Para ver (y escuchar)
cine, música, teatro, etc, etc, etc....
THE DARJEELING LIMITED (Viaje a Darjeeling) – Guión & Dirección: Wes Anderson
por Federico García
fedeviejo@hotmail.com
Recordemos las películas anteriores de éste excéntrico cineasta del humor. Digo excéntrico porque los personajes que constituían a la familia Tenenbaum (sí, esos de los que muchos andaban con uniforme de gimnasia rojo y con muy poca pinta de atletas) o esos que aparecían junto a Bill Murray dentro del submarino de Vida Acuática (sí, esa persona de tez oscura que imitaba a David Bowie) no pueden ser considerados o enmarcados dentro de lo que la sociedad describe como un ser corriente. De manera más simple, si nos cruzamos a uno de estos personajes de Anderson caminando por la calle no queda otra que mirarlo con ojitos de desconcierto y de curiosidad.
Es exactamente lo que pasa con los tres hermanos que protagonizan el Viaje a Darjeeling (por lo cierto traducción paupérrima, como suelen ser las traducciones, del título de la obra que en realidad representa el nombre del tren en donde transcurre gran parte del film). Owen Wilson, Adrien Brody, y Jason Shwartzman se presentan con tres personalidades y tres maneras de hacernos sonreír y compadecer diferentes. Luego de un año de no haberse visto, Francis (Wilson) invita a sus otros dos hermanos a un viaje turístico por la India en donde en realidad encubre su objetivo de reestablecer una relación espiritual con ellos y reencontrarse con su madre. El momento no es el oportuno, ya que sus hermanos se encuentran en momentos difíciles, uno intentando sobrellevar la idea de separarse de su mujer a dos meses de que de a luz a su hijo, el otro, intentando reponerse de las miserias sentimentales del amor. De aquí es que la situación, que en realidad resultaría bastante desgastante, se torna irremediablemente cómica.
Lo sutil radica en parte en el ambiente elegido para rodar el film. India. Cultura completamente contrapuesta a la occidental. Rasgos. Hay que prestarle atención al comisario de a bordo del tren, la barba del personaje resalta los ojos disciplinarios que se ridiculizan cuando la cámara enfoque el viaje desde afuera y se lo ve fumando un tabaco con la azafata. Todo es chico, finito, extraño. Ellos mismos son extraños para nosotros. La excelencia de los diálogos encuadra a los personajes dentro de una especie de realismo mágico en donde la exageración en los relatos, los actos, los movimientos hace que lo real se vuelva cómico y consternante a la vez. Son tipos raros y no hay nada más chistoso que la ridiculización de la exageración llevada al límite. Todo se da vuelta y la tragedia misma vuelve a ser feliz. Finalmente resulta bueno reír de cosas que no nos son familiares, y más cuando es esta clase de humor en donde lo que se destaca y se invierte es lo negativo.
Un detalle para aquellos que la alquilen en DVD. Es absolutamente imprescindible ver el corto que antecede al film. Por más que cuando terminan sus minutos quedemos en una especie de obnibulación frente a lo incierto que pueda llegar a parecer lo que vimos en la pantalla, incertidumbre ante la casi nada.
Otro detalle más, y no es el último. La presencia de Bill Murray. No tiene ningún rol en el desarrollo del film sin embargo es completamente necesaria su aparición.
Por último, y ahora sí, luego del estreno de Shine a Light no hay nada mejor que hablar de sus majestades satánicas. No quiero excederme en el tema (me excedería y por demás si opino algo acerca de la majestuosidad en el manejo y creación de expresiones que tiene un tal Scorsese considerado ya alquimista) adjudicándole importancia a un film (por cierto a un film que no le falta importancia) que no es competencia de estos párrafos, pero vale la mención de los Rolling Stones y la importancia que su tema Play with Fire tiene en este film de Wes Anderson. La canción suena completa y a la perfección. Se transluce con las imágenes y con la vista y la atención del espectador de una manera subliminal. Se puede decir que pestañar durante esos minutos se le hace a uno imposible. Quedamos hipnotizados. No quiero sacarle mérito a Anderson que seguramente eligió la música y brindó las imágenes, pero los Stones lo sobrepasan en esos pocos minutos del film.
Disculpen el desvío. Es el propio Anderson el que los involucró sin saber que a alguien como yo y muchos otros nos gustan los Rolling Stones. Perdón, no es que nos gustan. Somos fanáticos.
SCORSESE ROCK STAR No contento con el enorme legado que nos ha dejado a través de su filmografía, durante los últimos años Martin Scorsese ha decido rendir homenaje a varios íconos musicales de su generación. Si bien Shine a Light sólo vino a sumar una película más sobre los eternos Rolling Stones, calculo que debe haber sido cuando menos halagador para los astros ingleses ser retratados por la talentosa cámara de quien tantas veces incluyó canciones suyas en sus películas. Con una especial preferencia en el tema Gimme Shelter que aparece en tres de sus films: Goodfellas, Casino y The Departed.
por ET
Este proyecto sucede a No direction home, la biografía de Bob Dylan, y precede a dos documentales aún no estrenados: uno sobre George Harrison y otro sobre Bob Marley. Además Scorsese también fue el responsable de realizar el videoclip de 16 minutos del tema Bad de Michael Jackson.
La alianza entre la música popular y Scorsese recorre casi toda su carrera como realizador: tanto los documentales antes mencionados, como la elección de canciones rock y pop para narrar e ilustrar sus filmes; o bien la convocatoria de estrellas de rock para interpretar algún personaje: Peter Gabriel, Paul Simon, Gwen Stefani, Queen Latifah, Iggy Pop o David Bowie son algunos de los que pueden dar testimonio de ello.
Mick Jagger alguna vez dijo "El rock ya no es rebelde, porque al rock ahora lo escuchan padres e hijos". Hacer un documental sobre artistas consagrados en estos tiempos es mas un cliché que algo innovador o provocativo. Pero deja de ser un recurso exitista y recaudador si tenemos en cuenta que está filmado por alguien que fue testigo ocular de la época. Que se formó y creció artísticamente al mismo tiempo que ellos. Probablemente haya ido a ver sus recitales como quien va hoy día ver a su artista preferido. Con la diferencia de que se trataba de Martín Scorsese.
Un Scorsese que, al mejor estilo de una estrella de rock, toda la vida fue un provocador desde la prohibidísima Last temptation of Christ, que nunca pudimos ver en el cine en Argentina, hasta Kundun, que le valió la prohibición por parte del gobierno chino a entrar al Tíbet. Sin olvidarnos que fue él quien dirigió a Jodie Foster a la edad de 13 años en el papel de una prostituta adolescente en Taxi Driver.
Cómo entender la avidez de este ex-seminarista nacido en Queens (USA) de provocar? Es poco el espacio de esta columna como para analizar Raging Bull, After Hours o Alice doesn’t live here anymore, entre otras, para entenderlo en pocas palabras. Es por eso que me gustaría detenerme en solo dos obras suyas que por suerte se consiguen en DVD: ll mio viaggio in Italia y A Personal Journey with Martin Scorsese through American Movies. El primero un documental sobre el cine europeo con el que este estadounidense de ascendencia italiana se crió y forjó su cinefilia. Lo mismo ocurre con el segundo documental, realizado en ocasión del festejo de los primeros 100 años del séptimo arte, pero esta vez con películas originarias de Estados Unidos.
Scorsese nos explica con absoluta devoción por qué es tan importante el cine clásico y de qué manera influyó tanto en su obra como la del resto de los directores de cine actuales. En tiempos donde nos cuesta quedarnos despiertos cuando vemos una película en blanco y negro, vale la pena entregarse a que Marty nos lleve durante unas horas a entender porque el cine que hoy consideramos viejo y aburrido es en realidad rebelde y provocador. Tanto como una estrella de rock.
RENT, La vida es hoy (Ciudad Cultural Kónex, desde $35 - 2x1 con Club LN)
por LC
Qué pelotazo! Primer número del musical: un departamento, una cámara, un pibe con una viola, otro filmando. El que estaba filmando era Mark -el cineasta del grupo y narrador de la obra, era igual a Marcelo Polino- y el que afinaba la guitarra era Roger -Tripa, de Mambrú. Sabía que el mongui este actuaba, pero no como protagonista de la obra! Es decir, desde el vestuario me quise levantar del asiento. Para tranquilizarme me dije: "bueno, es una adaptación de "La Bohéme", de Puccini, quedate en el molde un rato a ver qué les sale", mientras todo el elenco se preguntaban a coro cómo harían estos muchachos para pagar el alquiler (Track 4)..
Una cagada total, reconozco que la puesta en escena -a cargo de Valeria Ambrosio- estaba bien, el vestuario, el sonido, las luces, edición: OK. Las coreografías también estuvieron buenas en manos de Gustavo Carrizo -uno de los súper coach de Bailando por un Sueño. Pero la falta de Producción y Dirección Actoral! Definitivamente hay que bajarle el pulgar a los realizadores de la obra porque le erraron en muchos puntos que te definen el atractivo de la muestra. Me siento en dos de ellos:
- Los actores no pueden ser todos pendejos. La obra retrata la realidad de unos artistas que viven en un departamento en el East Village de NYC en 1989, colocando sobre el tapete la drogadicción, la homo y transexualidad y, fundamentalmente, el SIDA. Ninguno de los actores estuvo ni cerca de ser testigo de esa época, lo cual limita las posibilidades de los personajes para hacer una interpretación adecuada de los hechos.
- El guión está mal. No hay drama, pero en serio no hay. Supuestamente la historia es que un ex compañero de habitación -Benny, casado con una multimillonaria y ahora propietario del edificio donde viven- intenta desalojarlos por falta de pago. Está mal explotada esta situación central, entonces la atención se escapa por las diagonales: amor, falopa y SIDA entre Roger y Mimi; pasión entre Collins y Angel (lejos el mejor personaje de la obra, una especie de drag queen sensible y comprometido, tan parecido que intuí podía estar inspirado en el papel de Mercutio -Harold Perrineau- en la Romeo & Juliet de Di Caprio); idas y vueltas entre Maureen y Joanne, los miedos del cineasta Mark. Demasiado para los pobres chicos del elenco.
En síntesis: mal realizada, muchísimo tiempo en el escenario este chico "Tripa", que es muy malo, muy malo de verdad, no se si es por las anfetaminas o qué, pero no se puede mover, y ni siquiera canta bien! Mientras miraba la obra se me cruzaba el talento de algunos conocidos que se dedican a esto (Santiago Bianco, el papel del ex-Mambrú era para vos) y sentí una frustración muy profunda.
Seamos buenos, dice Horacio Pagani.. Voy a hacer de cuenta de que el problema fue ir al Kónex con mucha expectativa, debe ser que el último musical que fui a ver fue Cabaret y este no tiene fuerza ni para llevarle el bolso..
DOS DIAS EN PARIS (Deux Jours à Paris) (Guión y Dirección: Julie Delpy)
por Federico García
Es extraño como un film en el cual París, su cultura, su gente, sus excentricidades, terminan por saturar a uno de sus dos personajes principales llevándolo al borde de un colapso dentro de sí mismo y con su pareja francesa, causa el efecto contrario en todos esos pseudointelectualesbohemios (tribu prominente en todas esas áreas en donde el estructuralismo setentista francés se introdujo como algo que no era, de la cual me puedo llegar a considerar un simpatizante a medias) que, en cierto sentido, se sienten atrapados por un halo embriagador de vino, humo de cigarrillo negro, arte, música, sexo, y departamentitos desordenados y atestados de libros viejos.
En este largometraje filmado con un bajo presupuesto para lo que es el cine internacional y con un cuerpo de actores, por no decir extraño, fuera de lo común (la mayoría son familiares u amigos de la directora), uno se vuelve a enamorar de París. Obviamente no estoy imponiendo está suerte de romance que uno contrae con una ciudad y lo que la constituye. A cualquiera le puede suceder lo que a Jack (Adam Goldberg), un decorador de interiores neoyorquino que decide, junto a su pareja Marion (Julie Delpy), pasar dos días en la casa de sus suegros en París antes de finalizar un viaje por Europa. El guión refleja a la perfección y utilizando un humor impecable/Woody Allen/francés en los diálogos que intercalan inglés y francés causando los gestos irremplazables de confusión e impotencia que maneja Goldberg, la inestabilidad que puede llegar a causar la soledad social temporaria instaurada por la inserción ignorante en otra lengua, en otra cultura, en otras relaciones sociales, y la necesidad de una compañera sentimental a la cual apegarse. Desde el lado de Marion, el punto de vista de la historia se vuelve hacia la lucha por reconquistar a su pareja que perdió su confianza en ella en esos momentos en que ella se integra de lleno a la vida y a la rutina francesa y se vuelve desconocida e incomprensible para él. Es ese estilo de Delpy lo que quizás hace que a uno le vuelva a gustar París. Ella tiene la capacidad de sacarle una sonrisa hasta a ese perrito triste de los dibujos animados mezclando seriedad y compromiso con ternura y suavidad.
No hay que dejar de lado al maravilloso papel que hacen los padres de Marion (los padres de Delpy) que es fundamental para no tragarse las carcajadas. Él, artista izquierdoso, petiso, gordo, y muy muy nacionalista (llegan a resultar cómicos los fanáticos nacionalistas franceses), y ella, ex - hippie, promiscua y extremadamente sentinmental.
El film no delimita al público. Es una película para reírse y pasarla bien más de una vez. A aquellos que sienten un sentimentalismo especial por algunas ciudades, por sus costumbres, su idiosincrasia, por su gente, se las recomiendo ampliamente. Es la segunda película en la que Delpy refuerza ese amor que la misma ciudad de París inspira. Ya con Antes del Atardecer había hecho que queramos sentarnos a leer y a fumar en algún café de esquina sin dejar de lado la posibilidad de enamorarse repentinamente. Y con esta nueva película deja en claro que las ridiculeces de l´amour à Paris y de los besos fáciles arriba de la torre Eiffel pueden llegar a ser ciertas, o por lo menos constituirse como esperanzas certeras.
No perdamos tiempo. Aprovechemos, y lo digo en todo sentido, la ternura y las risas que florecen con esta nueva película del cine francés.
ALGUNAS IMPRESIONES SOBRE LOS HERMANOS COEN
por El Tano
La trayectoria de los Coen es muy extensa. Con haber visto solo cinco películas suyas seria muy pretencioso de mi parte hablar de su filmografía. Una vez aclarado mi acotado conocimiento en la materia tratare de convencerlos por qué vale la pena ver sus películas.
Los Coen (Joel -tres años más grande- estudio cine en NYU; Ethan, filosofía en Princeton) son por sobre todas las cosas apasionados del séptimo arte. Son creativos y a la vez creadores. Sus películas son integrales. Han escrito prácticamente todos sus guiones. Es decir, las han visto nacer, no son artistas por encargue. Son tipos comprometidos con el proceso de realización. A partir de principios tan puros y simples como eso son capaces de crear lo que sea.
Basados en una historia real sucedida en un pequeño pueblo de su Minnesota natal: un asesinato por encargue mal planeado y peor ejecutado, los Coen redefinieron el género policial con Fargo. Filmaron la película en locaciones reales, en pleno invierno tapados por la nieve. Sin tiroteos ni persecuciones. Al principio las escenas parecen tiradas a la marchanta, pero a medida que avanza la película con maestría y sin giros de guión crean una tensión fuera de lo común. El retrato que hacen de la vida en de un pueblo donde no pasa nada, las costumbres, los lugares comunes, el vestuario y hasta los acentos de los actores son únicos. Frances McDormand, Steve Buscemi y William H. Macy actúan lo que nunca en sus vidas.
Hablando de acentos, son una marca registrada en sus filmes. No country for the old men, no es la excepción. En este western moderno, donde los malos no son indios pieles rojas sino narcotraficantes que en el sur de Texas usan a sus "mulas" mexicanas para hacer el trabajo sucio de pasar la droga por la frontera y lavar los dólares recaudados, todos hablan con el acento del sur de Texas. Salvo los hispanos, claro esta. Pero no se queda ahí, Sin lugar para los débiles es una reflexión sobre los valores del mundo en que vivimos donde ya ni los cowboys ganan. Todo esto a la manera de los Coen con una cinematografía perfecta y el humor negro nunca ausente.
Cuando de humor negro hablamos, los Coen ya son una referencia ineludible en la historia del cine estadounidense. Todas sus películas están plagadas del mismo, por caso tomemos Crueldad Intolerable (Intolerable Cruelty, 2003) con Geroge Clooney y Catherine Zeta Jones. Si bien no es su obra cumbre esta bueno como con humor negro y otro tanto de grotesco encaran el tema de la ambición desmedida caracterizada en un inescrupuloso abogado de divorcios y otra más inescrupulosa aun cazafortunas.
Como hablar bien todo el tiempo aburre les voy a pegar un poco ya que con The Ladykillers (2004) me parece se equivocaron en elegir a Tom Hanks para el papel principal del Professor G.H.Dorr. Tom será muy versátil pero es un pelotazo intragable.
Me guarde lo mejor para el final: The Big Lebowski (1998). Los Coen en su máxima expresión. En este desfile de personajes políticamente incorrectos como The Dude (Jeff Bridges, Jesus (John Turturro), Donny (Steve Buscemi), Walter Sobchack (John Goodman) se burlan de la sociedad americana y sus estereotipos. Están tan bien logrados que casi no importa de que se trata la película. Vale la pena verla solo para disfrutar de las excentricidades de cada uno y varias de sus frases que van a quedar en la historia: "The Dude Abides!!", "Nobody fucks with the Jesus!!", "This aggression will not stand, man!!". Los Coen pusieron todo su genio, creatividad, sutileza e ironía al servicio de una película que no solo es de culto sino que ya tiene hasta su propia celebración: el Lebowski Fest. Una excusa surgida en 2002 por y para que los fans evoquen los personajes del film y sus manías (para mas información entren a www.lebowskifest.com).
Si algo les faltaba a los multipremiados hermanos Coen era la Triple Corona en la noche de los Oscar (Mejor Guión – Mejor Dirección – Mejor Película) con No country for the old men (2007). Ya habían ganado el Oscar al Mejor Guión Original en 1996 por Fargo, tres veces el premio a la mejor dirección del Festival de Cannes, la Palma de Oro del mismo festival en 1991 con Barton Fink y el Gran Premio del Jurado en el Festival de Sundance 1984 con Blood Simple, entre otros. Esta claro que a esta altura no necesitaban la trifecta para demostrar lo increíblemente talentosos que son. Pero bueno, después de todo a quien no le gustan los reconocimientos, no?
BAFICI N°10
por LC
El Buenos Aires Festival Internacional de Cine Independiente (BAFICI) es el ya tradicional concurso organizado por el Ministerio de Cultura del Gobierno de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires, que este año tendrá lugar entre los días 8 y 20 de abril. Durante estas dos semanas se proyectarán películas de ficción, documentales y películas experimentales nacionales e internacionales; y cortometrajes nacionales. Todas estas producciones varían en su formato fílmico, algunas son en 35mm (convencional), 16mm (una innovación más económica, ver Eastman Kodak), Betacam SP (PAL/analógico), Digital Betacam (PAL), y algunos más. De todos los films que se presentan al concurso se hace una selección que serán exhibidos en su versión original en las salas designadas por el Gobierno de la Ciudad.
El programa incluye tres Secciones Oficiales Competitivas:
- Competencia Oficial Internacional, en la que participan primeras o segundas películas de largometraje internacionales, documentales y de ficción.
- Competencia Oficial Argentina, en la que participan filmes de largometraje argentinos, documentales y de ficción.
- Competencia Oficial Argentina de Cortometrajes, en la que participan cortometrajes argentinos, documentales y de ficción.
El Jurado de la Competencia Oficial Internacional otorgará los siguientes premios:
- Mejor Largometraje
- Mejor Director de Largometraje
- Mejor Actriz
- Mejor Actor
- Mejor Guión
El jurado de la Competencia Argentina otorgará los siguientes premios:
- Mejor Película
- Mejor Director
El jurado de Cortometrajes otorgará los siguientes premios:
- Mejor Cortometraje
- Mejor Director de Cortometraje
Del BAFICI han surgido grandes películas que luego han tenido algún éxito en el circuito comercial, como Mundo Grúa (1998) de Pablo Trapero, Recursos Humanos (1999) de Laurent Cantet, Los Rubios (2000) de Albertina Carri, La Nube Errante - Tian Bian Yi Duo Yun (2006) de Tsai Ming-liang, etc. Nosotros recomendamos, en la medida de lo posible porque las proyecciones son durante todo el día, que sean testigos de este festival y que no esperen a que salgan en DVD (en muchos casos ya están en el video club). En principio, las películas que mejor trataron en el exterior o, mejor dicho, de las que más se está hablando (Ej.: Shine a Light, el documental de los Rolling Stones de Scorsese), las dan fuera de horario laboral.
Atención los amantes de la música porque este año vienen muchos documentales y largometrajes de rock: Tom Petty and The Heartbreakers: Runnin' Down a Dream, de Peter Bogdanovich, una visita a los años locos de la banda más legendaria de Tom Petty; Joy Division, de Gee Grant cuenta la historia de Ian Curtis, el líder de la banda de la que aprendió Luca Prodan; Joe Strummer: The Future is Unwritten, de Julien Temple, recuerda al líder de The Clash, que murió a los 50 años, de un ataque al corazón sentado en la cocina y con el diario en la mano, secuencia opuestas a su crudo estilo de vida; Too Tough to Die: A Tribute to Johnny Ramone, de Mandy Stein, en el 30º aniversario de los Ramones, en el que tocaron Debbie Harry, X, Eddie Vedder y los Red Hot Chili Peppers.
Saludos y vayan, las entradas salen monedas y hay muchas sedes por todo el centro, les pasamos el link del BAFICI para que se sumerjan en el extraño mundo del dine independiente, por lo menos por un rato.
CABARET Últimas funciones
por LC
"Había un Cabaret, un maestro de ceremonias, una ciudad llamada Berlín, y un mundo que se derrumbaba.
Cabaret, uno de los musicales más famosos de la historia, con libro y música de Joe Masteroff; John Kander y Fred Ebb, estrenará el próximo 12 de mayo en el renovado Teatro Astral.
La producción general, CIE argentina y Adrián Suar, ha convocado a los referentes más importantes para realizar Cabaret: Ariel del Mastro; Renata Schussheim; Julián Vat; Rubén Viani; Elizabeth de Chapeaurouge, entre otros. Los roles protagónicos serán interpretados por Alejandra Radano (Sally), Marcelo Trepat (Cliff), y Alejandro Paker (el recordado maestro de ceremonias Emcee).
El espectador entra en el teatro y descubre el Kit Kat Club, un verdadero cabaret de Berlín de 1930 en el que el entretenimiento domina sobre un ambiente de permisividad y libertad que a la vez anticipa la subida de los nazis al poder.
La obra ha demostrado una relevancia con la actualidad en diferentes momentos históricos, por lo que ha sido reestrenada reiteradas veces." 1
Ficha Técnica
Libro: Fred Ebb, John Kander, John Masteroff
Adaptación: Gonzalo Demaría
Intérpretes: Nicolás Armengol, María Bermudez, Patricia Browne, Patricia Echegoyen, Cecilia Estevez, Christian Giménez, Luz Kerz, Tiki Lovera, Diego Mariani, Milagros Michael, Laura Montini, Alejandro Paker, Flavia Pereda, Juan Carlos Puppo, Alejandra Radano, Marcelo Trepat, Sebastián Vitale, Laura Winter, Mike
Vestuario: Renata Schussheim
Escenografía: Jorge Ferrari
Música original: Fred Ebb, John Kander, John Masteroff
Prensa: Raul Casalotti
Producción: Adrián Suar
Coreografía: Elizabeth de Chapeaurouge
Puesta en escena: Ariel del Mastro, Rubén Viani
Dirección de actores: Rubén Viani
Director musical: Julián Vat
Dirección general: Ariel del Mastro
Web: http://www.cabaretelmusical.com.ar
INDEPENDIENTEMENTE DE TODA ESTA GILADA QUE ACABAN DE LEER, VAYAN A VER CABARET ANTES DE QUE MIGRE DE BUENOS AIRES (30 DE MARZO), REALMENTE NO ESTAMOS ACOSTUMBRADOS A SEMEJANTE DESPLIEGUE EN UN ESCENARIO LOCAL. UNA VEZ MAS, EL "CHUECO" LA PEGO.
La velada pueden terminarla, porqué no, cruzando la calle y comiendo una porción de pizza con fainá y una Imperial bien helada en el clásico GUERRIN (Corrientes 1368).
1 Fuente: http://www.alternativateatral.com/ficha_obra.asp?codigo_obra=7777
La jóven vida Juno (Dirigida por Jason Reitman, escrita por Diablo Cody)
por LC
Ganadora del Oscar al Mejor Guión Original, más otras 3 nominaciones (Mejor Actriz, Dirección y Mejor Película)
Excelente 5/5 Darines
Del jóven director de la divertida Gracias por Fumar (2005), esta es una típica historia de una familia de clase media americana: se embaraza una hija en un exabrupto hormonal y empieza el quilombo. El relato es fresco, colorido y veloz, quizá el guión es un poco exagerado por el tenor de las líneas que tiene que reproducir la acostumbrada-a-papeles-jugados Ellen Page, en el rol de Juno MacGuff, la protagonista de 15 años que debe enfrentar este desafío que se le presenta con la ayuda de sus seres queridos.
Vamos con los por-qués de la película.
¿Por qué la nominaron en la categoría Mejor Actriz a Ellen Page? Con sólo 21 años, hasta esta 80va Edición de los Oscars tenía como antecedente en Hollywood un papel en X-Men, como Kitty Pride (la que se teletransporta), y el protagónico de Hard Candy, escrita por Brian Nelson, como Hayley Stark, (la osada chica de 14 que se mete en la casa de un pedófilo para denunciarlo). Su interpretación de Juno es tan buena que le sobró para la nominación, no ganó porque lo de Marion Cotillard como Edith Piaf no solo fue sorprendente, sino que los que interpretan personajes conocidos corren con ventaja (evidencia de últimos tiempos: Philip Seymour Hoffman con Truman Capote en Capote, Jaime Foxx con Ray Charles en Ray, Cate Blanchett con Katharine Hepburn en El Aviador, etc.).
¿Por qué la nominaron por Mejor Guión Original a Diablo Cody? De corta, pero meteórica, experiencia en Hollywood, esta jóven de 29 años se hizo acreedora de su primer Oscar al Mejor Guión frente al gran candidato Tony Gilroy, nominado por Michael Clayton. Quizá la mejor justificación de que su triunfo fue merecido es el desempeño de todos los actores de la película: todos lo hicieron muy bien, pese a que no se tratara de nombres rutilantes o de larga trayectoria (realmente no existen).
¿Por qué la nominaron para Mejor Película y a Jason Reitman para Mejor Dirección? Estos premios son habitualmente reservados para los llamados tanques de Hollywood, pero esta modesto, sencillo y fantástico film no necesitó gastar millones para atrapar las miradas del mundo del cine. En este sentido, hay que felicitar a los productores, que acertaron en todas las decisiones fundamentales: guión y dirección. La película no tiene locaciones extrañas, no tiene misterios, simplemente se ha cuidado la estética de las escenas y el relato, suficiente para destacarse hoy entre lo mejor de lo mejor de la pantalla grande.
Petróleo Sangriento (Dirigida y escrita por Paul Thomas Anderson; novela: Upton Sinclair)
por LC
Ganadora de 2 Oscars al Mejor Actor y Mejor Fotografía, más otras 6 nominaciones (Mejor Película, Dirección, Guión Adaptado, Edición, Edición de Sonido, Dirección de Arte)
Buena 3/5 Darines
Pese a que no es la gran película que todo el mundo esperaba, hay que verla, es imperdible la actuación del dos veces ganador del Oscar a Mejor Actor, Daniel Day-Lewis (ganador por Mi Pie Izquierdo, nominado por En el Nombre del Padre, Pandillas de Nueva York, qué películas!), también hay que observar el subretrato de la sociedad americana de principio de siglo en el sur de EUA, y la bien lograda fotografía, a cargo de Robert Elswit, quien ya había sido nominado en este rubro por Buenas noches, y buena suerte, en 2005.
Por otro lado, a Paul Thomas Anderson se le viene negando la estatuilla, pero con esta solidez lo va a lograr en cualquier momento. Ya había sido nominado para la categoría Mejor Guión Original por Boogie Nights (1997) y Magnolia (1999) y ahora le sumó las de Mejor Película, Dirección y Guión por Petróleo Sangriento. Es incuestionable que tiene un talento sorprendente, más teniendo en cuenta las declaraciones de Daniel Day-Lewis en la ceremonia de los Oscars, donde le dedicó gran parte de su discurso a un sentido agradecimiento a la vocación del director.
En síntesis, el guión es una buena adaptación de la novela de Upton Sinclair y acompañan buenas tareas en todas las categorías en que recibieron nominaciones. Pero es demasiado lento el relato que, de no ser por la actuación de DDL, probablemente hubiera generado más de un silbido. Igualmente, buena.
...MÚSICA...
- Novedades por Diego Uriarte
Desde sus comienzos en 1995, La Doblada ha sabido describir los malestares que rodean al suburbio, manteniendo siempre encendida la humedecida mecha noventosa. La misión pareció diluirse hasta la reciente edición de su cuarto disco, Souvenir Vol.1 –se pretende lanzar Vol. 2 a mediados de 2008-. Quedó atrás el funk áspero de Elogio al mal paso y Herpes, también las alternativas de Tres; este souvenir es directo y puntiagudo, logrado por la inclusión de electrónicos y la postergación de los bronces –una constante en La Doblada-. Las letras de Javier Lecumberry –también tecladista de Skay Beilinson- siguen lastimando a personajes oscuros y tibios, pero esta vez con un trasfondo más prolijo y sofisticado… sin paranoias ● Cuando la reprobación se transforma en una inyección de ánimo y optimismo real, se puede ver a Los Umbanda como fieles testigos y musicalizadotes de la realidad. Su quinto disco es el manual de instrucciones para llevar al estudio, la peligrosa tarea de conjugar raíces latinas, cubanas, del rock, hip hop, reggae y dub. Y como si fuera poco, su actitud y letras se corresponden a esa estética musical, al entusiasmo de sus ritmos, y al nombre del disco, Musikdelante. Sobresale la pausa que provoca la superversionada “Oh que Sera” (de Chico Buarque), para luego seguir con la decidida agresividad de los beats y sampleos de Gaspar Ortiz Maldonado. ● Pocas bandas de reggae pueden amasar la mística con comodidad, sin (l)imitaciones que (l)imitan, y eso, al combinarlo con el aire de un barrio del conurbano bonaerense, nace una banda auténtica y naturalmente querible. Es de imaginar lo difícil de suceder al gran Hot Neighborhood (2003) y empantanarse en ser una perdurable banda joven. Por eso Is Comming –segundo disco de Holy Piby- recurre a una sección de vientos impecables, sabiendo que la susurrante y convincente voz de Sergio Robaina deja todo en la mitad de la cancha. HP seguramente alimentará el circuito local del reggae durante el 2008 con las presentaciones de un disco que supera cómodo al anterior.
publicado en http://www.revistathc.com/ (REVISTA THC EDITORIAL SIETE PUNTAS S.A)
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Cruz Maldonado. Banda under que fusiona tango, boleros, rumbas y cumbias. Tres canciones que valen la pena:
...CINE...
- Gángster Americano (Dirigido por Ridley Scout; escrita por Steven Zaillian)
3/5 darines (por Leandro Cippitelli)
¿Cuántos tipos de gángsters hay? Hemos aprendido a lo largo del tiempo y gracias a Hollywood que las categorías de gángster están sujetas al origen étnico de quines los encarnan. Es decir, según la minoría a la que se aluda, habrá un tipo de mafia: los hay italianos, irlandeses, rusos, chinos, y... ¿negros? y ... todos con sus diferentes mañas...
Este largometraje, basado en una historia real, profundiza sobre un tema que, con la excepción de Tiempos Violentos de Quentin Tarantino, nunca se ha tocado en el cine americano: la mafia de los negros. Claro, porque los negros no son mayoría en Estados Unidos, pero son la minoría más importante y la mafia está asociada directamente a esta condición.
El film está pensado para ganar un Oscar: dirige Ridley Scott (Alien, Gladidador, Aníbal, Thelma & Louise etc.), tiene un costoso y marketinero elenco (encabezan Russell Crowe, Detective Richie Roberts -el cop bueno- Denzel Washington, Frank Lucas -el negro malo- los siguen Cuba Gooding Jr., Chiwetel Ejiofor, Josh Brolin), es una historia real y vende: va dar pelea....
Pero…un comentario: vamos a ser buenos y considerar que cualquier similitud con Atrapame si puedes (2002), de Steven Spielberg, con Leo Di Caprio y Tom Hanks, es pura coincidencia. Esta película parece querer ir un poco más lejos que el mero relato del caso de un mafioso familiero más. Scott es un director muy ilustrativo -lo pueden notar en sus anteriores títulos- y esta vez se esfuerza por transparentar el oscuro momento de la heroínica Nueva York en los tiempos de Vietnam, las impurezas de la sociedad y las instituciones americanas, filmando bien de cerca Brooklyn, New Jersey, Queens, el Bronx, Harlem.
El film viene, viene, viene, y hasta por un momento uno se olvida que es una historia real, pero en la recta final se desinfla. Hay que verla para no perderse a Denzel Washington negro (contrario a lo que estamos acostumbrados a ver, al típico negro actuando de blanco) y para ver la cara que nunca vimos de Estados Unidos a fines de los sesenta y principios de los setenta: aparentemente no era todo hippismo, de hecho no existen los hippies negros. ¿Por qué? ¿Dónde estaban los negros por esos días? Muriendo en Vietnam o donde les cuenta Ridley Scott en Gángster Americano.
Juegos de Poder (Dirigida por Mike Nichols y escrita por Aaron Sorkin)
3/5 darines (por L.C.)
La tendencia que se está dibujando en Hollywood parece ser la de revisar su historia: se ha vuelto a la segunda mitad del siglo veinte, pero con inteligencia y sin pruritos. Parecen haber pasado de largo la temática social-mundial (Babel, Vidas Cruzadas, El Jardinero Fiel), ya no vemos Rambos ni súper héroes americanos peleándose con rusos vigoréxicos y el malo islámico también ha pasado a la historia. Están volviendo las películas gangsteriles, y la denuncia a las malas jugadas de los dirigentes americanos.
Tal como indica el nombre original de la película -Charlie Wilson´s War- esta es la historia de un diputado por el Estado de Texas (interpretado por Tom Hanks), que a principios de los ochenta decide alejarse de las mujeres, el alcohol, la vida fácil y las reelecciones indefinidas, para acercarse a la política de defensa americana, más precisamente a apoyar a una minoría rebelde dentro de un remoto y rocoso país llamado Afganistán, que le estaba presentando algunas complicaciones a la invasión de la Unión Soviética.
Junto con un marginal agente de la CIA de ascendencia griega, Gust Avrakotos (Philip Seymour- Hoffman, gracioso), una adinerada soltera de su distrito Joanne Herring (Julia Roberts, romántica) y un personaje esencial para el desarrollo de la trama, su secretaria personal Bonnie Bach (Amy Adams, excelente), se encargan de llevar adelante el proyecto de Charlie Wilson, de principio a fin.
Tiene una nominación al Oscar por Philip Seymour Hoffman para Mejor Actor de Reparto, pero no hay que ir a ver al tridente Hanks-Roberts Seymour, sino más bien la reflexión sobre la falta de previsión de los EUA luego de haber concretado con éxito el salvataje de Afganistán. "These things happened. They were glorious, and they changed the world. Then we fucked up the end game”, sentencia Wilson.
Hay que verla, hay que ver un poco más de la dinámica estratégica de la guerra fría, hay que ver a israelíes ayudando antisemitas, hay que ver a americanos liberando futuros genocidas de americanos…
- Leones por Corderos (Dirigida por Robert Redford; escrita por Matthew Michael Carnahan; 2007)
Calificación: 4 darines sobre 5 (por Leandro Cippitelli)
El título Leones por corderos está inspirado por una célebre frase pronunciada por un oficial alemán durante la Primera Guerra Mundial, refiriéndose a la valentía de los soldados británicos en contraste con la cobardía criminal de sus superiores: "Nunca leones como éstos tuvieron por líderes a semejantes corderos". Es decir, esta película intenta denunciar, entre otras cosas, la ineptitud de los dirigentes norteamericanos en su afán por continuar siendo la “policía mundial”.
Robert Redford interpreta al Profesor Stephen Malley, un docente de Teoría de las Relaciones Internacionales de una universidad americana cuyo nombre no es revelado. Tom Cruise es el malo, Jasper Irving, un senador republicano en carrera para presidente, un paracaidista retirado (tipo Chávez) experto en inteligencia (iiih). Meryl Streep trabaja como la periodista Janine Roth, quien carga con la cruz de haber sigo alguna vez progresista y que en el presente es la notera estrella venida a menos de un medio alineado con los republicanos.
La historia la relatan Malley y Roth, el primero a través de una reunión en su oficina con un alumno de la materia que dicta en la carrera de Estudios Internacionales, a quien pretende convocar a que abandone el espíritu apático viciado de desesperanza por la realidad local e internacional americana; la segunda por medio de una entrevista que le concede el senador Irving en su despacho para darle la primicia del cambio de táctica de la U.S. Army en Afganistán.
Dónde se cruzan las historias es la pregunta obligada. En la primera movida de ajedrez de la nueva estrategia en Afganistán, caen dos soldados que en una exposición oral en clase de Malley habían revelado su Conscripción al Servicio Nacional por considerar que era la única forma de recuperar el prestigio de la política internacional estadounidense. El profesor después de escuchar eso había citado a sus alumnos para disuadirlos de la decisión que habían tomado, consciente de que se estaban alistando para morir con la misma impunidad con la que habían muerto compañeros suyos. El detalle es que uno de los alumnos era negro y el otro residente permanente mejicano, ambos se sentían socialmente excluidos y no estaban en condiciones de asumir el compromiso del crédito que la universidad les podía otorgar para concluir sus estudios, Malley se rinde y los deja ir.
El fracaso de la nueva empresa de la fuerza norteamericana en Afganistán es comunicado de inmediato al senador Irving, quien en ese momento se encontraba reunido con la periodista Roth en medio de un enérgico intercambio, desapareciendo toda la fuerza del discurso de “La Guerra contra el Terrorismo” que había comenzado post 11S.
La película es inteligente, pero confusa. Quiere expresar múltiples mensajes y algunas diferencias entre las percepciones y la supuesta realidad americana y parece demasiado: pasa por lo enferma que está la sociedad, lo malo que es el desempeño de sus dirigentes, la apatía dominante en las nuevas generaciones, la discriminación racial, el veletismo de la prensa en oposición a la idea del cuarto poder, etc. Esto se debe principalmente a que Redford desde el 2000 que no dirigía y debe haber acumulado mucho material e ideas, las reunió y le salió una película muy cargada, pero insistimos no por eso menos inteligente. También tiene errores de setting, la película no tiene prácticamente escenas en exteriores pues las cámaras no salen del despacho de Irving y de la oficina de Malley, lo cual hace poco dinámico al relato.
No-interpretación: la película no es un palo a Bush, no es una película más que toca la temática anti-ocupaciones ilegales, abusos de poder, etc. con liviandad y escaso compromiso, como nos acostumbró Hollywood. Sí apela a recursos simbólicos emotivos para despertar emoción en la audiencia, pero esto es en sí estratégicamente correcto, pues sin ese atajo, ante la escasez de dinamismo, uno se ve tentado a cambiar de canal.
Interpretación: la película es una fotografía de la frustración americana post 11S, expresada en el senador Irving, en paralelo con la frustración de la generación anterior post Vietnam, humanizada en la periodista Roth. El profesor Malley reproduce el rol marginal de los educadores en el proceso de toma de decisión y el de la construcción de paradigmas identitarios en la sociedad americana.
Entrá a la programación actual del siempre muy recomendable ciclo de cine del Malba
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- Masottatorres, nuevísimo espacio de arte
Recientemente inaugurado, sus socios nos dicen que sus esfuerzos "están puestos en la promoción de la obra de artistas visuales de calidad dentro del arte argentino contemporáneo, y en la gestión de proyectos artísticos de diálogo multidisciplinario, para los cuales contamos con espacios que permiten la experimentación y la investigación"