiaso, Camila Charask, Santiago Basso y Juan Pablo Suarez.

    Fotografías: Guido Limardo