• Ciclo de Conferencias Magistrales 2017

    CONFERENCIAS DEL CICLO 2017

    Durante este año el Departamento de Arte de la UTDT ofreció de forma libre y gratuita un ciclo de conferencias magistrales dictadas por destacados intelectuales sobre temas fundamentales para entender las prácticas artísticas contemporáneas en su contexto específico.




    Conferencia de Graciela Speranza



    Conferencia de Ezequiel Gatto. Septiembre 2017. 



    Conferencia de Verónica Gago - Junio 2017. Fotos: Guadalupe Creche



    Conferencia de Diego Sztulwark - Julio 2017. Fotos: Bruno Dubner



    Conferencia de Reinaldo Laddaga - Mayo 2017. Fotos: Bruno Dubner


  • Jornadas: Recorridos 1967 / Noviembre 2017

    El Departamento de Arte, el Departamento de Estudios Históricos y Sociales y el Área de Educación de la Escuela de Gobierno de la Universidad Torcuato Di Tella invitaron a las Jornadas “Recorridos 1967”, que trazaron una panorámica musical y cultural del año del llamado “Summer of Love”, momento en el cual más de 100.000 jóvenes se reunieron en San Francisco para mostrar públicamente sus estilos de vida, en general, caracterizados como hippismo, y sus convicciones políticas.

    En el primer encuentro, de la mano de la banda Nube9, transitamos por las canciones emblema de 1967, considerado por los especialistas como el más importante y revolucionario de la música pop-rock. Se tocarán temas de The Beatles, The Beach Boys, The Kinks y The Jimi Hendrix Experience, entre otros. 


    En el segundo encuentro se discutió, entre otros temas, el impacto social e intelectual de la contracultura, principalmente la hippie, en cuestiones que han hecho a la  identidad sexual, al uso de sustancias alucinógenas, al arte y a la música como vehículo de protesta contra las formas más conservadoras de pensamiento, tanto en Argentina como en el mundo.

     

    Programa:

    • Martes 31/10
    • 18h, Auditorio UTDT - Recital de la banda Nube 9. 
    • Nube 9 nació en el 2001 para rendir un tributo distinto a The Beatles. Realizó distintos shows interpretando toda su discografía, así como también homenajes a las carreras solistas. Ganó premios internacionales como Mejor Banda y Mejor Espectáculo Temático y fue especialmente invitada a participar de la “Beatle Week” en Liverpool, donde se presentó en ocho oportunidades. Ingresó al “Salón de la Fama” en 2011, siendo la única banda argentina en lograrlo hasta el momento. En 2011 fue elegida como banda telonera de Ringo Starr en su primera visita al país.


    Presentan:

    Julio Guichet. Creador, conductor y productor radial con más de 40 años de trayectoria, durante los que creó y condujo numerosos programas de rock y realizó más de 300 entrevistas a músicos locales e internacionales. Ganó el Premio Broadcasting (1991) al Mejor Programa para la Juventud por “Historock” (Radio Municipal) y Premio Martin Fierro (2014) al Mejor Programa Musical por “Eternamente Beatles” (Radio Continental).

    Fernando Blanco. Cantante y bajista de Nube9. Conduce el ciclo radial “Ruido Blanco” por Nacional Rock. Editó los libros de investigación Beatlend (2010) y “Los Beatles desde el comienzo (1962-1966)” en 2017. Editó tres discos solistas acompañado por los músicos de Nube9: “Blanco Móvil” (2005), Mares Lejanos (2009), “Días movidos” (2012) y “Luces y Sombras” (2017).

    Coord​​inan: Marcelo ​Rabossi. Profesor investigador del Área de Educación, UTDT y Klaus Gallo. ​Profesor investigador del ​Departamento de E​studios Históricos y Ciencias Sociales, UTDT.


     

    • Jueves 16/11
    • 19h, Auditorio UTDT – Panel “Arte, cultura y música en 1967 en Argentina y el mundo”
    • Lugar: Auditorio UTDT (Av. Figueroa Alcorta 7350)

      Actividad libre y gratuita


    Participan:

    Andrés Di Tella. “Fotogramas de 1967”

    Presentó un recorrido por el año 1967, a través de una serie de imágenes de su archivo personal, donde se mezclan “el extraño mundo de los hippies”, el hermano del Che Guevara, la crítica al Instituto Di Tella y un viaje de la infancia.

    “Entre el sistema y el pueblo se interpone una multitud de desorientadores. La violencia neocolonial se encubre también bajo formas sublimadas. La guerra en Latino América se libra ante todo en la mente del hombre. Filmes, revistas, audiciones, periódicos, intentan despolitizar al pueblo, sembrar el escepticismo, la evasión. Se desarrolla el prejuicio y el desprecio por lo nativo. Se enseña a pensar en inglés. Artistas e intelectuales son integrados al sistema. La violencia, el crimen, la destrucción, pasan a convertirse en la paz, el orden, la normalidad. La monstruosidad se viste de belleza”.

    “Por suerte, en nuestro país solo hay unos pocos malos imitadores de estos hippies estadounidenses. Ellos dicen tener su fe. ¿En qué? ¿En alguna doctrina tan amplia que permita sus actitudes reñidas contra toda ética? Nuestro pueblo sigue entendiendo la fe de otra forma”.

     Fernando García. “LONG PLAY: aproximaciones de lo inaudito en la cultura popular”.

    En 1967 cinco objetos fabricados en serie para el mercado masivo se impusieron en la cultura contemporánea con la presencia aurática de las obras de arte. Se trató de discos de larga duración comúnmente llamados Long Play que cristalizaron en el álbum la unidad estética de la cultura rock. La idea de “larga duración” será tomada entonces para dar cuenta del impacto duradero que tuvieron estas obras editadas apenas con meses de diferencia y hasta que punto alteraron las nociones de escucha en la música popular abriendo camino a la asimilación posterior de estéticas inauditas. Sergeant Pepper Lonely Hearts Club Band (The Beatles), Are you experienced? (The Jimi Hendrix Experience), The Velvet Underground & Nico, The piper at the gates of dawn (Pink Floyd), The Doors (The Doors).    

     Rafael Cippolini. "Rockodelia 67"

    ¿Qué tipo de información estética capturó el formato de canción rock y pop en el trascurso de ese año fundante en el que el artista británico Peter Blake realizaba el diseño de tapa del Sgt. Pepper? ¿Qué clase de cultura y de subculturas polinizaron aquellas producciones musicales en la moda, las publicaciones de vanguardia, las aventuras contraculturales, el cine, las historietas, la literatura y las jergas planetarias? Doce meses de revolución ininterrumpida donde la Obra de Arte Total que idearon los románticos parecía iniciarse y concluir en el formato disco de 78 rpm.

    Presentó: Inés Katzenstein, directora del Departamento de Arte.


    CV

    Andrés Di Tella es cineasta. Director de las películas Montoneros, una historia (1995), Macedonio Fernández (1995), Prohibido (1997), La televisión y yo (2002), Fotografías (2007), El país del diablo (2008), Hachazos (2011) ¡Volveremos a las montañas! (2012), Máquina de sueños (2013), El ojo en el cielo (2013) y 327 cuadernos (2015). Fundador y primer director del Buenos Aires Festival Internacional de Cine Independiente, en 1999. De 2002 a 2011 dirigió el Princeton Documentary Festival en la Universidad de Princeton, donde ha sido Visiting Professor. Fue distinguido con la Beca Guggenheim. Dirige desde el 2017 el Programa de Cine, espacio dedicado a la experimentación cinematográfica e interdisciplinaria, en el departamento de Arte de la Universidad Torcuato Di Tella.

    Fernando García es periodista, escritor y productor cultural. Editor de Suplemento Sí, Espectáculos, Cultura, Revista ñ y Viva del Diario Clarin (1994-2012). Autor de “Los Ojos, vida y pasión de Antonio Berni” (2005); “Conversaciones con León Ferrari” (2008); “100 veces Pappo” (2011); “100 veces Redondos” (2014); “100 veces Stones en Argentina” (2015); “Marta Minujín: los años psicodélicos” (2015); “100 veces Charly” (2016); “Como entrevistar a una estrella de rock y no morir en el intento” (2016). Obtuvo el 1° premio de ensayo José Hernández del Senado de la Nación (2014) por “Criminal Mambo”, que Paidós publicará con el título “Crimen y Vanguardia, el caso Shocklender y el surgimiento del underground en Buenos Aires”. Fue programador de música y extensión cultural en Malba (2013-2015) y el Centro Cultural Kirchner (2016 y 2017). Condujo los programas “Afectos de sonido” (2001) e “Invisible” (2012) en Radio Nacional y fue columnista de “Su Atención por favor” (Metro, 2014). Desde abril de 2016 conduce junto a Paula Zacharías “¿Por qué son tan geniales?” en Radio Cultura. Es magíster en Historia del Arte Argentino y Latinoamericano por IDAES-UNSAM.  

    Rafael Cippolini es escritor y curador de arte. Autor de Manifiestos Argentinos. Políticas de lo visual 1900-2000, archivo de escrituras de artistas argentinos del Siglo XX, así como de estudios sobre las obras de Alfredo Prior, Fabio Kacero, Alberto Greco, Yamandú Rodríguez, Max Gómez Canle, Benito Laren, Xul Solar, Gyula Kosice, Eduardo Costa, Josefina Robirosa, Sergio Avello, entre muchos otros. Fue editor de la revista de arte ramona. Es colaborador de los diarios Clarín, Página 12, La Nación y Perfil. Estuvo a cargo, junto a Roberto Echen, de LDC: Laboratorio de Curaduría, en el Centro de Expresiones Contemporáneas de Rosario.

     Actividad libre y gratuita.

      
  • IVO MESQUITA / Septiembre 2017

    Invitado por el Departamento de Arte de la Universidad Torcuato Di Tella, el renombrado curador barileño Ivo Mesquita dictó una conferencia pública el viernes 8 de septiembre de 2017, a las 19h, en el Aula Magna de la Universidad.

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    Museos: experiencia versus números 

    Los museos de arte funcionan como las instituciones más valoradas, el "top" de la industria cultural y turística contemporánea. Y más sorprendente aún es que en el centro de esta poderosa economía está el arte contemporáneo. Por cierto este nuevo status del museo le ha agregado demanda y procedimientos, no sólo curatoriales y disciplinares, sino también está cambiando el entendimiento del museo de arte ahora en su viabilidad económica (empresa) y responsabilidad social (politicas públicas para la cultura). ¿Cómo este nuevo rol afecta la mirada y la experiencia del museo?. Curadores como tecnócratas: ¿qué está en juego en el espacio de la instituición: costos y productividad o investigación y conocimiento? ¿Qué narrativas se pueden construir entre museos hegemónicos y museos locales? ¿De qué sirven las nuevas tecnologías para la popularidad del museo contemporáneo?

    Ivo Mesquita es curador e investigador residente en São Paulo donde fue curador jefe en la Pinacoteca del Estado y director artístico de la 28 Bienal de esa ciudad. Desde 1996 es profesor visitante en el Centro de Estudios Curatoriales del Bard College, New York. Fue también director técnico del Museo de Arte Moderno de São Paulo (2000-2002), y curador jefe de la Fundación Bienal de São Paulo (1999-2000).

    La presencia de Ivo Mesquita en Argentina fue posible gracias al apoyo de la Embajada de Brasil en Buenos AiresCanta Brasil y de nuestro Círculo de Amigos.


    Mesquita también dictó un seminario intensivo arancelado sobre prácticas curatoriales contemporáneas. 

  • GRACIELA SPERANZA / Noviembre 2017

    Durante este año el Departamento de Arte de la UTDT ofreció de forma libre y gratuita un ciclo de conferencias magistrales dictadas por destacados intelectuales sobre temas fundamentales para entender las prácticas artísticas contemporáneas en su contexto específico.

    En la última de ellas, la crítica, narradora y guionista de cine Graciela Speranza reflexionó sobre el arte frente a la crisis ambiental y el mundo digitalmente administrado.

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    “Las amenazas que nublan el futuro del hombre y el planeta responden a fenómenos perturbadoramente opacos. Dos de las más acuciantes – una crisis ambiental ya irreversible y una inmersión cada vez más absoluta en un doble digital del mundo- operan a una escala global que enmascara las causas y la verdadera dimensión de los efectos. La perspectiva de un fin no demasiado remoto se encubre con el negacionismo de un capitalismo voraz que fuga hacia adelante y no repara en daños, mientras que la inmersión en una red creciente de flujos de información y sofisticados algoritmos se ha naturalizado en la vida cotidiana al punto de invisibilizarse. La complejidad y la aceleración de los procesos desafían al pensamiento crítico en busca de respuestas, pero cabe a la imaginación artística correr el velo, promover el disenso frente al consenso generalizado y atisbar configuraciones todavía inaccesibles a otros lenguajes. El arte casi por definición vuelve visible lo que no se ve pero lo mueve ahora una empresa mayor, una urgencia cosmopolítica. ¿Qué da a ver el arte de nuestro tiempo? ¿Qué reconstruye o restituye de lo que deliberadamente se oculta? ¿Cómo se renueva en el intento?”

    Graciela Speranza es crítica, narradora y guionista de cine. Se doctoró en Letras en la Universidad de Buenos Aires donde enseñó literatura argentina. Desde 2009 es profesora del Departamento de Artes de la Universidad Torcuato Di Tella. Entre otros libros ha publicado Guillermo Kuitca. Obras 1982-1998Manuel Puig. Después del fin de la literaturaFuera de campo. Literatura y arte argentinos después de DuchampAtlas portátil de América Latina. Arte y ficciones errantes (finalista del Premio Anagrama de Ensayo), y el reciente Cronografías. Arte y ficciones de un tiempo sin tiempo. También publicó dos novelas, Oficios ingleses y En el aire. En 2002 recibió la beca Guggenheim y en 2014 fue Tinker Visiting Professor en la Universidad de Columbia. Desde 2003 dirige con Marcelo Cohen la revista de letras y artes Otra parte.


  • REINALDO LADDAGA / Mayo 2017

    Durante 2017 el Departamento de Arte de la UTDT ofreció de forma libre y gratuita una serie de Conferencias magistrales dictadas por destacados intelectuales sobre temas fundamentales para entender las prácticas artìsticas contemporáneas en su contexto específico. 

    La primera de ellas fue dictada por el escritor Reinaldo Laddaga y tuvo lugar el  miércoles 3 de mayo a las 19h.

     
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    En dicha conferencia, Ladagga disertó sobre Las sobras de Andy Warhol, con la idea de que "en este extraño e incierto presente, en este cierre posible de una época, es importante revisar la obra del personaje que, como ningún otro, es emblemático de los Estados Unidos en el arte de la segunda parte del siglo XX: Andy Warhol. Que en los años 70 haya sido un actor principal de la escena social en que adquiría su prominencia Donald Trump y se consagrara por entonces a explorar los territorios de contacto entre la celebridad y la política, vuelve el caso aún más intrigante. Pero lo cierto es que la obra de Warhol es muchísimo menos conocida que lo que la familiaridad con algunas imágenes emblemáticas (estrellas o latas de sopa) nos puede hacer pensar. Mi presentación aspira a proponer algunas claves para interpretar el intrincado curso de su trayectoria desde comienzos de los años 60 hasta su muerte, curso que incorpora los cuadros con que solemos asociar su nombre, pero también películas, libros, performances, empresas, instalaciones, y el juego de disfraces que nunca dejó de desplegar."


    Reinaldo Laddaga nació en Rosario, Argentina, y vive en Nueva York. Entre sus colecciones de ensayos sobre arte y literatura se encuentran Estética de la emergencia; la formación de otra cultura de las artes (2006), Espectáculos de realidad (2007) y Estética de laboratorio; estrategias de las artes del presente (2010). Entre sus libros de narración: Tres vidas secretas: John D. Rockefeller, Walt Disney, Osama bin Laden (2008), Un prólogo a los libros de mi padre (2011), Cosas que un mutante tiene que saber (2013) y, con Jorge Carrión, Riplay (2015). Su sitio web es www.rladdaga.net.


    Imagen: Andy Warhol, Trump Tower (1981)
  • Presentación: ¿Es el arte un misterio o un ministerio? / Mayo 2017

    ¿Es el arte un misterio o un ministerio? El arte contemporáneo frente a los desafíos del profesionalismo

    Inés Katzenstein (comp),  Claudio Iglesias (comp)   

    Miércoles 24/5, 19h. Isla de Ediciones. ArteBA. Junto a Siglo XXI Editores. 

    El libro fue presentado por Leopoldo Estol (artista), Renato Fumero (politólogo) y Andrea Giunta (doctora en Historia del Arte y directora de la colección Arte y Pensamiento de Siglo XXI).

    La Rural Avenida Sarmiento 2704, Pabellones Azul y Verde


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    ¿Cuál es la relación entre arte y trabajo? ¿De qué viven los artistas? ¿Hasta qué punto están en tensión el mundo de la experimentación y la búsqueda estéticas y el mundo profesional, donde hay circuitos establecidos y reglas que seguir? En un contexto de creciente ordenamiento y reglamentación de las relaciones entre artistas, curadores, críticos, museos, compradores y vendedores, el debate sobre profesionalismo-amateurismo se ha vuelto cada vez más relevante. Y este libro se ocupa de trazar y pensar las coordenadas básicas del dilema.

    ¿Es el arte un misterio (algo en definitiva indescifrable, imposible de reducir a un sentido o una finalidad) o un ministerio (una práctica social susceptible de ser organizada y mejorada)? En torno a esta pregunta reflexionan los más destacados intelectuales y especialistas ligados a la escena artística contemporánea y provenientes de distintos contextos geográficos y disciplinas. Con registros variados –desde el relato de la experiencia personal hasta la especulación filosófica y teórica– y de una riqueza conceptual y expresiva que no rehúye la discusión, los autores analizan las búsquedas y los límites del arte en cuanto misterio, su relación con el Estado y con las nuevas formas del mercado. Se detienen en la trayectoria de artistas y curadores que proponen nuevos modelos de intervención y provocación política. E indagan en el vínculo del arte con la publicidad, los nuevos medios, las contraculturas y otras artes.

    Desde distintas perspectivas, ¿Es el arte un misterio o un ministerio? constituye un aporte fundamental en un momento decisivo y paradójico, en el que gana protagonismo la idea del arte como campo profesional, mientras que el lema de la creatividad se afirma en las industrias culturales y los negocios.

    Disponible aquí:
  • DIEGO SZTULWARK / Julio 2017

    Durante 2017 el Departamento de Arte de la UTDT ofreció de forma libre y gratuita una serie de Conferencias magistrales dictadas por destacados intelectuales sobre temas fundamentales para entender las prácticas artìsticas contemporáneas en su contexto específico. 

    La tercera de ellas, "Neoliberalismo y formas de vida", fue dictada por linvestigador en filosofía y teoría política, Diego Sztulwark y tuvo lugar el miércoles 5 de julio a las 19h.


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    NEOLIBERALISMO Y FORMAS DE VIDA 
    Dado que la cuestión del modo de vida se juega en el tipo de articulación que pueda alcanzarse entre discurso conceptual y dimensión no discursiva de los saberes, toda filosofía práctica involucra una determinada política de la existencia. Como escribe Rilke, se trata de “ser valientes para lo más extraño, asombroso e inexplicable que nos pueda ocurrir”. Una rápida mirada a la coyuntura permite distinguir direcciones diferenciadas, puesto que las luchas abren nuevos posibles aún en circunstancias bien determinadas por la violencia y la continua amenaza de destrucción de la vida.

    Diego Sztulwark cursó estudios en Ciencia Política en la Facultad de Ciencias Sociales de la UBA. Fue organizador y docente de la Cátedra Libre Che Guevara, en la Facultad de Ciencias Sociales de la UBA. Ha dado clases y cursos en cátedras de sociología y filosofía de esa misma Universidad, en el posgrado de FLACSO (Facultad Latinoamericana de Cs. Sociales), en el Programa para Artistas de la Universidad Torcuato Di Tella, y como conferencista invitado en diversas universidades de Italia, Austria, Canadá y Estados Unidos. Asimismo, se desempeña como docente en grupos de estudio privados desde hace más una década. Como miembro de Colectivo Situaciones ha publicado y editado diversas investigaciones militantes, tarea que se complementa con su labor editorial en Tinta Limón Ediciones. Desde hace dos años, participa en FM La Tribu con un breve programa semanal, Clinamen. Es editor de la Obra León Rozitchner, publicada por la Biblioteca Nacional de la República Argentina. Ha publicado los siguientes libros: Política y situación, de la potencia al contrapoder (junto con Miguel Benasayag); Imágenes de lo no escolar (junto con Silvia Duschatzky), y Buda y Descartes, la tentación racional (junto con Ariel Sikorsky).

  • EZEQUIEL GATTO / Septiembre 2017

    FUTUROS PRESENTES / PRESENTES FUTUROS

    Algunas hipótesis sobre el futuro
    Conferencia de Ezequiel Gatto

    Durante este año el Departamento de Arte de la UTDT ofreció de forma libre y gratuita un ciclo de conferencias magistrales dictadas por destacados intelectuales sobre temas fundamentales para entender las prácticas artísticas contemporáneas en su contexto específico.

    ¿Dónde se piensa hoy, socialmente, el futuro? ¿Cuáles son los agentes e instituciones decisivos en las orientaciones a futuro actuales? ¿Cómo se inscriben las diferentes hipótesis y gobiernos del futuro en la vida social? ¿Qué modos y prácticas nos pueden permitir abrir el porvenir para saltar el cerco del realismo capitalista y el de los modos clásicos de la imaginación política?

    La charla propuso una serie de problemáticas que involucran la futuridad de las sociedades contemporáneas, los modos en que se anudan (y desanudan) devenir, posibilidades y estrategias. En ese cruce se habló de las imágenes, lo posible y lo imposible, los procesos y las visiones, las utopías y las posutopías, lo fijado y lo reconfigurable, lo imprevisible. Conversamos sobre cómo el gobierno capitalista del tiempo y las tecnologías encierra la imposibilidad del pasaje a formas sociales menos violenta e injustas, sobrelas formas en que ciertas hipótesis de futuro han incidido en las prácticas politicas y, finalmente, sobre algunas nociones (multiplicidad de futuridades, la relación entre lo posible y lo probable, el diseño como posutopía y la improvisación) que podrían aportar a nuevos esquemas para pensar el futuro.



    Ezequiel Gatto (1979), vive en Rosario. Historiador (UNR), Doctor en Ciencias Sociales (UBA), docente de Teoría Sociológica en la carrera de Historia (UNR) y becario posdoctoral (CONICET). Sus investigaciones están orientadas a problemáticas sociales y culturales contemporáneas. Ha publicado artículos en revistas académicas y medios periodísticos, nacionales e internacionales. Fue autor, junto a Agustín Valle e Ignacio Gago, de “Redondos. A quién le importa. Biografía política de Patricio Rey” (Tinta Limón Ediciones, 2013) y recientemente compiló “Nuevo activismo negro. Lecturas y estrategias contra el racismo en Estados Unidos” (Tinta Limón Ediciones, 2016). Integra el Club de Investigaciones Urbanas y el Grupo de Investigación en Futuridades.


  • TANIA BRUGUERA / Septiembre 2017

    El Departamento de Arte de la UTDT, junto con la Secretaría de Integración Federal y Cooperación Internacional del Ministerio de Cultura de la Nación, tuvo el agrado de presentar, el pasado 25 de septiembre, una conferencia de la artista cubana Tania Bruguera, sobre arte, educación y política.

    En 2014, Bruguera cobró celebridad internacional por su obra Tatlin´s Whisper, un micrófono abierto en la Plaza de la Revolución, para que todos los ciudadanos expresaran cómo imaginaban el futuro de Cuba. Por esta intervención, la artista fue arrestada por el gobierno de cubano, con el cual mantiene una delicada relación hasta la actualidad.



    Pero la trayectoria artística y militante de Bruguera es mucho más larga. Entre 2002 y 2009 la artista desarrolló en Cuba un proyecto llamado Cátedra de Arte de Conducta, tendiente a propiciar un espacio de formación interdisciplinario para la producción de proyectos de transformación social y política.  El proyecto, mitad obra de arte, mitad institución, incluyó la creación de un archivo y biblioteca de arte contemporáneo, y se propuso como “la creación de un modelo pedagógico que suple las carencias de espacios cívicos de discusión sobre la función del arte en la sociedad cubana actual y promueve nuevas generaciones de artistas e intelectuales”. Sobre esta experiencia y su concepción de la tarea docente, tratará la charla de Bruguera.

    Su trabajo se ha expuesto en Documenta Kassel, Bienales de Venecia, San Pablo, Shangai, La Habana, así como en museos como el Moma o la Tate Modern. En 2008 fue galardonada con el premio Prince Claus de Holanda. Su trabajo ha sido discutido en Artforum, New York Times, Performance Research, Performance: Live Art Since 1960, entre otros.

    Desde el año 2016, y gracias a una intensa campaña de fundrising, se encuentra trabajando para abrir el Instituto de Activismo Hanna Arendt, un centro educativo basado en su concepto de “arte útil”.

    Agradecemos al encuentro IDEAS. "Pensemos juntos el futuro", organizado por el Ministerio de Cultura de la Nación, por hacer posible esta conferencia.



    Imagen: Hugo Huerta Marin

    Las vacantes son limitadas. Los lugares se asignarán por orden de llegada.

  • VERÓNICA GAGO / Junio 2017

    Durante 2017 el Departamento de Arte de la UTDT ofrecerá de forma libre y gratuita una serie de Conferencias magistrales dictadas por destacados intelectuales sobre temas fundamentales para entender las prácticas artìsticas contemporáneas en su contexto específico. 

    La segunda de ellas, "¿Hay una guerra "en" el cuerpo de las mujeres"? Finanzas, territorios y violencias, fue dictada por la investigadora y Dra. en Ciencias Sociales, Verónica Gago y tuvo lugar el  miércoles 14 de junio a las 19h.



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    ¿HAY UNA GUERRA “EN” EL CUERPO DE LAS MUJERES?
    FINANZASTERRITORIOS Y VIOLENCIAS
    ¿Qué nos permitiría hablar de una guerra para denominar la escalada de muertes de mujeres? Claramente no el enfrentamiento de dos bandos simétricos o bajo reglas claras de la contienda. Pero sí parece necesario calificar el tipo de conflicto a partir de un mapa de conflictividades que anudan la violencia de género con la violencia económica, social y política.

    Verónica Gago es Dra. en Ciencias Sociales por la Universidad de Buenos Aires. Trabaja como docente en la Facultad de Ciencias Sociales (UBA) y en el Instituto de Altos Estudios (Universidad Nacional de San Martín). Es investigadora del CONICET y autora de La razón neoliberal. Economías barrocas y pragmática popular (Tinta Limón, 2014/Traficantes de Sueños, 2015).


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